Fin de la Primera Guerra Mundial

La sociedad quiere olvidarse de ella, realiza los siguientes cambios, el orden burgués establecido se tambalea, se empiezan a acumular fortunas colosales, Europa tiene una economía devastada y población diezmada y la Recuperación económica fue muy rápida durante la década de 1920. La población empieza a ser más optimista, piensan que no volverá a suceder una guerra como esta (se equivocan), avances tecnológicos y un relativo bienestar social. EEUU expansión vende armamento a Europa, mayor mecanización, aparición de una clase media con cierto poder adquisitivo, se produce una burbuja económica gran Depresión. Europa, debe reconstruirse, Vanguardias artísticas, fascismo, comunismo.

Características

Conjunto de muchos estilos y movimientos en el S. XX, Constructivismo. Cubismo. Futurismo. Art Nouveau evolución. El estilo racionalista de la escuela Bauhaus y descubrimientos arqueológicos en Egipto y Centro América. Estilo de la edad de la máquina, las líneas aerodinámicas, producto de la aviación moderna. La velocidad congacelas, galgos, formas que siguen las innovaciones. Materiales: aluminio, acero inoxidable, laca, madera embutida, piel de tiburón y piel de cebra. Que tienen aplicaciones variadas: diseño de moda, coches y rascacielos. Antecedentes: la escuela de Chicago que reconstruyó la parte vieja de Chicago destruida por un incendio. Los arquitectos tienen su punto de mira en el presente y en el futuro realizando edificaciones de altura (Rascacielos) para reducir el coste del suelo, armazones metálicos, muchos pisos e invención del ascensor (Auditorium de Chicago) (Edificio Prudential Guaranty). París, cuna de lo moderno 1er. tercio del S. XX, Art Déco en Europa, no va a hacer un uso tan impresionante en arquitectura.

Música Norteamericana

Nueva York máxima importancia en la música Broadway musicales, la música como negocio. La ciudad y su ritmo frenético, el ajetreo diario, los negocios, intercambio con Europa hace presencia de inmigrantes, rusos, italianos, culturas que se mezclan y se retroalimentan. Irving Berlin Israel Baline era su nombre original, emigra a E.E.U.U. con su familia a los 5 años creándole un profundo impacto. A los 13 años y, se marcha de casa y se busca la vida en distintos trabajos, canta en los cafés y consigue un trabajo como camarero cantante, mientras aprende piano de forma autodidacta, también compone y escribe letras para las compañías de la Tin Pan Alley su primer éxito en 1911 Alexander’s ragtime band se le considera el inventor del Ragtime pero no es cierto. Crean locales en los que jazz empieza a definirse, los músicos blancos los utilizan por su carácter original y su ritmo frenético, acorde al gusto de la época. En las siguientes décadas produce cantidades de baladas, números de baile, melodías y canciones que definen la música popular estadounidense en gran parte del S.XX: (Cheek to cheek). Trabaja tanto para Broadway como para Hollywood, funda su propia compañía de discos y crea un teatro en Broadway con mucho éxito, el Music Box. Su obra va a ser muy melódica y agradable de escuchar, placentera, sus melodías van a tener un fuerte componente melancólico de tristeza dulcificada. OBRAS THE GREAT AMERICAN SONGBOOK

George Gershwin

En sus obras se sintetizaban elementos procedentes del jazz y de la tradición clásica, y que le permitieron destacar. Nació en Nueva York, pero de ascendencia rusa, sus padres eran inmigrantes. Desde una temprana edad muestra interés por la música, empieza a tocar el piano de manera autodidacta, más tarde tomó clases con un profesor que le descubrió compositores como Debussy o Ravel, aunque él se sentía muy atraído por los autores de Broadway como Irving Berlin. A los dieciséis años, abandonó la escuela, trabaja en la Tin Pan Alley, donde se encontraban los editores de música más importantes, donde presentaba al público las melodías de moda. Poco después comenzó a componer sus canciones, que despuntaron en Broadway de su primer espectáculo La La Lucille, destaca la canción Swanee que tuvo un éxito sin precedentes, lo que le reportó éxito y dinero. Entra en la alta sociedad neoyorkina, fue uno de los primeros que empleó ritmos y melodías del jazz, el blues y el ragtime, también tenían elementos de la música popular judía, el repertorio romántico europeo y el espíritu de las primeras décadas de Broadway. OBRAS (La velocidad era su sino) Rhapsody in Blue encargo de Paul Whiteman para que compusiera una pieza de Jazz sinfónica: lo había olvidado y se enteró tres semanas antes de su estreno. Tuvo un éxito rotundo momento importantísimo en la historia de los Estados Unidos, el del nacimiento de su propia música sinfónica, creada con elementos autóctonos, como los blues, los espirituales negros y el jazz, que George Gershwin tradujo en ritmos y notas que son ellos mismos, pero elevados a la categoría de alta cultura. (Concierto para piano en Fa mayor). (Un Americano en París). Es, el compositor estadounidense más célebre.

