Retrato de la Familia de Carlos IV por Francisco de Goya: Un Vistazo a la Realeza Española

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La Familia de Carlos IV: Un Retrato de la Realeza Española

Ficha Técnica

  • Nombre: La familia de Carlos IV
  • Autor: Francisco de Goya
  • Cliente: Encargada por el rey Carlos IV
  • Fecha: 1800
  • Estilo: Neoclasicismo, con elementos románticos
  • Ubicación original: Palacio Real de Madrid
  • Ubicación actual: Museo del Prado, Madrid
  • Relación con un conjunto: Con todos los bocetos preparatorios del cuadro.

Descripción Técnica

  • Técnica: Óleo
  • Dimensiones: Grandes
  • Soporte: Tela
  • Tipo: Figurativa

Análisis Formal

  • Descripción: Es un retrato colectivo donde aparece la familia de Carlos IV al completo, incluyendo a Goya.
  • Dibujo y color: Poca importancia del dibujo, predominio del color.
  • Colores: Diversidad de colores puros, sin mezclar. Destaca el rojo del rey.
  • Luz: Juegos de penumbra, luz fría y natural que llega desde la izquierda, creando teatralidad.
  • Pincelada: Suelta y vigorosa.
  • Ejes de composición: Simetría (reina), orden y verticalidad (ordenación vertical de los personajes).
  • Líneas compositivas: Personajes distribuidos en tres grupos, elementos dirigidos al centro del cuadro (centrípeta).
  • Centro pictórico: La reina en el centro del cuadro, pero el rey Carlos IV como centro pictórico.
  • Vista: Sin perspectiva, pero con volumen.
  • Planes: Primer plano con todos los personajes excepto Goya, el yerno, María Luisa y la hermana del rey en segundo plano.
  • Anatomía: Personajes proporcionados a la realidad.
  • Vestidos: Blancos y dorados armonizan con rojos y azules. Destaca la vestimenta lujosa y dorada de la reina y el rojo del niño.
  • Expresión: Niños con expresión alegre, dulce e inocente; el resto, serios.
  • Movimiento: Falta de movimiento.
  • Tiempo: Largo.
  • Realismo y detallismo: Detallismo en la vestimenta. La futura esposa de Fernando VII está de espaldas, ya que no se sabía quién sería. Goya se autorretrata a la izquierda.

Análisis Iconográfico e Iconológico

  • Relación con otras obras del autor: La maja desnuda y La maja vestida.
  • Relación con obras de la época o estilo: El juramento de los Horacios y La muerte de Marat de David.
  • Características del estilo: Claridad en las formas, equilibrio y simplicidad; belleza ideal; predominio del dibujo sobre el color; poco interés en el tratamiento de la luz (características del Neoclasicismo).
  • Innovaciones: Iniciador de la pintura moderna.
  • Influencias: Caravaggio (luz), Las Meninas de Velázquez (autorretrato y tratamiento del color).
  • Género: Retrato áulico.
  • Significado iconográfico: Retrato colectivo de la familia de Carlos IV con Goya. Tres grupos de personajes, destacando el rey y la reina con sus hijos en el centro, Fernando VII y su futura esposa a la izquierda, y el hermano del rey y el nieto de los reyes a la derecha.
  • Significado iconológico: Posible burla a la ingenuidad del rey frente a la reina. Un personaje sin rostro (futura esposa de Fernando VII). Goya en segundo plano, el rey y su hijo (futuro rey) en primer plano.
  • Finalidad: Propagandística y decorativa.
  • Relación de la obra con la época: Encargo del rey que, por su realismo y captación psicológica, se convirtió en una radiografía de la política española. Goya, pintor de la monarquía absoluta.
  • Aportaciones: Importante para los expresionistas (pinceladas sueltas y contrastes cromáticos) y para los impresionistas (deformación de la realidad).

Características de Estilo en Diversas Obras

Se presentan a continuación las características de estilo de varias obras, a modo de comparación y contextualización:

  • Impresión, sol naciente (Monet): Importancia del agua y la luz, abstracción del paisaje, despreocupación por el espacio, captación del momento, juego con colores primarios y complementarios.
  • El grito (Munch): Expresión de sentimientos, colores puros y cálidos, distorsión de la figura, uso de la línea para mostrar estados de ánimo, temas morbosos.
  • La libertad guiando al pueblo (Delacroix): Temas históricos, expresión de emociones, exaltación de lo imaginario, tratamiento dramático de la luz, la belleza no es el objeto principal.
  • El pensador (Rodin): Figuras humanas, multiplicación de ángulos, tratamiento de la luz mediante rugosidad, juegos lumínicos.
  • Los jugadores de cartas (Cézanne): Importancia del color y del dibujo, reducción a formas geométricas, búsqueda de la esencia, varias versiones del mismo tema, ausencia del negro.
  • Torre Eiffel (Eiffel): Uso del hierro, vidrio, hormigón y acero; ingenieros en lugar de arquitectos; puentes, fábricas y estructuras cubiertas con materiales tradicionales.
  • Los primeros fríos (Blay): Transmisión de ideas, arte conceptual, temas cotidianos, artista no sometido a la belleza ideal.
  • El juramento de los Horacios (David): Interés por la belleza y el canon, temas de la antigua Roma, pureza de la línea, ausencia de decoración accesoria, claridad compositiva, materiales nobles.
  • El entierro en Ornans (Courbet): Representación directa de la realidad, temas laborales y cotidianos, artistas comprometidos, interés por el dibujo.
  • Eros y Psique (Canova): Ideal de belleza, interés por la figura humana, pureza de la línea, claridad compositiva, materiales nobles, poco movimiento.
  • El desayuno sobre la hierba (Manet): Interés por la luz y el color, arte perceptivo, abstracción del paisaje, predominio del color sobre el dibujo, colores no mezclados.
  • La Vicaría (Fortuny): Pequeño formato, ambientación en el siglo XVIII, escenas costumbristas, predominio del equilibrio, artista no sometido a la belleza ideal, detallismo.