LAS PRIMERAS VANGUARDIAS

CONTEXTO HISTÓRICO

A principios del Siglo XX quedaron marcados por la crisis de la Primera Guerra Mundial, esto originó grandes cambios de carácter político, económico y social. Esto obligó a un replanteamiento de la sociedad europea que se concreto en: Relajación de la moral, costumbres y aparecen nuevas modas. Nuevo papel de la mujer en la sociedad.Gran número de bajas, civiles como militares, provocó un desprecio por la vida humana. Caída de los grandes imperios y remodelación de las grandes fronteras europeas. Llegada de las ideas marxistas. EEUU se convirtió en una potencia político – militar./ Después de la guerra, EEUU vivíó los llamados felices años veinte, optimismo político y económico que acabó con el crac de la Bolsa de Nueva York en 1929. La crisis trajo consigo problemas socioeconómicos de alcance mundial, con consecuencias como la Gran Depresión estadounidense o el advenimiento del nazismo en Europa. Este aprovechó la vía democrática y la coyuntura de la Alemania de posguerra para llegar al poder, que provocó atrocidades como el Holocausto y la Segunda Guerra Mundial. Terminado el conflicto el mundo se dividió en dos bloques, el occidental dominado por EE.UU y el soviético, liderado por la URSS.

CarácterÍSTICAS DE LAS VANGUARDIAS

El arte de vanguardia es entendido como búsqueda constante. Aporta nuevas alternativas rompiendo con la tradición. Rompe con el gusto dominante y se rompe del gran público. Lanzan textos teóricos, manifiestos, entrevistas, artículos, libros, un material teórico fundamental que forma parte de la práctica artística.  Se marcan dos vías de expresión: figuración y abstracción. Esta vía es difícil de delimitar. Hay arte figurativo con elementos abstractos. La tecnología es una clave para las vanguardias. El arte moderno es aquel que asume, acepta e integra todo lo que son las nuevas tecnologías de la imagen. Este innovador y provocativo, que ha sido rechazado por el público, finalmente es asimilado. Hoy en día está integrado. Este arte se encuentra en los museos.

FAUVISMO

En el Salón de Otoño de París de 1905, Louis Vauxcelles llamó fauves a un grupo de artistas. La razón fue la violencia cromática que presentaban las obras, se alejaba de la búsqueda de la representación de la realidad en el arte desde el Renacimiento. Los pintores fueron los creadores del fauvismo que en 1907 ya había perdido la fuerza. Se caracteriza por la importancia del color, agresivo aplicado de forma arbitraria, se aprecia la influencia de Gauguin y de Van Gogh. Manifestan su descontento por la realidad capitalista afirmando el derecho del artista a presentar y deformar de manera primitiva los objetos y fenómenos. Los principales componentes del grupo son: André Derain, Henry Matisse y Maurice de Vlaminck.

CarácterÍSTICAS

Se pinta lo que se siente no lo que se ve. Revolución pictórica. El color es la clave, se utiliza de manera  subjetiva, arbitraria, apasionado y expresiva. Aplican el pigmento en manchas planas, con pincel, espátula o tubo. La línea recupera protagonismo,de trazo grueso. La luz y la perspectiva pasan a un segundo plano. La composición tiende al plano único de Gauguin. La temática son interiores, paisajes, bodegones, etc.

HENRI MATISSE

Pintor francés, impulsor del Fauvismo y pintor más importante del Siglo XX. Para el un cuadro debe tener su propia autonomía, y el color debe aplicarse y combinarse de acuerdo con criterios emocionales y decorativos.

Características DE SUS OBRAS

Tras su viaje a España, África y Tahiti, sus colores son más expresivos e introduce los arabescos. Le influyeron los impresionistas, posimpresionistas, Van Gogh, Cézanne, Gauguin. Influirá en la mayor parte de los ismos posteriores. Defiende la obra como creación de la mente. Sus cuadros hablan a través del color. Organiza la obra en planos de color que trasmiten  volumen, espacio, y sentimientos. El color lo aplica en bandas independientes buscando una nueva armónía.

