ESCUELA DE Atenas DE RAFAEL:
– Ubica la escena en un templo de inspiración romana, con dos dioses representados por las esculturas de Apolo, Dios de la razón y Atenea , diosa de
la sabiduría. El encuadre o punto de vista es bajo.
– El conjunto se articula en una suma de grupos y figuras individuales, dejando vacío el espacio central para Platón y Aristóteles.
– La composición es cerrada, por el arco en semicírculo, y es simétrica.
– Platón muestra su Timeo y señala al cielo, y Aristóteles, con su Ética señala la tierra. Así se representan el idealismo y el Realismo. Ambos personajes dialogan y avanzan entre un grupo de figuras que forman un pasillo.
– Cerca de ellos, Sócrates, con su juego de preguntas y enumera las hipótesis con los dedos. Y Diógenes está echado sobre la escalinata. Y hay un hombre viejo que escribe. También están representados los astrónomos Ptolomeo y Zoroastro, y el geómetra Euclides y el propio Rafael. Una vez acabado el fresco, se añadió sobre una nueva capa a Heráclito que podía representar a Miguel Ángel, apoyado sobre un bloque de piedra.
– La escalinata divide el pensamiento especulativo a la izquierda del experimental, a la derecha y una línea horizontal recorre las cabezas de las figuras del segundo plano. La luz es cenital o pleno día, crea un suave claroscuro. – Los colores se distribuyen de forma armónica, así al cálido rojo de Platón se contrapone el frío azul en Aristóteles, aunque se observa cierto predominio de los cálidos que se armonizan con los azules del cielo y de ciertas indumentarias de los personajes. Las figuras de Apolo y Palas Atenea presiden la Asamblea.
– Contexto> Cinquecento.Este fresco está encuadrado dentro de la estancia con cuatro paredes representando a la poesía, a la filosofía, a la fe o teología, y al derecho.
– Visión estética y filosófica del neoplatonismo de la época, que concebía la imagen del Universo como una construcción armónica, en la que el hombre y el arte vendrían a ser reflejo de un superior orden cósmico.
– La Stanza constituye la manifestación más lograda de la CONCORDATIO: la idea de una perfecta armónía entre el Cristianismo y el Neoplatonismo.
LA GIOCONDA DE LEONARDO:
-Máximo exponente del retrato leonardesco en el que los rasgos se determinan e indeterminan a la vez.
Fecha: hacia 1503
Técnica: Óleo sobre tabla. Formato: 77 x 53 cm. Género:Retrato. Localización:Museo del Louvre.
-La Gioconda o Mona Lisa es uno de los cuadros que mayores controversias ha desencadenado a lo largo de la Historia del Arte. Durante muchos años se ha especulado sobre su identidad, bien la mayoría de expertos piensan que se trata de un retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco Giocondo un comerciante de Florencia.
– La técnica es óleo sobre tabla de álamo que luego se trasladó a lienzo, aparece sin cejas, lo que la hace más enigmática . Leonardo pinta a la modelo sentada en escorzo lateral y cabeza levemente girada y el brazo izquierdo descansa sobre el brazo de la silla.
– Existe un gusto por los detalles, fino velo, encajes, estudio naturalista de los pliegues del vestido y de los finos dedos alargados de gran elegancia. La composición es clásica,triangular o piramidal con el vértice en la cabeza que crea efecto de equilibrio.
– En cuanto al volumen los rasgos y el contorno de la figura están difuminados por el sfumato que difumina las líneas del dibujo y los colores.
– Sin embargo en las mangas el modelado tiene unos contornos definidos y una apariencia algo rígida, en cambio las telas de los hombros presenta un modelado más suave y con sfumato.
– La luz se concentra en el rostro y crea un suave sombreado en su lado izquierdo. Y lleva un velo en símbolo de castidad. El paisaje en el que se sitúa la figura es muy importante, por el hecho de conseguir la profundidad y resaltar lo enigmático de su sonrisa. En este paisaje aparece todo muy difuminado con lo que crea la profundidad que se consigue con el sfumato de nuevo y con gamas de color frías.
