Autorretrato de Durero (1498)

Esta obra de Alberto Durero, perteneciente al Renacimiento, se encuentra en el Museo del Prado. El óleo sobre tabla presenta una figura en tres cuartos, mirando al espectador. El paisaje, visible a través de una ventana, tiene gran importancia y refleja la influencia italiana en Durero. Destacan el realismo anatómico y los detalles minuciosos, propios de la pintura flamenca. La conexión con la pintura veneciana se aprecia en el uso del color, que añade profundidad y riqueza cromática.

Apolo y Dafne (1622-1625)

Escultura barroca de Gian Lorenzo Bernini, ubicada en la Galería Borghese de Roma. Representa el momento en que Apolo alcanza a Dafne, quien se transforma en laurel. Bernini capta la transformación con maestría, plasmando la tensión y emoción del instante. El estudio anatómico es excepcional, mostrando el dinamismo de las figuras. La composición diagonal refuerza el movimiento, y los rostros transmiten la intensidad del momento. La detallada representación de la piel muestra el dominio de Bernini en la recreación de texturas.

Aguador de Sevilla (1622)

Esta obra muestra la influencia de Caravaggio en el naturalismo, el tenebrismo y la representación de personajes cotidianos. A diferencia de Caravaggio, la composición es más estática. Velázquez representa las tres edades de la vida, dándole un carácter simbólico. El detallismo en los personajes y elementos la convierte en un antecedente del hiperrealismo.

Bodegón de caza, hortalizas y frutas (1602)

Ubicado en el Museo del Prado, este bodegón destaca por sus elementos alineados. El dibujo preciso y la iluminación tenebrista resaltan los objetos sobre un fondo oscuro, creando un fuerte contraste que acentúa la sencillez de la composición.

Balsa de la Medusa (1819)

Óleo sobre lienzo, manifiesto del Romanticismo. Representa el naufragio de la fragata Medusa, donde los supervivientes recurrieron al canibalismo. El capitán, un aristócrata incompetente, abandonó a los pasajeros. Géricault otorga a un tema contemporáneo la misma relevancia que a la pintura de historia. La composición en aspa y las actitudes desesperadas transmiten dramatismo, potenciado por las luces y sombras. El estilo recuerda al Barroco e incluso al Juicio Final de Miguel Ángel.

Bodegón con pescado, vela, alcachofas, cangrejos y gambas (1611)

Óleo sobre tabla en el Museo del Prado, destaca por su realismo y detallismo. En el contexto protestante, los bodegones reflejaban el nivel económico del comitente. El artista firma su obra retratándose en miniatura en un recipiente. La vela simboliza la fugacidad de la vida.

Carta (1658)

Obra de Vermeer que trata un tema femenino y cotidiano. El tenebrismo contrasta con la luminosidad de los rostros, destacando la carta. La escena capta la tensión emocional de la criada entregando la carta y la mujer recibiéndola. Vermeer utiliza una rica paleta de colores, realzando la elegancia.

Cristo Abrazando a San Bernardo (1627)

Óleo sobre lienzo que representa un milagro religioso. Cristo cobra vida para abrazar a San Bernardo. Refleja el dramatismo de la Contrarreforma. Zurbarán y Ribalta fueron sus principales exponentes. La composición destaca por el dibujo preciso, la iluminación tenebrista y los colores cálidos. Dos ángeles acompañan la escena.

El Columpio (1767)

Óleo sobre lienzo que simboliza la frivolidad femenina y la sociedad aristocrática. Pertenece al grupo “Los felices azares del columpio”, reflejando el gusto por los amores prohibidos y las actitudes libertinas.

David de Michelangelo (1501-1504)

Escultura en mármol de más de 4 metros de altura, ubicada en la Galería de la Academia de Florencia. Representa el momento previo al combate con Goliat. Miguel Ángel plasma detalles anatómicos extraordinarios. El David muestra una expresión pensativa y fortaleza, conocida como ‘terribilitá’. Sigue un modelo clásico y simboliza la belleza y el espíritu humano.

David de Bernini (1623-1624)

Escultura barroca en mármol, ubicada en la Galería Borghese de Roma. Bernini capta el instante de máxima tensión. El movimiento, la anatomía y la energía se representan con realismo. La torsión de la figura refleja la influencia de la serpentinata de Juan de Bolonia. La expresividad de los rostros refuerza el dramatismo barroco.

Dos de Mayo de 1808 (Después de 1814)

Goya presenta el ataque de los madrileños contra la caballería francesa. Los madrileños intentan impedir el traslado de los infantes a Bayona. El uso del color y la disposición caótica de las figuras son característicos de Goya. La escena contrasta la violencia con el caos, capturando la crudeza de la batalla y el sufrimiento del pueblo.

