Miguel Ángel: Pintura y Escultura

Miguel Ángel concebía la pintura como un dibujo de estatuas, específicamente pictórico, con luz y sombra. Modelaba sus figuras como un preciso dibujo, con volumen de estatuas, formas grandiosas, movimientos, posturas inestables y retorcidas, y expresiones dramáticas. El Tondo Doni es una obra de juventud que representa a la Sagrada Familia, con una postura de retorcimiento de la Virgen, un espacio agobiante e indefinido, ambigüedad general y tonos desbordados de color.

Capilla Sixtina: Frescos del Génesis

La obra más importante es la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina en el Vaticano. En marzo y abril de 1508 recibió el encargo de Julio II, en mayo aceptó y terminó los frescos cuatro años más tarde. El proyecto del Papa era la representación de escenas del Génesis, cada una rodeada por cuatro jóvenes desnudos, junto con doce profetas y las sibilas. Es un canto al desnudo monumental, grandioso y hercúleo, glorificado en las escenas del Génesis o en los ignudi. Las sibilas degradan majestuosidad a los profetas. El conjunto de figuras y escenas está en un espacio compartido y dividido por arquitecturas que se adaptan a la bóveda. Destaca La Creación de Adán, con mucha fuerza física y espiritual, con un dios ciclópeo que roza con su dedo la mano del hombre, transmitiendo la energía espiritual. Estas imágenes se han convertido en el símbolo del arte del Renacimiento.

El Juicio Final: Obra de Madurez

Obra de madurez, El Juicio Final. El fresco es de enormes dimensiones e incluye casi 400 figuras, de las que se han identificado aproximadamente 50. La zona superior está ocupada por el mundo celestial, presidido por Cristo como Juez en el centro. A su lado, la Virgen María, rodeada por un conjunto de santos, apóstoles y patriarcas. En las lunetas superiores aparecen dos grupos de ángeles que portan los símbolos de la Pasión. A los pies de Cristo están San Lorenzo y San Bartolomé. En la zona intermedia hay tres grupos: a la izquierda, los juzgados que ascienden al cielo; en el lado contrario, los condenados que caen al infierno; y en el centro, los ángeles trompeteros para despertar a los muertos. En la zona inferior derecha, hallamos el traslado de los muertos en la barca de Caronte ante el juez infernal. La ordenación es caótica y retorcida. Gigantes retorcidos, cargados de violencia y pesimismo, realizados en tonos agrios. Destaca Júpiter tonante, lleno de fuerza dramática, y la figura de Cristo Juez, desnudo, con el brazo en actitud de rechazo y castigo, rodeado por gigantes aterrorizados por su presencia y decisión. La representación de Cristo como un dios desnudo fue motivo de protestas, por lo que Volterra recibió la orden de cubrir los desnudos más significativos. Las últimas obras que utilizan el lenguaje manierista son los frescos de la Capilla Paulina: La Crucifixión de San Pedro y La Conversión de San Pablo. La obra de Miguel Ángel se sitúa entre el clasicismo renacentista y el barroco, abriendo camino al manierismo. El movimiento surge cuando el clasicismo pleno entra en crisis y coincide con la muerte de Rafael. Los rasgos de Leonardo, Rafael y Miguel Ángel son:

• Progresivo anticlasicismo en aspectos como la inestabilidad.
• Valoración de lo irreal o fantástico.
• Convencionalismo en posturas y proporciones (forma serpentinata).
• Intelectualismo elitista, movimiento que se extiende por las Cortes.
• Virtuosismo técnico.

Arquitectos: Vignola y Palladio. Escultores: Giambologna, Benvenuto Cellini. Pintura: Pontormo, Bronzino, Parmigianino, Tintoretto, El Greco.

