Introducción: La Revolución Musical del Siglo XX

En la última década del siglo XIX, se produce un agotamiento de los lenguajes artísticos utilizados hasta entonces. Los artistas sienten la necesidad de romper con la tradición romántica musical. La diversidad de estilos es una característica del nuevo siglo, y así surgen las llamadas vanguardias, lenguajes nuevos que rechazan la tradición de manera más o menos radical. La tonalidad, usada desde el Barroco hasta finales del Romanticismo, entra en crisis y deja paso a una variedad estilística desconocida. Este deseo de separarse de la etapa anterior no es nuevo, pero sí más rotundo que antes. Así surgen el Impresionismo, el Atonalismo, el Dodecafonismo, el Nacionalismo y el Neoclasicismo. Este último como reacción al último Romanticismo, pero volviendo a la estética clásica, reviviendo el lenguaje antiguo.

Impresionismo: Atmósferas Sonoras

El Impresionismo es un movimiento musical surgido en Francia a finales del siglo XIX como reacción al Posromanticismo y al Wagnerianismo. Al igual que los pintores impresionistas, que defienden el uso del color y la luz frente a la tradición de la línea, los músicos impresionistas crean atmósferas, rechazando la melodía, el ritmo y la armonía tradicionales. Usan escalas exóticas, dan gran importancia al timbre y convierten el ritmo en algo secundario, por detrás de la atmósfera melódica.

Principales Representantes

• Debussy: Creador y principal representante del Impresionismo musical, término que rechazaba por inapropiado para definir su música. Defiende una melodía difuminada y una sonoridad orquestal nueva que abre uno de los caminos de la música del siglo XX. Escribe para piano Preludios y para orquesta Preludio a la siesta de un fauno. Su aportación es fundamental al crear uno de los nuevos lenguajes del siglo XX.
• Ravel: Único seguidor de Debussy. Escribe obras para piano, música de cámara, dos conciertos para piano y obras sinfónicas como Bolero, Rapsodia española y La Valse. Se le considera un maestro de la orquestación.

Atonalismo: La Ruptura con la Tonalidad

El Atonalismo es un movimiento nacido en Viena con Schönberg a principios del siglo XX. Representa la ruptura del lenguaje musical tradicional al otorgar a todas las notas la misma importancia, prescindiendo de las leyes armónicas vigentes. La melodía no tiene una lógica tradicional y la disonancia aparece continuamente, provocando sensación de fatiga y tensión. Este lenguaje se relaciona con el Expresionismo pictórico.

Schönberg: Padre del Dodecafonismo

Schönberg es el padre de la música dodecafónica y del serialismo, además de uno de los tres grandes nombres del siglo XX. Fue seguidor de Wagner, pero fue creando un nuevo lenguaje que rompe con la tonalidad y el lenguaje tradicional de la música occidental. Su Pierrot Lunaire combina recitador, piano y conjunto de cámara, usando el canto recitado y el grito. En 1920 crea la técnica dodecafónica y escribe Suite para piano. Junto a sus seguidores Webern y Berg, son conocidos como la Escuela de Viena.

Dodecafonismo: La Serie de Doce Sonidos

El Dodecafonismo es un lenguaje musical creado por Schönberg en 1920, definido como composición de doce sonidos sin relación entre ellos. Es el paso siguiente al Atonalismo y parte de los doce sonidos de la escala cromática, que se pueden transformar siguiendo la inversión, la retrogradación y la retrogradación de la inversión. También lo cultivan sus alumnos Berg y Webern. El Dodecafonismo también se llama serialismo al basarse en una serie de sonidos que son la base de la obra musical. De gran importancia en la segunda mitad del siglo XX, es comparable a la abstracción en pintura.

Nacionalismo: Identidad y Folclore

El Nacionalismo es un movimiento nacido a mediados del siglo XIX que le da a la música un significado político. Por una parte, se basa en melodías populares y en leyendas del folclore (Sherezade) y, por otra, describe musicalmente ideas nacionales (El Moldava). En el siglo XX aparece un Nacionalismo de vanguardia que se basa en la música popular para crear un lenguaje nuevo, como hace Béla Bartók. En España, los compositores Albéniz y Granados preludian a Falla.

Bartók: Nacionalismo de Vanguardia

Béla Bartók es el principal representante del Nacionalismo de vanguardia, uno de los compositores más importantes y pionero de la etnomusicología, recogiendo y transcribiendo música popular de Hungría, Rumanía y Turquía. La riqueza rítmica y la inestabilidad tonal propias del folclore están en la base de su lenguaje, que combina lo culto con lo tradicional en una expresión de raíz nacional pero personal. Obras: Concierto para orquesta, El mandarín maravilloso y El castillo de Barba Azul. Muere en Estados Unidos.

