Carácterísticas del cine mudo el cine mudo es aquel que no posee sonido sincronizado, consistiendo únicamente en imágenes representadas y pudiendo ser acompañadas por música en directo.
Técnicas de actuación Montaje Música en vivo y sonido Velocidad de proyección
• Requería de un gran dominio del lenguaje corporal, destacando especialmente la expresión facial., Actuaciones teatrales (pantomima) más gestuales y enfáticas. Uso del humor por medio de gags visuales, sin el uso de la palabra.
Elementos visuales
• En los inicios del cine mudo predominan los planos generales, fue D.W. Griffith con El nacimiento de una nacíón el primero que comenzó a utilizar diferentes tamaños de plano en función de las necesidades expresivas o dramáticas.
Montaje
• Montaje lineal y sucesión de planos individuales en los primeros films. Montaje en paralelo: yuxtaposición de planos. La vida de un bombero americano de Edwin S. Porter
Intertítulos
• Se convirtieron en elementos gráficos en sí mismos que ofrecían ilustraciones y decoraciones abstractas con comentarios sobre la acción. Aclarar las distintas situaciones y dar a entender conversaciones importantes.
Música en vivo y sonido
• Trataba de representar los sucesos que ocurrían en pantalla de una manera exagerada y poco sutil. Se solían utilizar ritmos rápidos para persecuciones, sonidos graves en momentos misteriosos y melodías ROMánticas para escenas de amor.
• La música fue recopilada específicamente para acompañar los films en la llamada Música de Photoplay.
Esta labor era realizada por el pianista, el director de orquesta o el estudio mismo, que enviaban una “partitura” de la música que debía acompañar la película.
Velocidad de proyección
• El cine mudo era filmado en rollos de 35 mm, la mayoría de las películas mudas se filmó a velocidades más lentas que las películas con sonido (normalmente de 16 a 20 fotogramas por segundo frente a 24) por lo que, a menos que se apliquen técnicas especiales para mostrarlas a sus velocidades originales, pueden parecer artificialmente rápidas, lo que remarca su aspecto poco natural.
El color
• Blanco y negro o monocromático que se obténía sumergiendo segmentos de película o la película completa en un tinte de un determinado color. Pintaban a mano, con anilinas, los fotogramas de algunas películas (Georges Meliès)
El recurso de la música existen varias teorías que explican el uso de la música en los orígenes del cine:
-Una de ellas dice que la música empezó a usarse para disimular el ruido del proyector. Por lo tanto se incorporaba el piano, órgano, orquesta u otros grupos para remediar el constante ruido del mecanismo. También para usar un sonido agradable para neutralizar otros menos agradables.
-Otra de ellas es que la música sirve para hacer más agradable la experiencia de ver imágenes en blanco y negro sin ningún tipo de sonido.
-También se pensó en música de forma que hiciera creer al espectador que forma parte de un colectivo, evitando su aislamiento y facilitando su implicación en la escena.
-Estas son algunas de las principales razones que demuestran que la música es un elemento indispensable del acontecimiento cinematográfico.
Etapas del cine mudo antes de 1918
Francia: • Los pioneros: los hermanos Lumière • Georges Méliès • Cine mudo Francés: Louis Feuillade
EEUU • El nacimiento del Western • Nuevas productoras • La comedia
CINE DE POSGUERRA
Francia: Escuela Impresionista y los Movimientos Vanguardistas. Alemania: Escuela Expresionista, La Kammerspislfilm y la Corriente Realista.
Cine Soviético:
• Cine Prerrevolucionario • Cine Posrevolucionario Etapa de Madurez.
Estados Unidos: las Superproducciones y los Europeos en Hollywood.