Moda

La vida de la mujer sufre cambios importantes: La primera guerra mundial supuso la incorporación de la mujer al trabajo. Esto supuso cierta liberación que conllevó una transformación en las costumbres, imponiéndose la comodidad, pues los años 20 fueron una época de movimiento incesante: viajes, deporte, automóviles. Desaparece el corset, de manos de Paul Poiret. La longitud de la falda también empieza a acortarse. La longitud del pelo se acorta, es el estilo garçon, La mujer fuma y se maquilla, Se usan tejidos elásticos (el punto) que acompañen los movimientos de un cuerpo. Esta “liberación” del cuerpo de la mujer, entrañaba una nueva cárcel, pues la silueta sufrió un estrechamiento al establecer cánones de belleza de delgadez, ocultando, casi las formas del cuerpo femenino. Para conseguirlo, se crearon fajas reductoras y vestidos “tubo” que comprimían el cuerpo y limitaban los movimientos. Paul Poiret. Lo apodaban El Magnífico, El rey de la moda. Con permiso de Charles Worth, considerado el primer diseñador en sentido estricto, fue el pionero en sentar las bases de la moda tal y como las conocemos hoy: sus trajes fluidos, basados en la indumentaria árabe y oriental, liberaron a privilegiadas de las ataduras del corsé (sin olvidar la aportación de Mariano Fortuny). Incluso se atrevió a vestirlas con faldas pantalón. Hábil gestor de su propia fama, el modisto francés fue el primero en comercializar perfumes asociados a su firma (los míticos Parfums de Rosine) e incluso en comercializar una línea de decoración. Fue, sin duda, el primer creador que concibió su trabajo como una marca, no como un simple negocio. Era una época marcada por la prosperidad que precedió a la Primera Guerra Mundial y por la extravagancia que imperaba en las clases altas. Tras la guerra, triunfó esa sobriedad sofisticada marca Chanel y Poiret se vio obligado a cerrar su mansión. Las élites se olvidaron de su importancia y el modisto sobrevivió trabajando como ilustrador hasta su muerte en los años cuarenta. Más allá de nostálgicos expertos en moda, de museos e historiadores del traje, pocos lo recuerdan.

Coco Chanel

Comenzó en el mundo de la moda como vendedora en una tienda, mientras intentaba ser cantante de la que le quedó el sobrenombre de Coco. Más adelante, siempre fruto de su estilo simple y contrario a los adornos excesivos, montó una sombrerería en París caracterizada por la simplicidad y la comodidad de los sombreros. Estas piezas tuvieron gran éxito ya que las damas que empezaban a estar cansadas de los excesos provenientes del S.XIX., poco después abriría la mítica tienda de la Rue Cambon. Después de la 1ª Guerra Mundial, diseñó ropa para damas. Tuvo muchos éxitos y hasta impuso ciertos estilos como el de bajar la línea de la cintura. Sus modelos conjugaban la simplicidad, la elegancia y la practicidad. Además tuvo la visión de futuro, y ante la falta de tejidos nobles, de utilizar telas más comunes, como algodones y lanas frías, para crear sus prendas que se adaptaban perfectamente a los movimientos del cuerpo. (la petite robe noire) (Trajes de chaqueta de tweed) (El perfume Nº5)