TRAYECTORIA ARTÍSTICA

Comienza en el periodo impresionista. Hasta 1904, llamado periodo oscuro,donde  realiza paisajes y bodegones de gran solidez estructural y planos de color. “Platos y fruta” y “Bosque de Boulogne”.Sus cuadros tenían influencia del neoimpresionismo puntillista, de pinceladas gruesas “Lujo, calma y voluptuosidad”. Hacia 1905 presenta obras diferentes:

“La alegría de vivir”, principios del fauvismo. Colores vivos y planos, no se corresponden con la realidad y con líneas ondulantes para decorar. Obra alegre y optimista. “Mujer de la raya verde”, retrato de su mujer realizado con colores vivos y fuertes y contrastes a base de superficies planas de color. Líneas de contornos que limitan las formas de la cara y el vestido de forma brusca. Destaca la famosa raya verde. “Retrato de Derain”, gran amistad entre los miembros del movimiento André Derain, o Maurice Vlaminck.

“Naturaleza muerta con tapete rojo”, Su viaje a África le impresiono los trabajos de arte popular, como los tejidos y las cerámicas. 1908 pinta “La habitación roja”, que combinó tres géneros pictóricos en uno: bodegón, interior y paisaje, además de la figura humana. En 1907, conocíó a Pablo Picasso y realizó su primer viaje a Italia. Considerado líder del radicalismo artístico, tuvo la aprobación de la crítica y de los coleccionistas de arte. Encargos; paneles murales cuya temática fue la danza y la música. “La danza” y “La música”. Fascinado por las culturas primitivas, lo reflejó en “La danza”. La composición posee un ritmo vivo, con figuras deformadas. Reducido a tres colores. La imagen se desprende de todo lo superfluo en favor de la representación del movimiento. La versión definitiva de “La danza” presenta una mayor viveza cromática. Inspirado en la cerámica arcaica y en danzas campesinas. Dibujo sintético y con tres colores: verde, azul y bermellón. Después viaja a Marruecos e hizo “Jardín marroquí”, composición abstracta de verdes y rosas. El estallido de la Primera Guerra Mundial provocó el traslado del pintor a Collioure, donde conocíó a Juan Gris. En 1916 comenzó una etapa de intimismo con obras de interiores, desnudos y naturalezas, como temas predominantes. En 1925, viaja de nuevo a Italia y su estilo se hace más robusto “Figura decorativa sobre fondo ornamental”, el desnudo en un decorado oriental. “Odalisca con pantalones grises” de temática orientalista,

Al finalizar la Segunda Guerra Mundial expuso con Picasso en Londres. Entre 1947 y 1951 se encargó de la decoración de la capilla de Santa María del Rosario en Vence. Sus últimos años, se dedicó al découpage, creando obras de un brillante colorido. “La piscina” una de sus obras más ambiciosas y “Desnudo Azul II”. Recibíó influencias de corrientes como el Neoclasicismo,Impresionismo, Realismo, y Neoimpresionismo. Fue excelente escultor y dibujante. Su obra se caracteriza por su simplicidad, alegría, fuerza, y expresividad. Fallecíó en 1954.

ANDRE DERAIN

Con 18 anos ingresa en la academia Carrier,donde conocíó a Matisse y Maurice Vlaminck. Expuso por primera vez en el Salón de Otono en 1906, con Matisse, Maurice y Charles. Derain tenia gran admiración por Van Gogh y Cézanne. Pintó una serie de obras fauvistas entre estas “Una esquina en Hyde Park”, “El puente de Londres” y “El puente de Westminster”. En esta época son paisajes rurales y urbanos, muestran carácterísticas del fauvismo, con pinceladas irregulares, de colores puros y ausencia de perspectiva realista. En 1908 destrozó sus obras, y se dedicó a pintar paisajes inspirados en la obra de Cézanne. Al finalizar la Primera Guerra Mundial, se dedica a realizar dibujo clásico. La influencia de Cézanne le hizo pintar con colores más sosegados y con composiciones más realistas. En 1910 se aproximó al Cubismo realizando obras geométricas. La influencia de diferentes estilos con un cambio total en el color y con una técnica más elaborada. En 1947 hizo diseños para diferentes ballets. También realizó ilustraciones. Obras:  “Las bañistas”,  “Naturaleza muerta con cerezas”, “El artista en su estudio”, “Madame Guillaume”.

