Evolución de la Música: De la Monodia Profana a la Escuela Francoflamenca

Monodia Profana (Cantigas)

Monodia Profana (Cantigas): SP estuvo al tanto de la vanguardia musical, manuscrito; Códice Calixtino (siglo XII), 5 partes referidas a distintos aspectos de la peregrinación a Santiago de Compostela. Serie de piezas monódicas. En la corte del rey Alfonso X el Sabio apareció Cantigas de Santa María. Se conservan 4 códices que tratan de una serie de 400 cantigas monódicas, similares a melodías de trovadores compuestas entre 1250 y 1280 por músicos franceses. Textos organizados de 10 en 10. Alfonso canta como si la Virgen fuera su amada. Características: forma musical *virelai*, alternancia de estrofas y estribillo, final de estrofa e inicio de estribillo, piezas en compás ternario, textos en galaicoportugués, melodías lineales de ámbito estrecho. Ejemplo: Cantiga de loor, cantiga de milagro.

Origen de la Polifonía

El siglo XI fue crucial para la Historia de la Música debido a los progresos que tuvo la polifonía en la iglesia. Si bien la polifonía se refiere a música en la cual las voces no se emiten al unísono, sino de manera independiente entre sí, quiere decir que es un término opuesto a monodia. Estos cambios ocurrieron de manera gradual y la monodia continuó siendo el principal medio expresivo. En el siglo IX aparecen los primeros tratados de polifonía conocidos, Musica Enchiriadis y Scolica Enchiriadis donde se describe un tipo de forma musical profana llamada *Organum*; en este, la melodía a canto llano (*vox principalis*), está duplicada a un intervalo de 5ª superior o 4ª inferior llamada *vox organalis*. El nombre de *organum* se debe a que trata de imitar el sonido del órgano. El Organum Cuadruplum, que duplica la voz principal y organal, cuatro voces sonando a la vez.

Madrigalismos

A finales del siglo XVI se desarrolló una corriente artística italiana que buscaba expresividad, pretendía que la música describiese el texto. Debía cantarse *a capella* y escrito para 4/5 voces. La temática suele ser amorosa o descriptiva de un paisaje con un lenguaje musical culto y refinado. Dos etapas: en la primera destacan Horacio Vecchi, Lucca Marencio, entre otros, y en la segunda Monteverdi y Gesualdo.

Ars Antiqua (Siglo XIII)

Etapa de desarrollo notable de la polifonía. Leonin y Perotin importantes compositores que trabajaron en el ámbito de la escuela de Notre Dame de París. Innovación del periodo: aparición de un sistema de ritmos, seis modos rítmicos básicos son una sucesión de sílabas largas y breves:

• 1 Troqueo: LB
• 2 Yambo: BL
• 3 Dáctilo: LBB
• 4 Anapesto: BBL
• 5 Espondeo: LL
• 6 Tribraquio: BBB

Otra aportación de la Escuela de Notre Dame en el desarrollo de las formas musicales anteriores:

• Organum: el *organum* que Leonin y Perotin componen posee dos secciones: una en estilo melismático y otra en estilo silábico (*discantus*). El *Cantus Firmus* aparece en la voz inferior que pasa a llamarse *Tenor*, mientras las dos superiores reciben el nombre de *Duplum* y *Triplum*. El ejemplo más destacado es *Sederunt principes*.
• Conductus: de forma paralela a la composición de *Organa*, la Escuela de Notre Dame compuso otro tipo de pieza en estilo silábico, cuya principal diferencia es que todas las voces han sido compuestas sin basarse en ninguna melodía preexistente. Carece por tanto de *Cantus Firmus*.
• Motete: el gran hallazgo de la polifonía del siglo XIII; se añade texto a una de las voces para su aprendizaje, un motete simple con 3 voces y 2 textos cuando la cláusula se independiza. Motetes dobles, triples, etc. si añadimos otros textos a otras voces.