Neoclasicismo: Retorno al Pasado

El Neoclasicismo es un movimiento que nace en los años 20 proponiendo un lenguaje nuevo. Se basa en la vuelta al lenguaje del pasado: un nuevo clasicismo. Se recupera la melodía y la armonía tradicionales, la importancia de la forma y se usan melodías basadas en la tradición barroca y clásica. Stravinski con Pulcinella y Falla con Concierto para clave y cinco instrumentos son ejemplos destacados.

Stravinski: Versatilidad y Originalidad

Stravinski es un compositor ruso que llena el siglo XX con una producción muy variada y de gran originalidad. Exitoso de joven con tres ballets que escribe para Diaghilev: El pájaro de fuego, Petrushka y La consagración de la primavera, basados en argumentos de la tradición rusa y con rasgos musicales de origen folclórico. El último provocó un escándalo por su dureza argumental y su gran potencia rítmica desconocida, convirtiéndose en una obra maestra. En una segunda etapa, escribe en lenguaje neoclásico. Vuelve al Barroco para crear otro ballet con personajes de comedia y melodías del Barroco. En su última etapa, escribió obras dodecafónicas como Cantata. Otras obras: La historia del soldado y Concierto de ébano. Se le suele comparar con su equivalente en pintura, Picasso.

Falla: Nacionalismo Estilizado

Falla es el compositor más importante del siglo XX español. Parte del Nacionalismo en su primera etapa, hasta llegar a su madurez con obras folclóricas pero estilizadas, no de un folclore real sino creado: El sombrero de tres picos y Noches en los jardines de España. En su última etapa hace obras neoclásicas como Concierto para clave y cinco instrumentos, con citas de la música del Renacimiento español.

Música Concreta: Sonidos Cotidianos

La música concreta es una tendencia artística que surge en los años 50 con carácter transgresor y experimental, buscando un nuevo mundo expresivo. Schaeffer llamó así a la música que usa cualquier tipo de sonido: ruidos, cantos de pájaros… Una vez grabados, estos sonidos se manipulan y transforman en una nueva realidad sonora. Esto deja paso a la música electroacústica.

Música Electroacústica: La Era de los Sintetizadores

La música electroacústica surge con la aparición de los sintetizadores electrónicos, capaces de generar sonidos y transformarlos. El resultado es la cinta magnética, donde se recogen los trabajos realizados sobre los sonidos. Es una música de laboratorio y la mezcla de la electrónica con los sonidos de la música concreta será usada por Stockhausen y Berio.

Música Aleatoria: El Azar en la Composición

La música aleatoria se basa en el azar. Se trata de una música en la que el autor no escribe toda la música que hay que tocar, sino que el intérprete debe completarla en el momento de su ejecución. Surge como respuesta irracional al serialismo integral de la posguerra, que pretendía organizar rígidamente los elementos musicales.

Minimalismo: Sencillez y Repetición

El Minimalismo es un estilo de música difícil de escuchar por su complejidad y abstracción. Surge en los años 60. Regresa a la tonalidad, repite ritmos y usa melodías sencillas y fáciles de captar. Reich y Glass son dos de sus principales exponentes.

Jazz: Improvisación y Ritmo

El Jazz es una música popular nacida en Nueva Orleans a finales del siglo XIX por la mezcla de elementos afroamericanos y europeos. Se caracteriza por ser una música de tradición no escrita, sino basada en unos patrones rítmicos sobre los que los intérpretes improvisan libremente. Influirá en la música clásica a principios del siglo XX y se desarrolla a lo largo de ese siglo en diferentes estilos: Dixieland, Bebop, Cool Jazz… El trompetista Louis Armstrong fue uno de los intérpretes más importantes de esta música.

Rock: Rebeldía y Energía

El Rock es una música popular nacida en Estados Unidos en los años 50, basada en el Rhythm and Blues de los músicos de color pero interpretada por músicos blancos como Elvis Presley. Su ritmo explosivo y actitud antiautoritaria lo convirtieron en el símbolo de rebeldía de la juventud con sus variantes: Pop-Rock, Acid Rock…

Pop: Melodía y Consumo

El Pop es una mezcla del Rock y el Blues dirigida a los jóvenes. Es una versión más tranquila del Rock, representado por The Beatles. A menudo se considera sinónimo de música de consumo masivo y, a veces, de escasa calidad. Es más melódico que el Rock y usa los mismos instrumentos.