MAURICE DE VLAMINCK

Conoce a André Derain. En 1900, compartieron un estudio en Chatou. En 1913 viajan a Marsella y a Martigues donde se hacen retratos uno del otro. Expuso por primera vez en el Salón de Otoño de París en 1905. La muestra causó una gran impresión y escándalo entre el público y la crítica. En 1907 visitó una retrospectiva de Paúl Cézanne. En 1911 viajo a Londres, pintó ríos y puentes podemos observar cambios que se produjeron en su pintura, los cielos empezaron a ser tempestuosos. Durante la Primera Guerra Mundial época en la que empezó a escribir poesía. La mayor parte de sus obras las pintó cerca del Sena. Sus temas más frecuentes durante la Segunda Guerra Mundial fueron paisajes y bodegones, con una sombría paleta de colores y con pinceladas gruesas. Fue autodidacta, huyó del academicismo y pintaba todo lo que pasaba a su alrededor. Grandes influencias fue Van Gogh, en el color.

Cubismo

CONTEXTO HISTÓRICO

Las carácterísticas parten de un proceso histórico con implicaciones políticas, económicas, culturales y artísticas. Muchas cosas estaban cambiando a finales del Siglo XIX y principios del XX. El desarrollo tecnológico llego a un punto explendido. La invención del automóvil y del aeroplano cambio la percepción de la distancia y del tiempo. Las transmisiones inalámbricas cambiaron los parámetros de comunicación. La creación del cinematógrafo permitíó la incorporación del movimiento a la imagen, con consecuencias para las artes visuales. EI Cubismo fue un movimiento artístico entre 1907 y 1914, nació en Francia y encabezado por Pablo Picasso,Robert Delaunay, Jean Metzinger, Georges Braque, Albert Gleizes, y Juan Gris. Tendencia que da lugar al resto de vanguardias europeas del Siglo XX. Rompe con la pintura tradicional. Principal aportación es la representación de las formas por medio de figuras geométricas en un único plano. El término Cubismo fue acuñado por el crítico Louis Vauxcelles que al ver las obras de Braque dijo que era una pintura compuesta por “pequeños cubos”. Se pintan sobre todo bodegones, paisajes y retratos. Eliminan los colores sugerentes y se utilizan tonos apagados; grises, verdes y marrones. El cuadro se llega a pegar o clavar en la tela todo tipo de materiales hasta formar collages. Propone una abstracción progresiva de la realidad. De Trecento incorpora las técnicas del punto de vista alto y de los puntos de fuga. Máximos representantes del Cubismo son Pablo Picasso, Georces Braque y Juan Gris.

CarácterÍSTICAS DEL Cubismo

Síntesis y geometrización. Yuxtapone diferentes planos en uno solo. Ruptura de imitación de la naturaleza en el arte. Se aleja de la representación naturalista. Sintetiza las figuras a su mínima expresión geométrica también en un solo plano los diferentes puntos de vista del objeto. Incorporación de técnicas no pictóricas. Introducen el collage.Supresión de la perspectiva y el claroscuro. Figura y fondo forman un todo en el mismo plano. Superposición de planos.  / Predominio de la forma sobre el fondo. El análisis visual y los elementos plásticos en sí mismos tienen el protagonismo. Frecuentes los instrumentos musicales frutas y objetos cotidianos.Preferencia por el bodegón y la figura humana.Influencia del postimpresionismo. Influencia de la escultura africana y del arte ibérico. Influencia del desarrollo tecnológico.Influencia del pensamiento científico. Influencias de las teorías de Albert Einstein. De ahí el concepto de las perspectivas superpuestas del Cubismo. La fotografía liberaba a la pintura de imitar la naturaleza y el cine de la obligación de contar historias.  Primer lienzo cubista fue ‘Las señoritas de Avignon” de Pablo Picasso en 1907 El Cubismo como movimiento desaparecíó muy pronto, en 1914 con el inicio de la Primera Guerra Mundial. Aun así, se convirtió en fuente de inspiración para artistas y comunicadores visuales. Influencia en el arte contemporáneo.El arte como una realidad autónoma. Ese principio abríó las puertas a la creatividad y la originalidad en el arte occidental. La difusión del Cubismo inspiró la creación de nuevos grupos; “Futurismo”,  “Suprematismo”, “Neoplasticismo”,, Constructivismo” y “Purismo”. El Cubismo también influye en el diseño gráfico. Fue posible mediante del collage y la integración de la tipografía en el arte.