Elevación de la Cruz (1610)

Tríptico ubicado en el Museo de la Catedral de Amberes. La influencia de Caravaggio se aprecia en los contrastes de luz y sombra. Las figuras robustas y expresivas transmiten un profundo pathos. Las obras laterales fueron realizadas mayormente en el taller.

Entierro del Conde de Orgaz (1603-1605)

Obra emblemática de El Greco, ubicada en la Iglesia de Santo Tomé en Toledo. Se divide en dos partes: la inferior (terrenal) con disposición horizontal e isocefalia, representando el entierro; y la superior (celestial) con composición triangular, mostrando el alma del conde ascendiendo al cielo. La obra fusiona lo terrenal y lo divino.

Fragua de Vulcano (1630)

Apolo revela a Vulcano la infidelidad de Venus. La escena muestra asombro y angustia. Contraste entre realismo y clasicismo: personajes realistas y Apolo idealizado. Influencia veneciana en el color. La figura de espaldas evoca el clasicismo.

Fuente de los 4 Ríos (1648)

Obra de Bernini en la Plaza Navona, Roma. Representa los cuatro grandes ríos (Danubio, Nilo, Ganges, Río de la Plata) simbolizando los continentes. El Ganges tiene un remo, el Río de la Plata monedas. Un obelisco coronado por una paloma simboliza la familia Pamphili y el triunfo de la Iglesia.

Familia de Carlos IV (1799)

Retrato realista de la familia real española, sin idealización. Goya plasma la psicología de los personajes. La reina María Luisa muestra una actitud soberbia. Goya se autorretrata, homenajeando a Velázquez en Las Meninas. La reina ocupa un lugar central, similar a la infanta Margarita en Las Meninas. Goya ofrece una visión crítica de la monarquía.

Fusilamientos del 3 de Mayo de 1808 (Después de 1814)

Continúa la representación de personajes anónimos. Los soldados franceses son una máquina impersonal de matar. El fusilamiento nocturno, iluminado por un farol, intensifica la emoción. El color y el contraste luz-oscuridad amplifican la tensión y la desesperación, mostrando la despersonalización en la guerra.

Iglesia de Santa Inés (1652)

Obra de Borromini en Roma, en el antiguo Estadio de Domiciano. La fachada cóncava crea dinamismo, característica del Barroco. Las torres flanqueantes añaden monumentalidad y equilibran la composición. Borromini se centró principalmente en la fachada.

La Iglesia de Il Gesú (1568-1574)

Obra de Vignola y Giacomo della Porta. Conexión con la Reforma y la Contrarreforma. Eliminación de las naves laterales, dejando una nave central amplia. Cúpula sobre el crucero, modelo para iglesias jesuíticas barrocas. Fachada con dos cuerpos de pilastras, frontón y volutas laterales. Diseño lumínico, limpio y práctico para el culto.

Judith Decapitando a Holofernes (1620)

Óleo sobre lienzo en la Galería degli Uffizi. Episodio bíblico con sentido tenebrista. Judith, interpretada como un autorretrato de Artemisia Gentileschi, decapita a Holofernes, representando a su instructor. Capta el pathos barroco.

Juramento de los Horacios (1784)

Óleo sobre lienzo que exalta los valores patrióticos. Los hermanos Horacios juran luchar por Roma. Las mujeres, en segundo plano, expresan tristeza. Refleja los ideales neoclásicos: sacrificio por la patria, virtud, deber y honor.

Lección de Anatomía (1632)

Óleo sobre lienzo de Rembrandt, ubicado en La Haya. Retrato colectivo que muestra al Dr. Tulp impartiendo una lección de anatomía. El cuerpo es de un ajusticiado. Un papel con los nombres de los asistentes incluye a Rembrandt. Tenebrismo y composición piramidal.

Libertad Guiando al Pueblo (1830)

Símbolo de la lucha revolucionaria en París. Delacroix se autorretrata. La Libertad, con la bandera tricolor, avanza sobre los caídos. Combatientes de diferentes clases sociales simbolizan la unión del pueblo. Luz y color refuerzan el dramatismo heroico. Influencia del Romanticismo.

Lechera de Burdeos (1826)

Óleo sobre lienzo, interpretado como la representación del final de Goya en Burdeos. Refleja serenidad y los temores de la “España negra”. Pinceladas sueltas y mezcla de colores anticipan el impresionismo. Goya, precursor de las vanguardias.