– Además en este paisaje la línea del horizonte no coincide, a nuestra izquierda arrastra la mirada hacia abajo y el de la derecha lo hace hacia arriba más alta. También cambia la expresión al mirarla de uno u otro lado.
CAPILLA SIXTINA:
– Pintor: Miguel Ángel. Técnica: Pintura mural al fresco. Localización: San Pedro del Vaticano. Estilo: Pintura del Cinquecento. La construcción de la Capilla Sixtina data de 1470 por iniciativa del Papa Sixto IV. En sus muros dejaron su impronta artistas como Ghirlandaio, Boticelli, Perugino…
– En estos muros están escenas de la vida de Moisés, en un lado, y otras de la de Jesucristo, es decir la ley Antigua y la ley Nueva. El techo está decorado de azul con representaciones de estrellas. Y el Papa Julio II encargó a Miguel Ángel la nueva decoración de la bóveda.
– La capilla es de planta rectangular de algo más de 40 metros de largo por casi 14 metros de ancho y 20 metros de altura. Para decorar una superficie tan extensa, Miguel Ángel optó por crear una arquitectura pintada o fingida que dividiera la bóveda en compartimentos
– Así, en primer lugar, en las cuatro pechinas de las esquinas representa cuatro escenas del Antiguo Testamento que narran la salvación del pueblo judío de distintas amenazas.
– En las enjutas triangulares sobre los ventanales, ocho en total, y en los lunetos representa a los antepasados de Cristo en el orden citado en el Evangelio de Mateo. Entre las enjutas y pechinas crea pilastras fingidas con decoración escultórica pintada para crear la ilusión de estar realizadas en mármol. Entre ellas el autor sitúa las primeras grandes figuras de la composición, un total de siete profetas y cinco sibilas con lo que se une el mundo antiguo pagano y el mundo cristiano. – Sobre las pilastras arrancan arcos fajones, fingidos, que dividen la bóveda en diferentes tramos que permitirá al pintor separar las distintas escenas centrales creando espacios rectangulares. Sobre el remate de las pilastras, en el arranque de dichos arcos fajones, descansan unas figuras masculinas jóvenes, llamadas IGNUDI.
– En los paneles centrales, Miguel Ángel va a representar los temas centrales de toda la composición. Las nueve escenas ilustran el primero de los tres períodos en que la Iglesia dividíó la Historia del Mundo. El primero corresponde a los acontecimientos anteriores al recibimiento de las Tablas de la Ley por Moisés.
– En el primero de ellos aparece Dios separando la luz de las tinieblas. La segunda muestra la creación de los astros y de las plantas; Dios Padre aparece dos veces. La tercera representa la separación de las aguas. La cuarta escena, la más conocida, es la creación del hombre en la que Dios alarga la mano pero sin llegar a tocar aún la mano del hombre. Movimiento en potencia.
– La figura de Dios, se le presenta anciano, como símbolo de la sabiduría, también en escorzo, es una figura activa en movimiento hacia, el viento parece mecer su barba, sus cabellos y hace ceñir los pliegues de su ropa al cuerpo. Ese movimiento de su mano llegará a tocar a Adán dentro de un instante y le dará vida.
– Adán es representado como el ideal clásico de la belleza física en todo su esplendor, con una poderosa anatomía de hombre en plenitud en la que la luz crea claroscuro y acentúa el volumen. Se le representa en escorzo, mira a los ojos de Dios y muestra una actitud pasiva apoyando su brazo sobre un esbozo de paisaje de azules y verdes que tienen que ver con el mundo terrenal al que estará destinado Adán y su descendencia.
– Se puede observar como, durante la realización de la Obra, se produjo un cambio en la manera de componer del pintor. Así, en las primeras escenas se decantó por representar un gran número de figuras. Sin embargo, al comprobar que su visualización desde el suelo se hacía difícil y confusa, Miguel Ángel optó por cambiar la manera de componer con escenas formadas por pocas figuras y de un tamaño mayor que ayudaban a visualizar y entender la escena de manera más fácil.