Pablo RUIZ Picasso

Creador de diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del Siglo XX, Cubismo, escultura neofigurativa,grabado, aguafuerte, cerámica artesanal, escenografía para ballets. Pintó más de dos mil obras. José Ruiz, pintor y profesor de la Escuela de Bellas Artes de Málaga, se encargará de iniciarle en el dibujo y la pintura. Realiza sus primeras pinturas con 10 años y a los 15 ingresa en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. En 1904 en París, Picasso se traslada al barrio bohemio de Montmartre. Tuvo esposas y amantes que le sirvieron de modelo en las diferentes etapas de su vida. En lo político, Picasso de declaró comunista. Hasta su muerte.

TRAYECTORIA ARTÍSTICA

PERIODO DE FORMACIÓN (1895-1900): Picasso utilizó un estilo personal que hizo evidente sus cualidades como pintor.Transcurre bajo la influencia del Modernismo catalán, manifiesta el afán por representar la figura humana. “Ciencia y Caridad” , “La muchacha de los pies descalzos”. Rasgos de la pintura del siglo de oro. Influencias de Velázquez, Goya o el Greco, usa la rapidez del trazo y el cromatismo sombrío.

PERIODO AZUL (1901-1905): Empieza a pintar en azul tras el suicidio de su amigo Carles Casagemas, se convierte en un motivo recurrente en algunas de sus obras “La muerte de Casagemas”. Los cuadros se tiñen de melancolía para retratar condiciones de vida de las clases marginadas. Destaca un delicado equilibrio entre el Realismo social y un personal expresionismo “Mujer con los brazos cruzados” o “Dos hermanas”. La gama cromática es fría y acerada y los fondos desnudos, personajes lánguidos y esbeltos con cierta influencia de El Greco. Aparecen personajes perdidos “El viejo guitarrista” y “La vida”.

PERIODO ROSA (1905-1906) Recibe este nombre por el cambio al cromatismo cálido. Tonos terrosos y grisáceos el Cubismo: Coincide con su primera pareja, Fernande Olivier. El color es más luminoso y más dulce, de tonalidades cálidas. Líneas más suaves y delicadas, los personajes no expresan emociones. Los personajes son artistas de circo, acróbatas, arlequines y payasos. “Acróbata” “Madre e hijo” “Arlequín”. PERIODO PRECUBISTA. ÉPOCA NEGRA (1906-1907): Influida por Cézanne y por el arte primitivo africano e ibérico. Ruptura con el Realismo y emplean planos angulosos sin fondo ni perspectiva. Proporciones poco ortodoxas. Interés por el primitivismo, explica las distorsiones de los desnudos y de sus primeras esculturas.Surge la esquematización y geometrización de las formas, consiguiendo expresividad a través de elementos simples y arcaicos. Predominan colores ocres y los rojos, que otorgan dramatismo.La cara de los personajes empiezan a parecerse a máscaras africanas. / El resultado de todas esas influencias, esta patente en su obra “Las señoritas de Avignon”, trazos angulosos y las caras con apariencia de máscara es el principio de las etapas picassianas: el Cubismo. Esta obra supuso un punto de partida para Picasso. Abandonó los cánones de profundidad espacial y perspectiva. Reduce la obra a un conjunto de planos, sin fondo, las formas están marcadas por lineas claro-oscuras. Los tonos ocre-rojizos son carácterísticos de su periodo rosa. Su estructura y composición deriva de “Las grandes bañistas” de Cézanne. El Cubismo fue la etapa siguiente y la más representativa de Pablo Picasso. Desde 1908 hasta 1916. Trata las formas de la naturaleza a través de distintas formas geométricas.

Cubismo ANALÍTICO (1908-1910): Se centra en el análisis exhaustivo del motivo, que llega a descomponerse en tantos planos de sus distintos puntos de vista, “Paisaje con dos figuras” 1908. En 1909 Picasso viajó con su pareja a España. Pintó y dibujó naturalezas muertas, paisajes y retratos de Fernande “Mujer con peras”. Esta fase se basa en la descomposición de la imagen. El color es lo menos importante, lo fundamental es la imagen. Colores grises, neutros. “Muchacha con mandolina”.

