Formas únicas de continuidad en el espacio. 1913

 La esculturarepresenta una figura de aspecto antropomorfo, sin rostro y sin brazos, caminando con aire marcial. El movimiento deforma su cuerpo: en el pecho, rodillas y caderas se forman aristas que parecen hendir el aire para favorecer el avance, y las pantorrillas, animadas por una energía que recorre todo el cuerpo, se convierten en alas. Las formas cóncavas y convexas se entrecruzan, representando los músculos en tensión al caminar y su resistencia en el espacio/La figura se funde con el ambiente transformándose en un todo único con él. A esta forma la llama Boccioni forma única, desapareciendo así los límites de la escultura. El predominio de las líneas curvas y los fuertes contrastes de luz y sombra contribuyen a reforzar la idea de movimiento/Esta obra constituye, por tanto, el mejor ejemplo de los postulados del futurismo aplicados a la escultura: el dinamismo, la simultaneidad, la relación y evolución de las formas en el espacio.

Rueda de bicicleta. 1913

Se trata de una obra perteneciente a lo que Duchamp bautizó como ready-made (obras ya hechas, en inglés), objetos anodinos del mundo circundante que fuera de su contexto quedaban convertidos en una obra de arte. Este ready-made,el primero que realizó, está formado por una rueda, dotada de movimiento giratorio real, de 64’8 cm de diámetro, colocada sobre un taburete de 60’2 cm de altura. Con el movimiento de la rueda, el autor se estaba adelantando a la introducción del movimiento real que caracterizaría posteriormente a la escultura cinética, y al elegir un objeto creado en serie, Duchamp llevaba a cabo un acto desmitificador, iniciando una corriente que luego continuarían el Pop-Art y el Arte Conceptual/Con estos ready made Duchampbuscaba claramente la provocación, pero también nos obliga a preguntarnos acerca de la verdadera naturaleza del arteLa persistencia de la memoria (1931).

Es una de sus obras más representativas, dentro del surrealismo pictórico, en su corriente figurativa. Pertenece a la época que Dalí denominó “crítico-paranoica”/Dalí ha pintado una playa, con el mar al fondo y un acantilado a la derecha, inspirados, seguramente, en la Costa Brava catalana. En primer plano, a la izquierda, una bancada sirve de apoyo a unos relojes, cuyas esferas reblandecidas se disponen de forma inverosímil. Uno de los relojes tiene el reverso de su caja atacado por las hormigas (muy habituales en toda su pintura, pues reflejan los miedos infantiles del autor y representan la podredumbre y la muerte) otro, que marca las siete menos cinco, tiene una mosca posada sobre su esfera y un tercer reloj cuelga de la rama de un árbol seco. La sensación de desolación es total en esa playa fantasmal envuelta en una luz de amanecer, en la que el tiempo y la vida parecen detenidos. Sobre la arena pintó Dalí una cabeza con rostro deforme y monstruoso en el que se identifican nariz, ojo, pestañas y lengua situados de forma inverosímil, con otro reloj blando sobre ella. El ojo cerrado indica que está durmiendo, tal vez soñando la escena que tiene lugar a su alrededor/El pintor ha representado en el cuadro elementos tomados de la realidad aunque modificados o deformados,  pero sobre todo fuera de su contexto habitual y asociados como nunca aparecerían en la realidad. El pintor crea así un “universo imaginario”, con imágenes que proceden del mundo de los sueños y del inconsciente, característica que define al surrealismo/Desde el punto de vista técnico Dalí es un pintor figurativo, con un extraordinario dominio del dibujo académico y de la técnica pictórica al óleo. Usa colores brillantes y luminosos y respeta las normas de la perspectiva en la representación de los distintos elementos del cuadro/Es, como todas las obras del surrealismo, una pintura compleja, cuyo significado no está claro aunque, sin lugar a dudas, hay una referencia al poder destructor del tiempo, pero también a un mundo en el que éste se ha detenido y sólo persiste la memoria de las cosas.

