Título:
A
Cúpula DE LA
CATEDRAL DE FLORENCI
A
Autor: FILIPPO BRUNELLESCHIFecha/Época: S. XVEstilo: Renacimiento(QUATTROCENTO)
Nos encontramos ante la primera obra renacentista. En estos años se recuperan las formas dela Antigüedad clásica y se aplican a las nuevas manifestaciones artísticas. Muchos de los artistasson consideradoshumanistas,ya que tienen un gran conocimiento tanto de arte como degeometría, matemáticas y ciencias. Es por ello que en las obras del Renacimientopredominanlas formas simétricas y armónicas, tomando siempre como referencia el cuerpo humano.El duomo de Florencia es una catedral góticaque fue proyectada por Arnolfo di Cambio en 1296y que continuó Giotto a partir de 1331. Más adelante, en 1418, se convocó un concurso en elque los artistas presentaron sus proyectos para la cúpula de la catedral. Entre ellos estabaGhiberti, otro de los grandes representantes del Renacimiento italiano.Sin embargo, fue Filippo Brunelleschi (1337-1446) quien se llevó el encargo gracias a lasinnovaciones técnicas que incluyó: dejó a un lado el uso de cimbras y empleó aparejo de ladrillohueco con forma de espina de pez. Y es que además de arquitecto, era orfebre e ingeniero.Conocía muy bien las matemáticas y la geometría, e inventó nuevas técnicas constructivas. Sele considera también el descubridor de la perspectiva moderna.La gran cúpula de 43m tiene forma de doble cascarón:entre el interior (semiesférico) y elexterior (apuntado) existe un espacio hueco. Se levanta sobre un tambor octogonal de piedrarevestido por placas de mármol (blanco, verde y rosado). Cada una de las ocho caras tieneunóculo.Al exterior está cubierta por tejas rojas, pero su aspecto es esbelto gracias a lacurvatura de losnerviosde mármol blanco que ascienden a la parte superior, dondeencontramos la linterna.Brunelleschi se inspiró para esta obra en los sistemas de construcción romanos, especialmenteen la cúpula del Panteón de Agripa.Su fama se debe a que durante años destacaba en alturasobre el resto de edificaciones de Florencia, convirtiéndose en el símbolo de esta ciudad-estadodel Siglo XV. Miguel Ángel se inspiró en ella para realizar la cúpula deSan Pedro del Vaticano,ymuchos otros artistas europeos la imitarían en el futuro, como por ejemplo en laCatedral de St.Paúl de Londres (Siglo XVII) y elCapitolio de Washington(Siglo XIX).
Título:
Basílica DE SAN
LORENZO
Autor: FILIPPO BRUNELLESCHIFecha/Época: S. XVEstilo: Renacimiento(QUATTROCENTO)
Es una de las Iglesias de Florencia más antiguas, consagrada en el 393 a San Ambrosio, obispode Milán. Durante tres siglos fue la primera catedral florentina y conservaba los restos de SanZanobi, primer obispo de Florencia, que después pasaron a Santa Reparata. La basílica actualfue construida sobre la original a partir de 1419 por voluntad del fundador de la familia de losMédicis, Giovanni di Bici, que contrató para el proyecto a Filippo Brunelleschi. El interior de labasílica tiene una estructura de cruz latina con tres naves dividas por columnas corintias conarcos de medio punto de piedra serena. La elegancia del interior se debe al estilo renacentistacon proporciones armónicas y a su rigor geométrico. Durante la visita del edificio, se merecenuna atención especial el tabernáculo de mármol, la Capilla de los Ginori, la Capilla Mayor y laCapilla Martelli, en la que hay obras de Donatello, Filippo Lippi y Desiderio da Settignano. Por eltransepto de la izquierda se va a la sacristía vieja, una sugestiva obra renacentista deBrunelleschi. La planta cuadrada y las perfectas formas geométricas, decoradas por Donatello,hacen que esta sacristía sea uno de los mejores ejemplos de arquitectura renacentista. Junto ala sacristía vieja se construyó, en 1520, la sacristía nueva, espléndida obra de Miguel Ángel.