Pioneros
La historia del cine como espectáculo comenzó en París, Francia, el 28 de Diciembre de 1895. Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos. Los hermanos Lumière crearon el cinematógrafo que permitía la toma, proyección y hasta el copiado de imágenes en movimiento. Los primeros documentos consistieron en una serie de imágenes documentales, de las cuales se recuerdan aquella en la que aparecen los trabajadores de una fábrica, y la de un tren. Tiempo después lograron el primer film argumental de la historia:
El regador regado
Por un tiempo, el cine fue considerado una atracción menor, incluso un número de feria, pero el puntapié inicial para realizar historias y experimentar recursos narrativos visuales fue cuando George Méliès, un ilusionista que en principio, usó el cinematógrafo como un elemento más para sus espectáculos, pero luego los desarrollaría en el cine, creando rudimentarios efectos especiales. Su obra más conocida es El viaje a la luna (1902). Los noveles realizadores captaron las grandes posibilidades que el invento ofrecía y fue así como en la primera década del Siglo XX surgieron múltiples pequeños estudios fílmicos, tanto en Estados Unidos como en Europa. Durante esta época, los filmes eran de pocos minutos y metraje, trataban temas más o menos simples, y tanto por decorados como por vestuario, eran de producción relativamente barata. Además, la técnica no había resuelto el problema del sonido, por lo que las funciones se acompañaban con un piano y un relator.Francia
En 1911, Louis Feuillade entra como director artístico y responsable de la producción de la industria de cine Gaumont inicia una serie que, frente a la tendencia teatral imperante, supone un retorno al Realismo, devolviendo al cine su sentido de la actualidad. Se incorporan importantes avances técnicos, decorados más realistas, la sobriedad en la interpretación de los actores, la creación de algunos efectos a través de la iluminación artificial y la aplicación del primer plano. En estos seriales actuaba Musidora, que, además de la primera vampiresa del cine, era novelista, poeta, pintora y realizadora. Musa del Surrealismo y del cine vanguardista
“Gags” visuales en la comedia cinematográfica
También, en este período, aparecen los primeros cómicos de la pantalla. Son “tipos”, que con sus bufonadas adquieren gran popularidad. Se escenifican peleas y persecuciones a las que los cómicos incorporan caídas y acrobacias imposibles. Se emplea el Slapstick “golpe y porrazo” como recurso cómico. Es un subgénero de la comedia, cuyo origen está en la Commedia dell’arte italiana(s. XVI) que se caracteriza por presentar acciones exageradas de violencia física que no derivan en consecuencias reales de dolor. Los Sketches son escenas generalmente humorísticas y a veces improvisadas, que duran entre uno y diez minuto. El gran innovador de la escuela cómica francesa fue Max Linder, el actor más popular de toda Europa. Algunos rasgos de su personaje, como el sombrero, el bigote o sus andares, inspiraron a Chaplin, como él mismo reconocíó.
Estados Unidos
El Western En el Oeste de EEUU se hallarán una gran variedad de paisajes, una brillante iluminación natural y un clima constante, condiciones muy propicias para el rodaje en exteriores. Y será en esas regiones donde habrá de nacer el género americano por excelencia, el western. Aunque el western ya contaba con algunas obras como Asalto y robo de un tren (The Great Train Robbery, 1903), de Edwin S. Porter, es en este entorno privilegiado donde comenzará a tomar forma cinematográfica la epopeya del oeste, adoptando la mitología propia de la conquista y la colonización del territorio, aún recientes en la historia. Los westerns provocarán una verdadera conmoción formal y temática. Nuevas Productoras Adolph Zukor puso en marcha su empresa Actores Famosos en Obras Famosas. Creó, en colaboración con otros empresarios, la Paramount.
El star-system
Era el sistema de contratación de actores en exclusividad y a largo plazo utilizado por los estudios de Hollywood en la denominada época dorada de Hollywood para asegurarse el éxito de sus películas. Durante estos años surgieron estrellas de la talla de Mary Pickford, las hermanas Lillian y Dorothy Gish, Douglas Fairbanks, el cómico Mack Sennett y nuevos nombres como Rodolfo Valentino. Las estrellas facilitaron el éxito a Hollywood en todos los mercados del mundo y fueron creadas por los propios estudios como una mezcla entre actor y personaje, mitificados como dioses por el público. Durante estos años se fundan las grandes productoras
: Universal, Warner Bros y la Fox
El “Slapstick” en la obra de Mack Sennett (1880-1960)
Con formación como cantante, bailarín, payaso, actor se convirtió en uno de los principales productores del momento. Desarrolló un estilo único e irrepetible de películas cómicas próximas al absurdo, llenas de variopintos personajes y narradas con una enorme anarquía e improvisación. Sus comedias eran famosas por sus disparatadas carreras de coches y sus batallas de pasteles. Su teoría era que al público le encantaría ver a figuras autoritarias convertidas en protagonistas de comedias. Lo logró convirtiendo a policías en personajes cómicos. Ha pasado a la historia como “El rey de la comedia”.
Charles Chaplin, Búster Keaton, Harold Lloyd y Gloria Swanson, entre otros, actuaron en las Keystone Comedies de Mack Sennett.
Fue el gran propulsor del género cómico creando en 1912 su famoso estudio Keystone El modelo cómico de Sennett está fundamentado en el slapstick, y cada una de las unidades cómicas que lo componen, se llaman gags.