Monasterio de San Lorenzo del Escorial (1563-1584)

Obra de Juan de Herrera, estilo herreriano. Encargada por Felipe II. Forma de parrilla en honor a San Lorenzo. Incluye monasterio, palacio real y panteón real. Iglesia central con cúpula. Palacio del monarca cercano para asistir a las ceremonias. Fachada de granito con torres y chapiteles flamencos. Sobriedad arquitectónica. Biblioteca con manuscritos valiosos. Portada con pilastras dóricas y frontón clásico.

Maria Antonieta con Vestido de Muselina Blanca (1783)

Retrato de María Antonieta por Marie Louise Élisabeth Vigée Le Brun. La pintora, a los 23 años, se convirtió en pintora de la corte francesa. Fue la primera mujer en ingresar en academias prestigiosas. Óleo sobre lienzo con refinamiento rococó en el vestido y el sombrero.

Piedad (1497-1499)

Escultura en mármol de Miguel Ángel, ubicada en la Basílica de San Pedro. Representa a la Virgen sosteniendo a Jesús. Composición piramidal. Rostro joven de la Virgen y cuerpo adulto de Cristo. Desproporción intencionada en la Virgen para acoger el cuerpo de Jesús. Detallismo en la musculatura y los pliegues.

Plaza de San Pedro (1656-1667)

Obra de Bernini en el Vaticano. Columnata elíptica con dos fuentes y un obelisco. Simboliza el abrazo de la Iglesia a la humanidad. Columnas y pilares toscanos coronados por una balaustrada con esculturas de santos y mártires. Combina funcionalidad con grandiosidad escenográfica.

Palacio de Versalles (Siglo XVII)

Símbolo del poder del Imperio Francés, residencia real y sede del gobierno. Arquitectos: Louis Le Vau y Jules Hardouin-Mansart. Dos fachadas, jardines para fiestas, Capilla Real y Galería de los Espejos. Jardines diseñados por André Le Nôtre.

Quitasol (1777)

Pintado para el Palacio del Pardo. Influencia rococó en colores suaves, moda y detalles. Composición piramidal y dominio de la luz. Tema galante, reflejo de la vida cotidiana y frivolidad de la época.

Rapto de la Sabina (1581-1583)

Escultura en mármol de Juan de Bolonia (Giambologna), ubicada en la Loggia dei Lanzi, Florencia. Representa el rapto de las sabinas por los romanos. Rómulo inmoviliza al marido y eleva a la sabina. Composición dinámica en espiral, línea serpentinata manierista. Detallismo y movimiento continuo.

Rendición de Breda (1634-1635)

Óleo que retrata la rendición holandesa ante España. Justino de Nassau entrega las llaves a Ambrosio Spinola. Justino intenta arrodillarse, pero Spinola lo impide. Lanzas españolas alineadas verticalmente. Velázquez se autorretrata. Reyes vestidos sobriamente.

Ronda de Noche (1642)

Retrato colectivo de Rembrandt de la milicia cívica de Ámsterdam. Composición compleja con niños y una perra. Influencia de Caravaggio en la luz. Dominio del color sobre el dibujo. Representación del movimiento.

Reyes del Asilo de Ancianos (1664)

Barroco protestante. Figuras realistas con expresividad rígida. Ropajes negros y tenebrismo. Influencia de Caravaggio.

San José Carpintero (1642)

Ubicada en el Museo del Louvre. Luz de una vela crea un efecto dramático. La carne translúcida de Jesús ilumina el trabajo de José. Sobriedad en los colores, detallismo. Sentido sobrenatural, el trabajo santificado por la presencia divina.

Vocación de San Mateo (1599)

Obra para la iglesia de San Luis de los Franceses, Roma. Jesús llama a San Mateo en una taberna. Tenebrismo. San Mateo muestra perplejidad. Dos recaudadores no reaccionan, otros dos miran a Jesús. La mano de Jesús recuerda a Adán en la Capilla Sixtina. Pathos en la perplejidad de Mateo.

Vista del Palacio Ducal de Venecia (1730)

Paisaje con la vida civil integrada. Perspectiva minuciosa con planos definidos y embarcaciones. Valoradas por los estudiantes del Grand Tour. Equilibrio entre arquitectura y vida urbana. Efecto vaporoso en las representaciones del Támesis.

Las Meninas (1656)

Obra maestra de Velázquez en el Alcázar de Madrid. Composición, profundidad y simbolismo. Nicolás Pertusato y Maribárbola en primer plano. Infanta Margarita con sus meninas. Institutriz y guardadamas. Reyes reflejados en un espejo. Velázquez se autorretrata. Cruz de la Orden de Santiago. Pincelada suelta, perspectiva aérea, luz de dos focos. Reflexión sobre el arte y el papel del artista.