Mobiliario

Empiezan después de la 1ª Guerra Mundial, como resultado de reconstruir los edificios de algunas ciudades francesas. también se creará nuevos muebles para esos edificios. ◦ En su afán de modernidad, la inspiración se busca en el arte de vanguardia como el cubismo, el futurismo y también en los grandes descubrimientos arqueológicos de Egipto y de la cultura azteca. ◦ El Art Déco va a usar líneas de formas geométricas con ángulos muy pronunciados y curvas limpias, de origen geométrico, en contraposición a las curvas orgánicas del Art Nouveau. Sin embargo, no se va a olvidar del confort, los sillones, sillas o sofás, a pesar de su presencia rotunda, van a buscar la comodidad acorde con los gustos de la sociedad, con superficies tapizadas. ◦ La decoración de interiores toma mucha importancia  ya que se consideraba  esencial para el bienestar psicológico  ◦ El ébano pulimentado, con su superficie negro azabache, fue una de las maderas favoritas . Pero en los años veinte era muy raro y costoso. Los ebanistas habían de recurrir a enchapados (dispuestos de forma simétrica) de esa madera o a meros sucedáneos. Otros enchapados eran la palmera, el jacarandá, el roble gateado y la madera de coromandel, aunque estas dos últimas se usaban con moderación, pues su grano resultaba exagerado. Otros enchapados , menos exóticos, eran: amaranto, amboina, caoba, palisandro y sicomoro. Muchas veces se utilizaban en contraste con una madera nudosa, como el arce o el fresno. Otros materiales que se utilizaron fueron la laca, la piel de zapa, el marfil y el hierro forjado o el tubo de acero, con el fin de dar un toque de opulencia a los muebles. De manera parecida se utilizaron la piel de serpiente y el cuero, por ejemplo de poney. El marfil, ausente del diseño de muebles en 1900, se recuperó para los contornos de las patas curvas de los mueble.autores Jacques-Émile Ruhlmann/ Jean Dunand.

LA REVISTA MUSICAL FRANCESA documental sobre París en los años 20 a partir del minuto 57 para ilustrar este apartado tieneun ritmo frenético en el que se suceden los números. Género teatral, mezcla de comedia, canto y baile,basada en el gusto popular: su principal intención es entretener y divertir con un humor ácido  y pícaro Estilo Art Déco: en escenografías, carteles, vestuario y arquitectura. Durante los años 20 se nutre de nuevos estímulos jazz estadunidense  música y baile. Moral libre: el desnudo→ bailarinas en toples.Nuevos aires a las salas de fiestas de la “Belle Époque”  *EL FOLIES BERGÈRE  figura fundamental Paul Derval: director durante “los años locos”. Tiene un sentido del espectáculo muy acorde con el gusto del público. Sus montajes son excesivos en el vestuario, los decorados, los efectos en la escena, todo ello puesto al servicio de su compañía, integrada por bailarinas inglesas denominadas las “petites femmes nues” (chicas desnudas). Reforma el local en el estilo arquitectónico Art Déco. Erté→ diseñador de vestuario y escenografía, fantasía.* EL MOULIN ROUGE:  presentan por primera vez en París, las revistas americanas.  Gesmar decorador e ilustrador de la sala. LOS ARTISTAS • MISTINGUETT una de las artistas más populares en el primer tercio del siglo XX, Su manera de interpretar canciones subidas de tono cautivó París, convirtiéndose en la artista principal de los cabarés antes citados. • JOSÉPHINE BAKER  bailarina y cantante estadounidense nacionalizada francesa ,Su estilo de baile de base jazzística muy novedoso, combinado con muecas humorísticas, causó sensación en el público parisino. Su imagen era muy impactante, al actuar en toples con el famoso cinturón de bananas.Su éxito la lleva a convertirse en figura fundamental del Folies Bergère, de la mano de Paul Derval. • MAURICE CHEVALIER cantante y actor, representa el tipo de “dandi parisino” que triunfando, canta con esmoquin y canotier.