Título:
PALACIO RUCELLAI
Autor: León BATTISTA ALBERTIFecha/Época: S. XVEstilo: Renacimiento(QUATTROCENTO)
La familia Rucellai encargó la construcción de su palacio florentino a Alberti, arquitecto que yahabía trabajdo para esta familia. Se levantó a mediados del siglo y es una obra de la primeraetapa de su carrera. Aunque la mayor parte de las obras que conservamos de Alberti sonedificios de carácter religioso, el diseño del Palacio Rucellai tiene mucho interés dentro de suproducción. Alberti pretendíó con la articulación de la fachada y su decoración proponer unnuevo sistema decorativo diferente al del Palazzo Medici-Riccardi, durante muchos años modeloa seguir por la enriquecida burguésía florentina.En la fachada, Alberti mantiene las carácterísticas esenciales de los palacios florentinosalmohadillado, organización en tres pisos, planta baja con funci
Ones comerciales… Sin embargo,
la organización de la fachada es nueva y mucho más elaborada. No sólo subraya la divisiónhorizontal, como era habitual, sino que también crea divisiones verticales, formando unaretícula de entablamentos y pilastras que ordena y organiza la superficie sin caer en lamonotonía. Aplica en esta obra los principios expuestos en sus tratados teóricos, y así superpone los diferentes órdenes y estudia cuidadosamente la proporción. El piso bajo tiene lostechos altos y, para mantener el tamaño de las pilastras, Alberti diseña un banco corrido quecierra la fachada por la parte inferior, de la misma manera que la cornisa lo hace por arriba. Lastexturas de la fachada (muro almohadillado, pilastras lisas, entablamentos con molduras yrelieves, banco tallado en rombos) crean suaves contrastes lumínicos que dan variedad a lafachada plana. Alberti aplica el vocabulario clásico al palacio urbano de la gran burguésíaflorentina, y crea una fachada llena de ritmo y proporción. La obra tiene una funciónrepresentativa y señala el poder y la importancia de la familia, no por el tamaño o la riqueza delos materiales, sino a través del prestigio de la belleza, como era frecuente en el Renacimiento
Título:
NACIMIENTO DE Venus
Autor: Sandro BOTTICELLIFecha/Época: S. XVEstilo: Renacimiento(QUATTROCENTO)
Se trata de una pintura del arte renacentista, cuyo autor es Sandro Botticelli. El nombre de laobra es El Nacimiento de Venus y pudo ser compuesta aproximadamente entre los años y 1482y 1484.Siendo, sin duda, una de las obras por las que es conocido dicho autor.En cuanto a la técnica utilizada para realizar esta obra, es claramente visible el uso del templesobre el lienzo.En general el cuadro representa un uso de colores mezclados, con diferentes tonalidades. Eldibujo es claro y preciso, y utiliza líneas claramente marcadas y de limpieza en los contornos.Hay además un uso de la perspectiva, que se aprecia en la diferencia de tamaños entre loselementos del fondo y los del comienzo del cuadro. No obstante, cabe destacar que a Boticellino le importaban los efectos de perspectiva o volumen, sino que más bien se dejaba guiar porsu inspiración.En el fondo podemos observar un paisaje de montañas lejanas, un cielo despejado y un mar decolor verdoso con pequeñas olas. En la parte izquierda del cuadro se encuentra un laurel, juntoa la imagen de Primavera, en posición de movimiento. Ésta está intentando cubrir a laprotagonista del cuadro con un manto, y da la sensación de que el movimiento de la diosaviene impulsado por el aire. Los colores de su manto son claros, sobre todo utilizando el blanco,y está cubierta de flores. Su pelo es largo y rubio, llevándolo suelto con algunas pequeñastrenzas. El manto que sostiene para cubrir a la protagonista es de color rojo.En la parte derecha de la obra podemos observar a Céfiro, Dios de los aires, y a Cloris(quesignifica pálido).Céfiro lleva una capa ceñida sobre él de color azul, y porta a Cloris, quetambién lleva una especie de manto de color marrón apagado. Céfiro lleva además unas alas decolor bronce y va soplando. La uníón entre éste y Cloris, esposa de Céfiro, simboliza la uníónentre la materia y el espíritu.En cuanto al centro del cuadro, decir que se haya la protagonista del cuadro, Venus. La diosadel amor griega, aparece desnuda en una gran concha, que simboliza la vida. Ésta Venus fue laprimera diosa en aparecer desnuda después de los clásicos griegos.Su pelo es de color rubio(cabe mencionar que a las únicas que le pintaban el pelo de color rubioeran María y María Magdalena, por tanto, comparan a Venus con estas dos figuras religiosas), yle cae por el lado izquierdo, entrelazado en una cola y tapándose la parte inferior, avergonzada. Aunque el pelo puesto de esa postura recuerda el vello púbico, cosa prohibida de pintar enaquellos tiempos, siendo el cabello evidentemente una representación erótica. Con su brazoderecho trata de ocultar sus pechos de forma tímida. Tiene una forma curvilínea (propia delgótico) y en contrapposto, inspirada en los clásicos.Su rostro recuerda al de las vírgenes de Boticcelli, con los ojos claros, la boca cerrada y muy joven. Destacar además que dicha diosa podía estar inspirada en Simonetta Vespucci. Su piel esde un tono marfil, casi blanco, pareciendo más que la carne propia una estatua. No podemos dejar de mencionar pues el mito que la diosa recrea, para poder comprender así este cuadro.Según cuenta el mito, Venus fue creada de los genitales del Dios Urano, Dios del cielo y uno delos primeros dioses de la tierra, al ser cortados por su hijo Cronos(por petición de su madre, yaque Urano se comía a todos los hijos que engendraba), y luego arrojados al mar, donde junto ala espuma, nacíó la diosa.Por tanto, el título de la obra El Nacimiento de Venus, no es exacto. El cuadro representaríaentonces la llegada de la diosa a una isla, posiblemente Chipre, Pafos o Citerea, islas quetradicionalmente están dedicadas a Venus. La diosa es conducida a la playa mediante el soplode los dioses alados, en una lluvia de flores que le trae la Primavera.Destacan los ropajes, con grandes pliegues, mientras que el autor no presta demasiadaatención al paisaje, constando sólo de un laurel y una porción de tierra