Madame Matisse 1905

Se trata de un pequeño retrato de Madame Matisse, la esposa del autor. El retrato será uno de los temas más habituales en su obra, junto con los interiores, las ventanas y los desnudos/El tema está tratado con gran sencillez. El rostro de la mujer está visto de frente, realizado con gran economía de medios y basado en el uso y la combinación de tonos puros: amarillo, rojo y azul, elegidos arbitrariamente y combinados en función de su armonía cromática. La línea verde que da nombre al cuadro, divide el rostro en dos bajo el cabello y le otorga luminosidad y relieve. La masa de los cabellos negros con reflejos azules encuadra el rostro, cuyos tonos amarillentos en la parte derecha y rosados en la parte izquierda se realzan mediante los trazos negros y azulados de las cejas, de los contornos de una parte del rostro y del rojo del vestido/Aunque se trata de una pintura figurativa, el tratamiento es antinaturalista debido al empleo arbitrario del color que no tiene ninguna función descriptiva. No hay modelado ni profundidad, aspectos que no interesan al pintor. La separación entre la figura y el fondo se produce gracias a los planos de color y en algunas partes por la línea que delimita el contorno de la figura. En obras posteriores este contorno quedará completamente marcado/La enorme fuerza expresiva del cuadro le viene de la intensidad del color y de la forma de combinar los distintos planos en función de su armonía cromática.  Es una de primeras obras fauvistas de Matisse y uno de los primeros cuadros del movimiento. Podemosconsiderar a Henri Matisse como un pintor que supera el impresionismo y postimpresionismo para dar paso a las vanguardias del XX.

El grito. 1893

Una figura, que aparece en primer término, grita mientras sujeta su cabeza con las manos. Se encuentra sobre un puente en el que aparecen también dos figuras humanas al fondo. En el horizonte se distinguen dos pequeñas embarcaciones/“Una tarde paseaba por un sendero, a un lado estaba la ciudad y debajo de mí el fiordo -el sol se estaba poniendo-, las nubes estaban teñidas de rojo sangre. Sentí que un grito atravesaba la naturaleza y casi me pareció oírlo. Pinté este cuadro, pinté las nubes como sangre auténtica. Los colores gritaban.”/La figura, casi espectral,  se resuelve mediante formas sinuosas y onduladas que se repiten en el resto del cuadro, tanto en las nubes como en el paisaje que le sirve de fondo, lográndose así una fusión total que llena la escena de tensión y angustia. Estas líneas curvas expresan el grito, que parece traspasar los límites del lienzo para llegar hasta nosotros. Las diagonales del camino y las barandillas del puente ofrecen un contrapunto a estas líneas curvas. El uso del color, de gran intensidad, refuerza esta clara intención expresiva: el cielo se resuelve a base de bandas rojas y amarillas con pinceladas azules. El mar se representa a través de una gran ola de color azul oscuro que se vuelve verde en la parte derecha del cuadro/Estamos ante una obra totalmente expresionista en la que el color, el uso de la línea y la distorsión de la figura sirven perfectamente al propósito del autor, que quiere transmitirnos una profunda angustia interior, por lo que la imagen causa un poderoso impacto en el espectador.

Cinco mujeres en la calle. 1913

Lobra rprsnta 1scena absolutamnte ctidiana:1grupo d5 mujers nvueltas nabrigos azuls y tocads cn smbreros dplumas pasean xla clle,cmo mdelos n1 dsfile d modas.Ls figuras s disponen 1junto a otra siguiendo 1ritmo vrtical.Sus siluetas azuls s rcortan sbre l fndo amarillo dl cuadro.Parece qstán ncapsuladas,sin cmunicación ni ntre ellas ni cnl spctador,cnstruidas a bse dlíneas y plans violentamnte sgmntados.El artista utiliza 1gama fría d clres:vrdes ácidos, contrastados cn azules, amarillos y negros, y ls aplica n tintas planas/No hay ningún interés en la representación del volumen, del espacio o de la luz. Únicamente interesa el color, fuertemente expresivo. Hay luz porque hay color y las figuras aparecen encajadas en el fondo, que es tratado como una forma más. Líneas gruesas delimitan algunas formas. Las figuras se construyen a base de oblicuas y verticales, cortadas en ángulos agudos. En los zapatos, las pieles y las plumas, se acentúan estas formas puntiagudas/Kirchner será figura destacada y principal impulsor del grupo Die Brücke expresando en sus escenas urbanas, como la comentada, toda la inquietud y angustia de la sociedad berlinesa durante el periodo bélico.