PINTURA  TAMARA DE LEMPICKA pintora rusa. personaje con una vida muy intensa y ajetreada. • cambios constantes de país: “destierros”, según ella huyendo por motivos políticos a Francia , a E.E.U.U., vuelve a Francia, pero acaba sus días en México. • rica burguesa en búsqueda constante de diversión cabaret, sexo, drogas. • elegante y altiva. Características de su obra no ha sido tenida en cuenta hasta el último cuarto del S.XX– aunque sigue sin aparecer en los manuales de arte por considerar que no aporta nada más allá del decorativismo ,. • Crea retratos que se convierten en arquetipos de su época. Renacimiento italiano→ encierra a sus personajes en el encuadre. • Infinidad de influencias Ingres→ aire melancólico de las miradas, posturas de las modelos. cubismo→ vistas de ciudades de fondo. futurismo→ tema urbano, el coche. • Retrata ,principalmente, mujeres de gran belleza, maquilladas y elegantemente vestidas . Espaldas angulosas y exageradas. Las formas son rotundas, volúmenes de gran presencia proporciones un tanto agrandadas. Los personajes “llenan” el cuadro. Cromatismo vivo versión personal del claroscuro, usa un negro contundente en las sombras. Estilo cinematográfico relacionado más con la moda y la publicidad. Sus cuadros son turbadores e inquietantes, resultan fríos, casi metálicos. (Autorretrato en un Bugatti verde)( Mujer con vestido verde)

Autorretrato en un Bugatti verde, es un cuadro pintado al óleo por Tamara de Lempicka. En él aparece la autora, vestida de piloto, conduciendo un coche muy brillante. Representante del Art Déco, su arte muestra  influencias que van desde los encuadres del Renacimiento italiano, hasta los recursos de la vanguardia cubista y futurista,. Su estilo queda en el uso de alguno de los elementos característicos de su pintura, como la figura femenina perfectamente maquillada o las formas angulosas en los pliegues de la tela y en las líneas que definen el automóvil. Otro de sus rasgos fundamentales es la rotundidad de sus formas. Para ello agranda  las proporciones, sobre todo en el cuerpo.La composición del cuadro viene determinada por una cuña, que sigue las líneas vertical e inclinada de la ventanilla vehículo, quedando el rostro y pañuelo enmarcados, con la superficie metálica. El rostro es el centro de interés situado en el margen superior derecho, en tensión con la mano que agarra el volante. coloca hábilmente el tirador de apertura de la puerta, con lo que consigue contrarrestar esa tensión y equilibrar los pesos visuales. El cromatismo es muy vivo, los colores cálidos de la piel y el guante contrastan de manera poco estridente. Sin embargo, aparece un contraste más acusadoen el cuadro por la aplicación que hace del claroscuro, con unas sombras muy marcadas en negro. Tamara de ha pasado desapercibida en la Historia por su carácter noble-burgués y contrario al compromiso de las vanguardias. Se la acusa de realizar imágenes sin trasfondo, muy cinematográficas, que tienen más que ver con la moda o la publicidad. Imágenes frías y turbadoras de aspecto metálico que no aportan nada más allá de su decorativismo. Con todo, sus retratos de la década de 1920 se convierten en arquetipos que ilustran, como pocos, el espíritu libre, festivo y hedonista de los años locos.

Retrato de Madame Boucard, es un cuadro pintado al óleo por Tamara de Lempicka en el año 1931. En él aparece una dama elegantemente vestida, con la representación esquemática de los rascacielos de una gran ciudad. Representante del Art Déco, su arte muestra infinidad de influencias que van desde los encuadres del Renacimiento italiano, hasta los recursos de la vanguardia cubista y futurista, pasando por los gestos lánguidos de Ingres. Su estilo queda patente en el uso de alguno de los elementos característicos de su pintura, como la figura femenina perfectamente maquillada o las formas angulosas en los pliegues de la tela, en las líneas que definen los edificios y en las direcciones imposibles que adopta la dama en su pose. Otro de sus rasgos fundamentales es la rotundidad de sus formas. Para ello agranda levemente las proporciones, sobre todo en el cuerpo. La composición del cuadro viene determinada por un esquema en cuña , que enmarca el busto de la mujer y coincide con las líneas del abrigo rojo sobre los hombros. También se aprecia un rombo cuya cúspide se sitúa en la cabeza, y sigue las direcciones de los brazos y las manos. . El cromatismo es muy vivo, los colores cálidos de la piel y el abrigo contrastan con los tonos fríos y metalizados del fondo y del vestido. De nuevo se aprecia la influencia renacentista en el rojo brillante del abrigo en combinación con el visón. Además el contraste se acentúa en la iluminación de la escena, con la aplicación tan personal que la artista hace del claroscuro, con unas sombras muy marcadas en negro. Tamara ha pasado desapercibida en la Historia por su carácter noble-burgués y contrario al compromiso de las vanguardias. Se la acusa de realizar imágenes sin trasfondo, muy cinematográficas, que tienen más que ver con la moda o la publicidad. Imágenes frías y turbadoras de aspecto metálico que no aportan nada más allá de su decorativismo. Con todo, sus retratos de la década de 1920 se convierten en arquetipos que ilustran, como pocos, el espíritu libre, festivo y hedonista de los años locos.