Charles chaplin (Londres, 1889 –1977)
Empezó a trabajar de mimo desde niño. Las giras que realizaba la compañía por Estados Unidos le permitieron entrar en contacto, en 1913, con Mack Sennett, con quien firmó su primer contrato en Hollywood. Comenzó a tomar forma su célebre Charlot, el vagabundo ROMántico, de buenos modales y cierta picaresca, cuya trascendencia radica en la dimensión humana que Chaplin incorporó al personaje. Entre los cortometrajes que realizó durante estos años, destacan Vida de perro ( A Dog’s Life, 1918), ¡Armas al hombro! (Shoulder Arm’s !, 1918), y El peregrino (The Pilgrim, 1922). En 1921, realizó su primer largometraje (50 minutos), El chico . Otros largometrajes. La quimera del oro (The Golden Rush, 1925) y El circo (The Circus, 1928),
‘Búster’ keaton
Su nombre era John Francis, pero se cogíó el apodo de ‘Búster’ cuando el mago Houdini comentó que lo que acababa de ver era un búster (caída de espalda ) A Búster Keaton se le conocía en España con el apodo de ‘Pamplinas’, algo así como ‘un poquito de nada’, sobrenombre que no le gustaba . Especialista en el género slapstick, la violencia cómica se ponía al servicio de unos personajes que lograban encandilar y divertir por medio de la interpretación gestual. Películas: Fatty cocinero y Fatty en el garaje, La casa eléctrica, El maquinista de la General (1927) y El gran espectáculo .
Harold lloyd
Lloyd actuó en 208 películas entre 1913 y 1947. Durante la década de los veinte fue el actor más popular y mejor pagado del universo cinematográfico. Es conocido sobre todo por las secuencias de persecución que incluían proezas físicas como trepar por los muros de altos edificios. Junto a Búster Keaton y Charlie Chaplin forma el «triunvirato» de grandes cómicos del cine mudo y, como ellos, su carrera continuó en el período sonoro . Con la llegada de la década de los treinta y los problemas sociales y políticos en todo el mundo, Lloyd y sus personajes optimistas ya no son los preferidos de un público que, con la llegada del cine sonoro, prefiere cómicos parlantes. Películas: El hombre mosca, el mimado de la abuela
“Gags” sonoros en la comedia cinematográfica y la animación
Al incorporarse el sonido a las películas cambió la técnica y la expresión. Los costos de la realización de las películas se elevaron. Se esperaba entonces que se incluyesen también frases, chistes o juegos de palabras ingeniosas, ruidos sorprendentes y músicas, que subrayasen los momentos más divertidos en todas las comedias cinematográficas. Creando un estilo más sutil, se perdíó el entendimiento internacional de las situaciones. Algunos sobrevivieron a la transformación del medio (Chaplin, mucho tiempo después Keaton como actor, ya que no volvíó a dirigir películas, Laurel y Hardy) y otros, en cambio, sucumbieron a la fascinación del público por las películas sonoras. Poco después empiezan a filmar los Hermanos Marx, que sustituirán el lenguaje visual y gestual por una comicidad basada en la palabra a través de una pulverización del lenguaje. Esto les servirá de material para unas películas que hunden sus raíces en la lógica del absurdo, para ello utilizarán recursos de Sennett e incorporarán un espíritu dadaísta y destructor. Películas como Sopa de ganso (1933), Una noche en la Ópera, incorporan el absurdo a la comedia, mostrando las huellas del Surrealismo y dadaísmo ya muy conocidos en la época.