David DE Bernini:
– Fecha.1623-1624. Tipología Escultura de bulto redondo. Estilo: Barroco. Localización actual: Galería Borghese.
– Se representa a David en el instante en el que girando coge impulso para lanzar por medio de su honda la piedra que derribará al gigante Goliat.
– En el suelo ha dejado la lira , referencia a su futuro como rey poeta, y una malla que no necesita pues está protegido por su fe. Bernini ha elegido un tipo humano más maduro y menos idealizado que los de Donatello y Miguel Ángel.
– Su madurez parece contraria al texto bíblico que le presentaba juvenil. Material: Mármol blanco con procedimiento la talla y con diferentes texturas. La superficie está tratada con formas pulimentadas que brillan por efecto de la luz y rugosas con efecto de claroscuro como en el pelo trabajado a trépano. Canon proporcionado a la medida del hombre: mide 1,70 cms
– La composición es dinámica, se observan diagonales y el cuerpo está muy girado. Por un lado podemos percibir una marca diagonal, desde su pierna izquierda retrasada subiendo por su espalda hasta la cabeza, pero también se puede observar un marcado zig-zag serpenteante que forma su pierna derecha, su tronco y su brazo. También se percibe la contraposición entre la cara que mira hacia un lado y los brazos en sentido contrario cogiendo la honda .
SAN LONGINOS:
-Se trata de una enorme escultura de mármol realizada por Bernini entre los años 1629 y 1638, y que se puede ver en el interior de la Basílica de San Pedro del Vaticano.
-Es una de las obras más monumentales de Gian Lorenzo Bernini, el escultor más prestigioso del Barroco italiano y europeo. Y pese a la monumentalidad que posee la figura es una obra que transmite movimiento y vida, especialmente por el dramatismo que aplicó a la hora de tallar los ropajes del santo. – En realidad, ese dramatismo y movimiento en la ropa está concebido con una clara intención, ya que basta con fijarse en como la túnica se pliega y cae en cascada bajo el brazo izquierdo, lo cual junto a la postura del personaje con los brazos en cruz, guían la mirada del espectador en dirección oblicua y ascendente hacia la lanza que lleva en su mano derecha, la considerada la Santa Lanza, una reliquia que se conserva en la cripta del Vaticano que precisamente se sitúa bajo la escultura.
Definiciones:
1. MANIERISMO: Estilo artístico que surgíó en Italia a comienzos del Siglo XVI y que se caracteriza por la abundancia de las formas difíciles y poco naturales.
2. TERRIBILITÁ: término italiano que indica la gran fuerza y potencia que transmite una obra por sus gestos, expresión y, sobre todo, su mirada. Se ve especialmente en el Moisés y el David de Miguel Ángel.
3. TRAMPANTOJO: representación pictórica que busca crear una ilusión óptica de realidad en algo que solo está pintado. Sobre todo en representaciones de arquitecturas, paisajes o vistas sobre paredes, muros, cúpulas y bóvedas.
4. MECENAS: es la persona poderosa que brinda su apoyo material, o protege mediante su influencia, a artistas, literatos y científicos para que estos puedan realizar su obra.
5. SFUMATO: técnica utilizada en la pintura al óleo que consiste en difuminar los contornos y hacerlos borrosos, para crear efectos atmosféricos.El primero en utilizarlo fue Leonardo da Vinci
6. PERSPECTIVA: sist. De representación en una superficie plana, que permite mostrar el efecto volumétrico de objetos y dar una apariencia de profundidad. Las dos principales son la perspectiva lineal y la aérea.
7. PERSPECTIVA AÉREA: representa el efecto atmosférico sobre las figuras, desdibujando las más alejadas y eliminando los límites de sus formas y colores para dar mayor sensación de distancia
8. ORDEN GIGANTE: Orden arquitectónico que emplea columnas o pilastras clásicas de grandes dimensiones que se extienden a través de varios niveles. Fue extendido por Miguel Ángel.
9. RITMO ARQUITECTÓNICO: recurrencia regular o armoniosa de líneas, formas y detalles dentro de la arquitectura. Incorpora la repetición y el espaciado como un dispositivo fundamental para crear una organización visual.