PERIODO DE MADUREZ: EXPRESIONISMO CUBISTA (1935-1972): Picasso rehúsa a corrientes pictóricas y hace gala de un expresionismo personal,  con numerosos estilos y formas de expresión cubista.Utiliza la pintura como modo de expresar los males de su época. El guernica lienzo de gran formato en el que plasma el trágico bombardeo perpetrado por la aviación alemana e italiana contra la ll República en Guernica durante la Guerra Civil Española. Picasso aceptó cumplir el encargo del gobierno de la República para incorporar al Pabellón Español de la exposición de París. Desde entonces, se ha convertido en un icono antibelicista del Siglo XX. Dora fue la compañera del pintor mientras hizo el Guernica. Mientras duró la relación fue su modelo principal y el tema de algunos de sus retratos. “Retrato de Dora Maar” 1939. Tras la Segunda Guerra Mundial hizo “La Paloma” o “La Paloma de la Paz con flores” Sus últimos años se dedica también a la cerámica y a la escultura. Obras más representativa es “El hombre del cordero”En Costa Azul realiza versiones de obras famosas “Las Meninas” realizó más de 50 versiones. “Mujeres de Argel” de Delacroix y “Desayuno en la hierba” de Manet.

ESCULTURA Y Cerámica: Rompíó con la tradición formal e introdujo la descomposición geométrica y las concavidades, sirven para incorporar el vacío como elemento escultórico. Realizó esculturas introduciendo nuevos materiales “Cabeza de mujer”.

Juan GRIS

En su adolescencia fue ilustrador de publicaciones. 1906, se va a París, donde conoce a Picasso, Fernand y Georces. Sus intentos como pintor en el Cubismo son en 1910, cuando fue dejando la ilustración. 1912 da el salto al Cubismo con pinturas en el Salón de París. Se aprecia la influencia de Cézanne, aunque derivó hacia un estilo geométrico muy colorista, predomino del azul, verde y el violeta. Fue el maestro del Cubismo sintético. Introdujo el método en la práctica cubista. Sus obras tienen un estilo muy personal. Las formas se implican siguiendo una estructura clara y regular. Convive con el sombreado crea ritmos visuales y armónías. En 1913, Francia empezó a trabajar la técnica del papier collé. Una de sus grandes aportaciones al Cubismo. Obras “El desayuno”. A diferencia de Braque y Picasso, aporta carácterísticas diferentes como es la recreación del volumen y la luz. En sus últimos años diseñó escenografías para montajes de ballets de Diaghilev.

GEORCE BRAQUE

Junto a Juan Gris y Picasso, fue uno de los representantes clásicos del Cubismo. Antes fue miembro del fauvismo. Conocíó la pintura de Cézanne, y a Pablo Picasso lo que hizo cambiar su estilo. Picasso y Braque consiguieron que el Cubismo se asentara como una de las vanguardias más sólidas y evolucionara hacía otros caminos.Prefirió las naturalezas muertas, acompañadas de paisaje.

FASES EN SU Cubismo

Su primera época pinta cuadros de superficies superpuestas y planos angulares a base de cubos. Tonos cromáticos. “El estanque” 1907, serie de paisajes que son la antesala del Cubismo.

Cubismo analítico (1909-1912). Los objetos quedaban descompuestos hasta el punto de ser irreconocibles. Ignoraba el cromatismo, lo interesante era captar los diferentes puntos de vista y la geometrización. “Mujer con mandolina”. / Cubismo sintético y el Papier Collé . Introdujo el empleo del collage o la incorporación de caligrafías y números. Incluía recortes de periódicos y revistas, etiquetas de licores, paquetes de cigarrillos, papeles coloreados y todo tipo de objetos. Picasso, fascinado se permitíó imitar y mejorar esta técnica, hasta el punto que lo consideran a él el inventor del collage. Braque entro en la Primera Guerra Mundial. Su regreso, desarrolló un estilo propio, con forma unido a color. Representa figuras de gran tamaño. Pinta algún paisaje, y realiza multitud de bodegones. En 1912, después de ver en un comercio papeles pintados,pensó como incorporarlo a su proceso creativo y con ello crear el primer papier collé, papel pegado.

EXPRESIONISMO: Surgido en Alemania trata de dar al espectador una visión de los sentimientos del artista, Forma, color y textura están al serviciobde los estados de ánimo del autor. Inicio de la pintura abstracta en sentido estricto. Pintura subjetiva que  exagera y deforma. Influencias como Goya, el Greco, y Edvard Munch. Dos grupos de artistas del movimiento fueron los llamados “Die Brücke” en Dresde formado por Ernst Erich, Kirchner, Emil y “Der Blaue Reiter formada por Vasily Kandinsky, Franz Marc y Paúl Klee en Múnich, ambos con objetivos y rasgos comunes. Las obras de estos artistas fueron ridiculizadas por Hitler en la exposición de Arte
Degenerado de Múnich en 1937. El expresionismo contemporáneo se desarrolló en distintas fases,1905-1920, sufríó el terrible impacto de la primera Guerra Mundial. Posteriormente, sus representantes fueron perseguidos por los nazis.