Música Profana en el Renacimiento (Cancionero)

Aparece la forma musical llamada Chanson, que consiste básicamente en la sucesión de varias estrofas y un estribillo. Un músico importante es Petrucci. El estilo español está dominado por los Cancioneros. La forma que aparece en estos es el *virelai*, con letra en castellano. Se trata de una forma donde las estrofas muestran siempre un verso en relación con el estribillo. La textura predominante es la homofónica, para que el texto se entienda fácilmente. Su temática es amorosa.

Ars Nova (Siglo XIV)

Muestra cantidad de cambios y diversidad, por ejemplo, la razón humana y la revelación divina aparecían como ámbitos separados. Así, la cultura sufrió libertad de la temática religiosa. *Ars Nova* fue el título de un tratado escrito durante el siglo XIV. El término gustó tanto que pasó a designar un estilo musical. Los músicos de la época estaban abriendo una nueva vía. Una de las principales innovaciones fue el perfeccionamiento de la notación musical. La novedad es la división de todas las figuras musicales en 2 mitades o 3 tercios, completando así el sistema que antes había adoptado Franco de Colonia. Hablamos así de figuras perfectas (divididas en 3) o imperfectas (divididas entre 2). Gran aportación: implantación del Motete Isorrítmico. Consiste en la repetición de 2 elementos repetidos a lo largo de la composición, uno melódico (*color*) y otro rítmico (*telea*). Podían coincidir, no era necesario. La isorritmia era una forma de dar unidad a una música que podría ser considerada como desorganizada. La última gran implantación fue la Misa como un todo orgánico. La mejor muestra es la Misa de Notre Dame, compuesta por Guillaume. La mayoría de sus piezas polifónicas son de temática profana, aunque logró componer una Misa basada en melodías de su propia invención.

Música Preconciliar: Escuela Francoflamenca

Innovación del siglo XV: CONTRAPUNTO. Escuela Francoflamenca, un complejo sistema compositivo polifónico que consiste en la entrada sucesiva y alternada de las voces que forman parte de la composición. Tipo de contrapunto imitativo, cada voz hace un diseño rítmico-melódico similar. En el contrapunto francoflamenco, el texto no se entiende y pierde relevancia a favor de la música. Pudo ser escrita gracias a un sistema de notación más perfecto, la notación blanca. Nuevos tipos de compases, uso de la subdivisión ternaria y binaria y paso a las actuales negra y corchea. Los compositores de esta primera etapa del Renacimiento son agrupados en la 1ª, 2ª y 3ª Generación Franco-Flamencos, con músicos como Josquin des Prez.

Música Tras el Concilio de Trento

Conocido como periodo Contrarreformista, ya que se intentó llevar a cabo las disposiciones del Concilio, que se alejaban de los postulados de Lutero. Él publicó sus 95 tesis sobre los aspectos necesarios (para él) a cambiar en la Iglesia. La composición de la música de la Iglesia luterana refleja las convicciones del propio Lutero. Creía en el poder educativo de la música, y deseaba que toda la asamblea participase. Para hacer la liturgia más accesible al pueblo, publicó “una Misa Alemana” con textos en alemán.

Su aportación musical más importante fue el Choral, que solo consta de melodía y texto. La Iglesia Protestante cantaba sus cantos llanos en el Coral. Las principales innovaciones que introdujo la liturgia luterana fueron: la extensión de la homofonía, la aplicación de la forma hímnica a textos en alemán y la participación activa de la asamblea. La Contrarreforma respecto a la música, las quejas que se escucharon en la ciudad italiana de Trento se referían a su espíritu profano, y la compleja polifonía que dificultaba la comprensión de los textos. Además, se expresaban críticas sobre el uso excesivo de instrumentos en la liturgia. Aún así, no se prohibieron, ni la polifonía ni la imitación de modelos profanos.

El compositor más representativo de este estilo fue Palestrina. Este supervisó la revisión de los libros litúrgicos oficiales, para que la misma estuviera de acuerdo con los cambios ordenados por el Concilio de Trento. La mayoría de su música es religiosa. Sus obras captaban el sentido de austeridad y sobriedad de la Contrarreforma. Acuñó un estilo nuevo: melodías naturales, que se movían por grados conjuntos. Otra novedad fue un contrapunto diferente, más consciente de lo vertical: había que evitar las disonancias en la música.