Mademoiselle Pogany III es una escultura de Constantin Brancusi, realizada en mármol en el año 1931. La pieza es el retrato esquematizado de una dama, que roza casi la abstracción.  Esta obra se encuentra en el Museo de Arte de Philadelphia. La personalidad tan marcada de Brancusi, hace difícil clasificarlo dentro de una corriente determinada. Ciertos rasgos de su obra se encuentran con el Art Déco en una síntesis de muchas influencias, de entre las que destacan las formas primitivas, y en especial, las de la tradición europea. Pero su arte se va a basar en una idea de “movimiento” contraria a los planteamientos futuristas.  Era seguidor de la Teosofía, que en su escultura supone el abandono del aspecto exterior de las formas, para centrarse en las fuerzas interiores que las configuran en una particular búsqueda de lo universal, asociado a lo divino. Esa misma búsqueda se va a encontrar en la repetición de elementos, la seriación, que se encuentra en el dorso de la escultura y que van estar muy presentes en la estética déco. Otra de las características de su obra, y que, claramente, se ve, es el fino trabajo de pulido con el que remata las superficies de cualquier material: bronce, madera o mármol. La sensación táctil es de gran suavidad. Crea volúmenes cerrados, compactos, para Brancusi el vacío carece de interés como elemento escultórico. Sus piezas se convierten, así, en reducciones progresivas de lo anecdótico, a través de abstracciones que, para él, constituyen la verdad última y universal en cuanto a forma se refiere. A pesar de la simplificación de raíz geométrica, su obra es muy orgánica. De hecho, es esta concepción biomórfica la que fundamentará la escultura de Arp o Moore. E incluso más lejos, su interés por los elementos seriados encontrará un eco en las propuestas minimalistas de la década de 1960.

Pájaro en el espacio es una escultura de Consantin Brancusi, realizada en bronce en 1923. Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Nueva York. Este tema relacionado con el vuelo de los pájaros  y tiene como referente tradiciones rumanas relativas a unas aves con poderes mágicos . Durante años fue realizando figuras de estos animales. Esta pieza es la primera de las versiones que hizo con este título. La personalidad tan marcada de Brancusi, hace difícil clasificarlo dentro de una corriente determinada. Ciertos rasgos de su obra se encuentran con el Art Déco en una síntesis de muchas influencias, de entre las que destacan las formas primitivas, y en especial, las de la tradición europea. Pero su arte se va a basar en una idea de “movimiento” contraria a los planteamientos futuristas. Lo que le interesa a Brancusi es encontrar en el movimiento un elemento sugestivo, que le sirva para investigar en la esencia de lo representado. En este caso, representa el concepto de vuelo, no un pájaro volando. No en vano, era seguidor de la Teosofía. Otra de las características de su obra, y que, claramente, se ve en el Pájaro, es el fino trabajo de pulido con el que remata las superficies de cualquier material: bronce, madera o mármol. La sensación táctil es de gran suavidad. Crea volúmenes cerrados, compactos, para Brancusi el vacío carece de interés como elemento escultórico. A pesar de la simplificación de raíz geométrica, su obra es muy orgánica. De hecho, es esta concepción biomórfica la que fundamentará la escultura de Arp o Moore. E incluso más lejos, su interés por los elementos seriados encontrará un eco en las propuestas minimalistas de la década de 1960.

