Contexto Histórico-artístico

Guerra Civil, el gobierno de la República Encargó obras para su pabellón de la Exposición del 37. Obra de propaganda para Contar los sufrimientos de la España republicana y conseguir apoyo de las Potencias democráticas.

Nuestra vanguardia, desde el arquitecto Sert, Realizó un pabellón en pleno estilo funcionalista.
Miró, que cedíó Els Segadors ,Julio González su Montserrat gritando, Calder, su fuente de Mercurio realizaba una esculturamóvil

El Guernica es un cuadro realizado en 1937 por Pablo Picasso para el pabellón de la República española en la Exposición Universal de París.

Picasso hizo numerosos Bocetos preparatorios sin alusiones al bombardeo. Es un discurso contra la Barbarie de las guerras.

El lienzo tiene unas dimensiones de (3,50 x 7,80). Técnica del óleo en blanco, negro y variaciones de grises, como Símbolo de luto, para acentuar el dramatismo.

Es de estilo cubista (estilo que Descompone las imágenes reales y las representa en un mismo plano de forma Geométrica), expresionista y simbólico. La composición se organiza en triángulos. Y en dos grupos de figuras representadas: seres humanos (soldado herido, varias Mujeres y niño muerto) y animales (toro, caballo y paloma). La línea está Claramente definida.

Contenido: El tema

Gira en torno a los horrores de la guerra. Picasso, en plena Guerra Civil después del alzamiento militar, se ve Conmocionado por las noticias del bombardeo de Guernica.
La noticia fue titular En todos los periódicos que destacaban la brutalidad de la acción, ejercida Sobre una pequeña ciudad sin interés militar, desarmada ocupada por población Civil. Sobre este motivo, comienza a construir el gran lienzo.

Picasso va descartando los motivos concretos Del bombardeo para ir concentrando toda la violencia en símbolos y figuras.
El Guernica deja de ser un puro cuadro histórico para convertirse en un grito Contra la guerra, una reflexión sobre la destrucción y el dolor, convirtiendo En una obra universal, comprensible sin necesidad de conocer los detalles concretos.

Gracias a la cámara de Dora Marr podemos ver La evolución del cuadro a lo largo de su extensa construcción.

Los personajes representados, son víctimas. Su Interpretación ha sido muy cuestionada, negándose el pintor a darles un Significado concreto. Un toro (¿España?), un pájaro sobre la Mesa, una mujer con su hijo muerto entre los brazos y una estatua Mutilada. El centro lo ocupa un caballo herido (¿el pueblo español?) que Pisotea el brazo de la estatua que sostiene una espada rota y una flor. Sobre Ellos aparece un ojo-sol con una bombilla como pupila (¿la esperanza?).Tres Mujeres, una que avanza hacia la luz, otra que porta un candil y otra con Los brazos en alto, gritando en medio de las llamas.

Aspectos formales:

Técnica. Óleo sobre lienzo.

La composición recuerda a los Trípticos, dividida en tres sectores. El central se ordena en una forma Triangular en torno al caballo, incluyendo en su zona baja la estatua y la Mujer que avanza. A ambos laterales se crean dos triángulos rectángulos que se Compensan en sus figuras.

El dibujo participa en la Renovación de las técnicas. Podemos descubrir experiencias de Picasso, como el Cubismo, la idea de negación del punto de vista único, las figuras son Estudiadas desde varios lugares, uniendo luego las distintas visiones en una Imagen más completa (pues aporta más información) aunque distinta a la habitual (visión simultanea).

El toro tiene los dos ojos en el mismo plano O las distintas partes anatómicas del caballo pertenecen a puntos de vista contrarios.

Referencias contemporáneas. Se aprecia la deformación a la que Picasso somete a las formas para darles una mayor expresividad, Ocurre en la cabeza del caballo, las manos agrandadas de la mujer que sujeta a Su hijo muerto.

 También, se producen transferencias de las Cualidades de los objetos, convirtiéndolos unos en otro, en las lenguas que se Convierten en objetos punzantes, como cuchillos, o en los ojos de las dos Mujeres en donde los ojos se han convertido en sus lágrimas; Parten del mundo surrealista de Picasso.

 Su Idea de libertad expresiva es también patente en ciertas sugerencias del dibujo Infantil que tiene el cuadro. (El dibujo infantil no pinta las cosas como las Ve sino como las sabe) redujo algunos elementos a su pura esencia visual, dando Los suficientes datos para que la imagen, sin ser una copia de lo real, fuera Entendible.

El Color y la luz Funcionan de forma conjunta.
Picasso pensó en el cuadro como una imagen En blanco y negro, en su limitación cromática, pudiera transmitir dolor y Tragedia. Los gestos dramáticos quedan en suspenso, como gritos  dentro de un silencio general al que con la Ausencia de color, aunque no de tonos, pues el gris, en diferentes gradaciones, Atempera y da cohesión a los bruscos contrastes del blanco y el negro.

La luz, desvinculada de la Recreación naturalista de la realidad, ilumina la escena sin obedecer a ningún Tipo de foco. Luz antinaturalista que sirve, para guiarnos por el cuadro Creando efectos que acentúan el dibujo (mano que porta el candil) o la tragedia (ventana fuertemente iluminada en la izquierda, demasiado pequeña para poder Salir del incendio). Los personajes aparecen fuertemente iluminados, sin Sombras, lo cual acentúa su bidimensionalidad.

El espacio, puede resultar Difícil de entender. Su extrañeza es producida por la desaparición de la Perspectiva, típica desde el Renacimiento. Las primeras experiencias Cubistas desaparece la idea del cuadro como una ventana. Ya no se pretende la Representación real del mundo, y el lienzo se convierte en un espacio bidimensional Que renuncia al fondo, presentándo las imágenes en el mismo plano.

Y se elimina el claroscuro. Tan solo en Algunos lugares (cuello de la estatua, cabeza del caballo) se conserva una representación Tradicional que sirve para facilitar la lectura de las imágenes.