Escultura de Miguel Ángel

Prototipo de artista universal, como artista del Renacimiento, Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) significa la plenitud y representa el genio creador en la historia del arte. Miguel Ángel es el primer artista aislado, casi enfrentado al mundo que le rodea y al arte, en el cual se siente extraño y hostil. El mensaje que el artista siente que le viene de Dios es algo individual. Fue arquitecto, escultor y pintor, pero él se sentía escultor. Constante tensión, dramatismo y fuerza expresiva, plasma en las formas toda su riquísima y atormentada vida interior. Su vida transcurre unida al misticismo neoplatónico, que busca el ideal de belleza, por eso representa ideas y no realidades. Como escultor, con tendencias que culminan en el manierismo y el barroco, conocedor del cuerpo y del desnudo, trabaja en mármol, con tensión y la vida interior que asoma al rostro, que se entremezcla con composiciones expresivas y dramáticas. Criaturas gigantescas, arquetipos, retorcimiento, técnica de gran modernidad, dejó las formas sin terminar. Obras de adolescencia: Virgen de la Escalera y Batalla de los Centauros, ambas llenas de equilibrio clásico.

La Piedad Vaticana

La Piedad Vaticana (1498) es un tema que repite más adelante, pero con resultados diferentes. Composición piramidal y estable, obra con una percepción menos patética que las imágenes del gótico. Virgen joven, pureza y virginidad, obra llena de serenidad y belleza equilibrada, y un Cristo que es un modelo de gran equilibrio, armonía y belleza clásica. La juventud de la Virgen es muestra del idealismo renacentista. Cuando la obra fue finalizada y entregada, algunos pusieron en duda que fuera de Miguel Ángel, y al enterarse, él grabó su nombre en la escultura.

Primera armonía: Los ejes del cuerpo de Jesús se contraponen a los pliegues curvilíneos. Segunda armonía: El brazo derecho de Jesús cae inerte. Este se opone al brazo izquierdo de la Virgen. Tercera armonía: Los pliegues de la Virgen con oquedades forman claroscuro, se contraponen a las superficies claras y lisas del cuerpo de Jesús.

Las características formales de La Piedad aparecen también en la Madonna de Brujas, una bella Virgen sentada con el Niño en pie ante ella. El Baco es un estudio de desnudo, pero con equilibrio inestable.

David y Sepulcro de Julio II

David (1501-1504): Encargado por la Señoría de Florencia, escultura colosal, desnudo lleno de clasicismo y equilibrio, bloque gigantesco de mármol, tensión que se acumula bajo su piel y que asoma al rostro, vida interior apasionada, mirada fija al horizonte donde se encuentra el enemigo, concentrado en sí mismo, preparando una estrategia de ataque. Representa el hombre seguro de sí mismo, inspirado en la estatuaria clásica. Agranda la cabeza y la mano derecha. Este estilo, entre dulce y terrible, se imprime en toda su producción a partir del Sepulcro de Julio II. El Sepulcro del Papa Julio II es un túmulo rectangular y exento, con muchas figuras y con cámara funeraria. Está en una iglesia de Roma, San Pietro in Vincoli. Además, a él pertenece el famoso Moisés. En muchas de estas figuras se ve la influencia del grupo Laocoonte, descubierto en 1506, y que para Miguel Ángel supuso una revelación, porque a partir de ese momento sus expresiones son más intensas, con actitudes violentas y dramatismo, y muestran las limitaciones a las que se ve sometido el espíritu por la materia.

Sepulcros Mediceos

Su obra cumbre: Los Sepulcros Mediceos, en la capilla funeraria de Florencia ya citada anteriormente, que comienza por encargo de León X y termina con Clemente VII para enterramiento de la familia Medici. Expone sus ideales neoplatónicos. Tienen que servir de sepulcro a cuatro miembros de la familia, pero la muerte del pontífice motivó que los sepulcros se redujeran, cargando las ideas neoplatónicas, a la vez que, pensando en el recinto funerario, aparecerá también el paso inexorable del tiempo. El de Giuliano, de perfil divino, representa el Día y la Noche; la vida contemplativa con la Aurora y el Crepúsculo, modelo del que arranca la estatuaria manierista. Sus últimas obras reflejan el pensamiento, el expresionismo dramático, la espiritualidad rayana en el misticismo. El tema es el dolor de la muerte y de la soledad. Ahora realiza: Piedad Palestrina, Piedad del Duomo de Florencia y la más patética y moderna, la Piedad Rondanini, que quieren representar el dolor y el espíritu.