El collar de Patiala es un diseño de Cartier realizado en 1928 para el Marajá del mismo nombre. Cuenta la historia que el gobernante indio llegó a París, tres años antes, con unas maletas llenas de diamantes y otras piedras preciosas con la intención de que le creasen un collar ceremonial de estética hindú, pero con los gustos personales del Marajá,  La pieza está compuesta por cinco vueltas en platino, con unos 3.000 diamantes, aproximadamente, de entre los que destacan dos rubíes y una esmeralda. Sin embargo, el protagonismo de la pieza se lo lleva un gran diamante amarillo, llamado De Beers . Esta casa de joyería parisina fue fundada por Louis François Cartier a mediados del S.XIX y se caracteriza por el refinamiento y el estilo claramente identificable de sus piezas. No será hasta la tercera generación, a principios del S.XX, que Cartier alcance el estatus del que disfruta hoy en día. Su espíritu viajero, tanto en busca de inspiración, clientes y materiales, va a ser la base de su éxito, convirtiéndose en proveedores oficiales de diversas casas reales, así como de las estrellas de Hollywood. Inspirándose en la joyería francesa clásica, su estilo simplificado y geometrizante se adelantará en el tiempo al Art Déco. Además, Cartier sabrá adaptar sus propuestas a los gustos y necesidades de una clientela en constante evolución, surtiéndola de collares, diademas, relojes, neceseres. Fruto de esta evolución, aparecerán piezas icónicas que se han convertido en símbolo de la marca, como la pantera y otros animales de un bestiario sorprendente, sin olvidar nunca su sello de elegancia combinada con la excelencia en materiales y procedimientos.

El reloj Tank es un diseño de Cartier. Cuenta la leyenda que el diseño de esta pieza vino condicionado por un aviador amigo de los Cartier, quien comentó lo incómodo que le resultaba usar relojes de bolsillo mientras volaba. Creyeron,en la idea de crear uno plano de pulsera con un distintivo bisel cuadrado, que dio como resultado el modelo. Se van a convertir, en pioneros en la creación de relojes de pulsera. Esta casa de joyería fue fundada por Louis François Cartier y se caracteriza por el refinamiento y el estilo de sus piezas. No será hasta la tercera generación, que Cartier alcance el estatus del que disfruta hoy en día. Su espíritu viajero,va a ser la base de su éxito, convirtiéndose en proveedores oficiales de diversas casas reales, así como de las estrellas de Hollywood. Inspirándose en la joyería francesa clásica, su estilo simplificado y geometrizante se adelantará en el tiempo al Art Déco. Cartier sabrá adaptar sus propuestas a los gustos y necesidades de una clientela, surtiéndola de collares, diademas, neceseres…que pronto alcanzó un éxito aún vigente en la actualidad. Fruto de esta evolución, aparecerán piezas icónicas que se han convertido en símbolo de la marca, como la pantera y otros animales ,sin olvidar nunca su sello de elegancia combinada con excelencia en materiales y procedimientos.

El Edificio Chrysler es un rascacielos de estilo Art Déco situado en la intersección de la Calle 42 con Lexington Avenue, en , Nueva York. Se comenzó a construir en 1928, finalizándose en 1930. Con 77 plantas y 319 metros de altura, fue el edificio más alto del mundo durante once meses, hasta que le superó el Empire State Building . Sigue siendo el edificio de ladrillos más alto del mundo, aunque su estructura es de acero. Este edificio, diseñado por el arquitecto William Van Alen, es un ejemplo clásico de la arquitectura Art Déco como así demuestran algunas de sus características: las formas fraccionadas de la base y la cúspide, los zigzags de las cristaleras de la cubierta, la simetría y las gárgolas que recuerdan a los capós de los coches de la compañía en clara referencia al aerodinamismo. Por todo ello, muchos arquitectos contemporáneos lo consideran uno de los mejores edificios de Nueva York, ciudad de los rascacielos,  Fue la sede de la empresa Chrysler desde 1930 hasta mediados de los años cincuenta. Aunque el edificio se construyó y diseñó específicamente para el fabricante de coches, la empresa no pagó su construcción y nunca fue su propietaria, debido a que Walter P. Chrysler decidió pagarlo él mismo para que fuera un proyecto personal. Su construcción estuvo marcada por la competición para ser el edificio más alto del mundo.