La comedia dialogada americana
La comedia siguió evolucionando hasta dar lugar a una nueva forma de comedia típica de Hollywood, que fue conocida como comedia americana en Europa y Screwball Comedy en América. Toma su nombre de un tipo de lanzamiento en béisbol, en el que la bola toma diversos efectos, algo que ocurre continuamente en este tipo de largometrajes. Se verá favorecida por la tradición de la comedia teatral de Broadway, incorporará recursos del cine cómico americano, con un ritmo frenético y muchos gags visuales. Esta nueva vertiente se verá favorecida por el sonoro, la pantomima deja paso al diálogo, que es en lo que se basa la comedia sonora, lo que permite ahondar en la construcción psicológica de los personajes. Aunque los gags visuales seguirán siendo importantes, el sonido permite historias más complejas y largas, favoreciendo la aparición de una nueva fórmula narrativa donde se tendrán en cuenta, los equívocos, los dobles sentidos o la elipsis. Se pueden distinguir dos corrientes dentro de este movimiento: una de carácter social más marcado y una comedia mas sofisticada o extravagante, llena de lujo y glamour. Actores: Cary Grant y Katharine Hepburn ó Clark Gable y Claudette Colbert
“Gags” y slapsticks en la animación
A diferencia del cine, en la animación, la imaginación puede dejarse correr, ya que uno es consciente de que a esos personajes son ficticios y no les puede pasar nada. En este sentido el guionista es libre de hacer que los protagonistas se enfrenten por diferentes actos, que por lo regular son violentos, y salgan ilesos, listos para enfrentarse a otra situación. En la animación, el slapstick formó parte de la producción de cortometrajes animados entre los años de 1910 y 1940. Diversos estudios produjeron cortos animados que incluían humor slapstick, mostrando un tipo de violencia exagerada sin consecuencias reales. Entre los años de 1920 aparecieron diversos personajes clásicos que formaron parte de cortos animados con estas carácterísticas como Popeye y The Looney Tunes de los estudios Warner Bros . En la época moderna destaca ¿Quién engañó a Roger Rabbit? 1988, de Robert Zemeckis. Es una de las películas más caras de la historia.
La obra cinematográfica de woody allén
Es director, guionista, actor, músico, dramaturgo, humorista y escritor estadounidense. Ha sido ganador del premio Óscar en cuatro ocasiones. Es uno de los directores más respetados, influyentes y prolíficos de la era moderna, ha producido desde 1969 un total de 45 películas, una cada año. Allén dirigíó, escribíó y protagonizó Annie Hall, película considerada por muchos como una de las mejores comedias de la historia del cine, y la cual recibíó el premio Óscar al Mejor director en 1977. Temas: sexo, muerte, Dios, ingeniosas tramas e hilarantes situaciones en un contexto lleno de slapstick y divertidos diálogos con predilección por la comedia absurda y anárquica al estilo hermanos Marx. Influencias de Federico Fellini e Ingmar Bergman. TEMAS: miedo a la muerte, sexo, el papel de la mujer, psicología, las crisis de identidad, la madurez, religión…
FILMOGRAFÍA
“Toma El Dinero y Corre” (1969) “Todo Lo Que Siempre Quiso Saber Sobre El Sexo y No Se Atrevíó a Preguntar” (1972) “Sueños De Seductor” (1972) “Annie Hall” (1977) “Manhattan” (1979) “Zelig” (1983) “La Rosa Púrpura Del Cairo” (1985) “Midnight In París” (2011)
La comedia coral. Luis garcía berlanga
Comedia Coral es aquella que rompe la estructura clásica del cine con protagonistas principales mediante una trama con muchos personajes o la acumulación de pequeñas historias. Son comedias de enredo y satíricas (ROMánticas, de humor negro, con sentido social, en tono musical) que han aportado las cifras más altas de espectadores en las últimas décadas. Es el caso del cine de Berlanga o de películas como Amarcord de Fellini y Vidas cruzadas de Robert Altman. Más en esta línea de historias cruzadas son grandes éxitos recientes como Pulp Fiction, Crash o el cine de González Iñárritu (21 gramos, Babel). En el caso de televisión, la comedia de situación o sitcom (término con el que se le conoce popularmente en inglés y que surge de la contracción de las palabras ―situation‖ y ―comedy‖) es uno de los géneros, dentro de las series, que más éxito tienen y que menos costes suponen para el proceso de producción. Su origen está en los seriales radiofónicos y en los cinematográficos de la primera década de los veinte.
Luis garcía-berlanga (1921 –2010) director de cine y guionista español
Ingresó en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid en 1947. Debutó como director en 1951 con la película Esa pareja feliz, en la que colaboraba con Juan Antonio Bardem. Junto a éste, se le considera uno de los renovadores del cine español de posguerra. Entre sus películas destacan títulos célebres de la historia del cine español, como El verdugo o Bienvenido, Míster Marshall. Su película Plácido fue nominada para el Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 1961. En 1980 obtuvo el Premio Nacional de Cinematografía, en 1981 la Medalla de Oro de las Bellas Artes. Modelo para muchos cineastas españoles (Alex de la Iglesia, Santiago Segura) Su cine es generalmente coral y narrado en planos secuencia con rasgos de sátira, farsa, humor negro y una visión crítica y esperpéntica de la realidad sociocultural y política española. A partir de los años 80 su filmografía se trivializa en muchos de sus aspectos y jamás volvíó a realizar las obras maestras del pasado.