PREMISAS DEL EXPRESIONISMO: La primacía de lo subjetivo, fantástico, deforme o irracional caracteriza la estética expresionista se desarrollo en Alemania del Siglo XX, El deseo de subjetividad constituía la base estética expresionista, materializada en las artes plásticas, literatura y la música. El expresionismo surgíó como reacción al impresionismo y la visión objetiva de la naturaleza. Los pintores proponían una visión más subjetiva, interpretación personal y apasionada. Supónía también un rechazo de los valores de la sociedad burguesa y planteaba el arte como un instrumento de crítica político-social. Las culturas primitivas proporcionaron un modelo para la renovación artística, basada enla intuición y la creatividad. La influencia de algunos pintores posimpresionistas, como Van Gogh. Dibujos infantiles y el arte de los enfermos formaron parte de las investigaciones de estos artistas.El concepto tradicional de belleza fue rechazado por la creación expresionista, deformó las figuras para extraer de ellas una visión cruda y personal,resaltaba la soledad, el dolor y el horror de la guerra.

Diferencias entre las distintas fases del expresionismo. No relación alguna entre ellos, pero tenían intención de reflejar la realidad de forma subjetiva y patética. Los precursores fueron; James Ensor, Edvard Munch, y Georces Rouault.

EDVARD MUNCH (1873-1944). Pintor y grabador noruego. Refleja los problemas psicológicos de la sociedad, la enfermedad y la muerte. “El grito” su obra más conocida expresión de la soledad, angustia y miedo al sentir la naturaleza,colores irreales, situando en el centro a la persona en situación desesperada. Tras conocer la obra de Gauguin y Van Gogh, dio vida a un lenguaje personal de profundos valores simbólicos y una línea sinuosa y continua derivada del modemismo. Sentimiento trágico y condición de inquietude. Mostraba las fuertes emociones del alma humana. Abandono la representación directa y literal para la expresión de las ideas y emociones subjetivas, conectando con el simbolismo, entre 1885 y 1910. Interés por la muerte, la enfermedad y el pecado. La obra de Munch se aparta de la de sus contemporáneos por la intensidad que expresa sus sentimientos. Primera generación expresionista formada por los grupos Die Brücke, creado en Dresde en 1905 y Der Blaue Reiter constituido en Múnich en 1911. Después de la primera Guerra Mundial, un nuevo movimiento. La Nueva Objetividad, en 1918. Fue el heredero de la estética expresionista, tono crítico y agresivo . Destacan Otto dix, su trabajo pictórico abarca muchos estilos principalmente por sus pinturas sobre la guerra. Aparecieron también artistas expresionistas en otros países europeos, Oskar kokoscha. Los retratos. Lograr captar la esencia de los personajes representados, hasta el punto de querer retratarles el alma. 

CarácterÍSTICAS DEL EXPRESIONISMO

– La figura se deforma para resaltar el sentimiento – Construcción del espacio oblicuo. Superposición de escenas.- Preferencias por las formas angulosas y por el uso de la perspectiva no-natural, arbitraria – Colores expresivos.Colores resplandecientes, vibrantes, bien fundidos o separados. Utilizan pasta gruesa, martillada y áspera ,colores patéticos. 

DIE BRÜCKE Y DER BLAUE REITER

Die Brücke surge en Dresde en 1905. Compuesto por Fritz Bleyl, Etnst Ludwig Kirchner, Erich y Karl Schmidt-Rotluf,estudiantes de arquitectura de familias burguesas y sin formación académica pictórica, decidieron organizar un taller colectivo y romper radicalmente con el arte anterior. Revivieron la técnica alemana del grabado en madera influyó en el trazo de las líneas de sus dibujos y en las pinceladas quebradas y incisivas. Tenían un estilo poco convencional para su época: estaban de acuerdo con la lucha por la libertad e independencias absoluta. Se reflejó en su temática y estilo de vida. Quería crear un arte que no imitase la realidad. Los artistas más representativos son Kirchner y Heckel. El término Brücke hacía referencia a la idea de puente o uníón entre sectores. En 1906 se unieron al núcleo principal Emil Nolde y se organizó la primera exposición colectiva.