El Empire State Building es un rascacielos de estilo Art Déco situado en la intersección de la Quinta Avenida y West 34th Street, en la ciudad de Nueva York. Se comenzó a construir en 1930, finalizándose en 1931. Con 102 plantas y 443 metros de altura, fue el edificio más alto del mundo durante más de cuarenta años. Su nombre deriva del apodo del Estado de Nueva York. Este edificio, diseñado por el arquitecto William F. Lamb, es un ejemplo clásico de la arquitectura Art Déco como así demuestran algunas de sus características: las formas fraccionadas, a modo de escalonamientos, que recorren su perfil, y la simetría. Por todo ello, ha sido nombrado por la Sociedad Estadounidense de Ingenieros Civiles como una de las Siete Maravillas del mundo moderno. Fue designado como un monumento Histórico Nacional en 1986. En 2007, ocupó el número uno en la lista de las edificaciones favoritas estadounidenses. Se ha convertido en un icono de la cultura popular y quizás la representación más famosa sea la de la película de 1933 King Kong, en la que un simio gigante sube al edificio para escapar de sus cap

 Máscara de Greta Garbo con mechón es una escultura de Pablo Gargallo, realizada en chapa de hierro. Actualmente se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. La obra de Gargallo encontró su cauce al viajar a París, donde entabló amistad con el círculo de pintores cubistas.Los rasgos del cubismo sintético van a estar muy presentes en sus composiciones, en las que desarrolla su particular técnica de ensamblar láminas metálicas, que constituyen los diferentes planos que forman la obra final. Es el caso de este retrato de la famosa actriz, resultado de un encargo para una exposición y, en vez de esculpir una sola pieza, realiza tres versiones diferentes: Greta Garbo con pestaña, con sombrero y con mechón. En los tres casos la forma de trabajar es la misma: utiliza materiales no convencionales para la escultura, como hierro y cobre, que monta a través de una técnica novedosa en la escultura como la soldadura autógena. Recurriendo a la idea de máscara o escultura frontal apoyada en la pared, trabaja con el espacio y con los juegos de luces y sombras. Los bellos rasgos de Greta Garbo no quedan definidos solamente con hierro, sino también con los huecos y las luces que los rellenan. Son el aire y la iluminación los que ponen en contacto e interceptan los planos de materia para conformar el rostro de la actriz. La pieza es una sucesión de ritmos curvos que juegan a la asimetría, transmitiendo la sensualidad del rostro de la actriz. La aportación de Gargallo a la escultura contraria a los planteamientos de Brancusi, radica en la inclusión del vacío en la concepción de la obra, que ya no es el espacio que rodea a la pieza, sino que entra y la rompe, siendo un elemento de igual importancia.Las formas compactas tradicionales se aligeran. Esto será fundamental para el desarrollo de otros artistas.

El profeta es una escultura de Pablo Gargallo, realizada en bronce. Actualmente se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. La escultura muestra a un hombre de pie con la espalda cubierta de piel de cordero. Su expresión es de fuerza, incluso agresiva, está gritando , gesticula para que le escuchen y le sigan, un brazo se eleva amenazante y con el otro sujeta el bastón de pastor. La obra de Gargallo encontró su cauce al viajar a París, donde entabló amistad con el círculo de pintores cubistas. De hecho, los rasgos del cubismo sintético van a estar muy presentes en sus composiciones, en las que desarrolla su particular técnica de ensamblar láminas metálicas, que constituyen los diferentes planos que forman la obra final. Destacó por la utilización de materiales no convencionales para la escultura, como hierro y cobre, que monta a través de una técnica igualmente novedosa en la escultura como la soldadura autógena. Cuya principal característica, fundamental en la producción del escultor, es el trabajo con el espacio y con los juegos de luces y sombras, el vacío se convierte en un volumen activo con la misma importancia que la propia materia. Los rasgos del profeta no quedan definidos solamente con el bronce, sino también con los huecos y las luces que los rellenan. Son el aire y la iluminación los que ponen en contacto el cuerpo del hombre. Otro rasgo importante de la escultura de Gargallo, y que aparece en El profeta, es el juego de formas cóncavas y convexas, en lo que se denominó técnica del rehundido, que consiste en transformar los volúmenes de manera que lo que, debe ser convexo, creando ilusiones perceptivas. El ritmo de la obra es muy dinámico gracias a las diagonales del brazo levantado y bastón y las formas entrelazadas alrededor de la figura y que la dotan de gran vitalidad. Las líneas y planos nos llevan hacia la cabeza y su boca abierta, gritando, que es el centro expresivo tanto en las visiones laterales como en la frontal, hay un componente expresionista notable en la obra. La aportación de Gargallo a la escultura,contraria a los planteamientos de Brancusi, ya no es el espacio que rodea a la pieza, sino que entra y la rompe, siendo un elemento de igual importancia. Las formas compactas tradicionales se aligera. Esto será fundamental para el desarrollo de otros artistas.

Este vestido pertenece al diseñador francés Paul Poiret, quien lanza la silueta “pantalla”, al introducir un alambre en el borde inferior del blusón. Esta silueta sigue a la “persa”, que en  supuso el éxito de Poiret como diseñador, al inspirarse en la estética de los ballets rusos, que tanta fama habían cosechado. Lo apodaban El Magnífico, El rey de la moda. Considerado el primer diseñador en sentido estricto, este diseñador fue el pionero en sentar las bases de la moda tal y como las conocemos hoy: sus trajes fluidos, basados en la indumentaria árabe y oriental, liberaron a unas pocas privilegiadas de las ataduras del corsé. Incluso se atrevió a vestirlas con faldas pantalón. Hábil gestor de su propia fama, el modisto francés fue el primero en comercializar perfumes asociados a su firma e incluso en comercializar una línea de decoración. Fue, el primer creador que concibió su trabajo como una marca, no como un negocio. Pero su tiempo fue otro, una época marcada por la prosperidad que precedió a la Primera Guerra Mundial y por la extravagancia que imperaba en las clases altas. triunfó esa sobriedad sofisticada marca Chanel y Poiret se vio obligado a cerrar su mansión .Las élites se olvidaron de su impronta y el modisto sobrevivió trabajando como ilustrador hasta su muerte en los años cuarenta. Más allá de nostálgicos expertos en moda, de museos e historiadores del traje, pocos lo recuerdan.

Vemos a Coco Chanel enfundada en una de sus piezas más icónicas, el vestido negro básico o petite robe noire, que es una prenda de tarde o cóctel de corte simple y frecuentemente corto, originalmente popularizado. Fruto de su estilo simple y contrario a los adornos excesivos, este vestido recuerda a los trajes de gala de las sirvientas. Era una fuente de inspiración la ropa laboral de algunos gremios. Su comienzos en el mundo de la moda se dieron en una sombrerería que montó en París, caracterizada por la simplicidad y la comodidad de los sombreros. Sus piezas pronto conectaron con el gusto de damas que empezaban a estar cansadas de los excesos. Tal fue el éxito, que poco después abriría la mítica tienda de la Rue Cambon. Después de la 1ª Guerra Mundial, amplió su línea diseñando ropa para damas. Tuvo muchos éxitos y hasta impuso ciertos estilos como el de bajar la línea de la cintura, utilizar collares de perlas o insertar bisutería de fantasía de inspiración medieval. Sus modelos conjugaban de manera muy ingeniosa la simplicidad, la elegancia y la practicidad, definitivamente el cuerpo de la mujer se había liberado del corsé. Además tuvo la visión de futuro, y ante la falta de tejidos nobles, de utilizar telas más comunes, como algodones y lanas frías, para crear sus prendas que se adaptaban perfectamente a los movimientos del cuerpo. La importancia de Chanel, sigue patente hoy en día, con la impronta de una elegancia sencilla, cómoda, sin excesos. Su marca sigue vigente en la actualidad con gran presencia .