Los dos arquitectos más importantes del Quattrocento italiano son Filippo Brunelleschi
León Battista Alberti.
En primer lugar tenemos a BRUNELLESCHI (Florencia, 1337-1446)
Sus comienzos artísticos fueron como escultor. En 1401, participa en el concurso para
realizar las segundas puertas del Baptisterio de Florencia, concurso que ganaría

Ghiberti

Después de la derrota, marchó a Roma, donde la contemplación de sus ruinas hizo que cambiara su vocación de escultor por la de arquitecto.
En 1414, coincide con Ghiberti en otro concurso, esta vez para la construcción de la
cúpula de la Catedral de Florencia. Esta vez BRUNELLESCHI  sí gana, con un proyecto que consiste en cubrir el tambor octogonal con dos cúpulas superpuestas, dejando una cámara de aire entre una y otra. El peso de los materiales disminuía, lo que le permitíó elevar la
cúpula hasta los 56 metros. Las obras comenzaron en 1420 y duraron 16 años. El
edificio causó mucha admiración entre sus contemporáneos, hasta el punto de que
Alberti llegó a compararlo con un gran paraguas abierto sobre el corazón de Florencia.
Brunelleschi parte de la idea de, en la creación artística, que hay que seguir a los
maestros de la Antigüedad pero que las técnicas de construcción pueden ser
mejoradas. Entre los elementos clásicos, prefiere las columnas de fuste liso, cuando
construye pórticos y basílicas, y las pilastras cuando edifica capillas de planta central;
en ambos casos, con capiteles corintios de ocho volutas y arcos de medio punto.
La proporción vendrá determinada por el espacio de separación entre los soportes
(sean columnas o pilastras); esta medida arroja un módulo con el que estarán relacionadas las demás distancias. Brunelleschi fue el creador de la perspectiva renacentista:
Una armonización visual de las masas del edificio, graduándolas según las leyes ópticas.
Todas estas carácterísticas son observables en edificios como El Hospital de los Inocentes La basílica del Espíritu Santo La basílica de San Lorenzo o la Capilla Pazzi,

En segundo lugar ALBERTI (Génova, 1404 – Roma, 1472)
Podemos considerarlo un genio renacentista que sobresalíó en todas las artes:
atletismo, música, diseño de artilugios mecánicos; además, por supuesto, de escultura,
pintura y arquitectura. Sobre arquitectura escribíó De re aedificatoria, 10 tomos en los que defiende por
primera vez la importancia del trabajo intelectual del arquitecto, como dibujante de
planos y fabricante de maquetas. Lo que dejaba la ejecución en manos de los maestros
de obras y los albañiles. En 1446, el comerciante Giovanni Rucellai le encarga la construcción de un palacio que
se convertirá en el prototipo de mansión urbana del Renacimiento.
Para Alberti, estas
casas de los ricos deben ser dignas y cómodas pero no ostentosas. Basándose en el
modelo del Coliseo, organizó la fachada en tres pisos de órdenes superpuestos y la
protegíó con un amplio saledizo. Como arquitecto religioso, se dedicó, sobre todo, a remodelar edificios medievales, a
los que dotaba de fachadas renacentistas: Esto es lo que hace en la basílica gótica de Santa María Novella, en la que
utilizó el cuadrado como módulo compositivo y la policromía como elemento
visual básico.O en el convento de San Francisco, de Rímini Pero el edificio religioso más importante de Alberti fue la iglesia de San Andrés,

LORENZO GHIBERTI (Florencia, 1378-1455)

En 1401, ganó el concurso para realizar las Segundas Puertas del Baptisterio de Florencia, superando a Brunelleschi. El contrato establecía que el ganador debía ajustarse al modelo establecido en 1336 por Andrea Pissano cuando ganó el concurso para esculpir las Primeras Puertas del edificio. Por tanto, Ghiberti tuvo que fragmentarlas en veintiocho cuadros y desarrollar en ellos, enmarcándolas en tréboles de cuatro hojas, escenas del Nuevo Testamento (20) e imágenes de los evangelistas y doctores de la Iglesia (8, situadas en el zócalo). En la obra, entregada en 1426, le ayudaron Pablo Ucello y Donatello.
Poco después, y sin concurso previo, las autoridades le encargan las Terceras Puertas. Los cambios respecto a las anteriores fueron muy profundos y las sitúan de manera clara en el estilo renacentista:-Sustituye las casillas lobuladas por diez espacios cuadrados,Utiliza la perspectiva lineal de Ucello y los efectos de profundidad que Donatello había creado mediante la técnica del schiacciato-Decora los marcos con reproducciones de esculturas griegas y festones de plantas y animales;. Ghiberti realizó también estatuas independientes. Las más importantes son las imágenes de San Juan Bautista  y San Mateo ), que formaban parte de las 14 hornacinas que debían decorar la fachada de la capilla de Or San Michelle, propiedad de los gremios florentinos. Ambas imágenes, llenas de gracia y dulzura, responden a una belleza ideal que pronto será cuestionada por Donatello.

Donatello (Donato di Niccolò), Florencia, 1386-1468

Es el escultor más influyente del Siglo XV. Equiparado por la crítica posterior con Miguel Ángel y Bernini. Sus cualidades más importantes como escultor son las siguientes: El dominio de todas las técnicas y materiales. La profundidad psicológica que expresa en los sentimientos humanos. Su capacidad creadora para definir y dar forma renacentista a construcciones como la tumba, el púlpito, el altar, la cantoría2 y el monumento ecuestre.1) Fase inicial de adolescencia y madurez en Florencia (1404-1443) Donatello aprendíó las técnicas de la fundición del bronce en el taller de Ghiberti. Sus primeros trabajos son estudios psicológicos para decorar los principales edificios góticos de la ciudad, Es también en esta primera etapa florentina cuando forma equipo con el arquitecto Michelozzo. De su trabajo conjunto saldrá la forma definitiva de la tumba y el púlpito renacentista:  Las tumbas responden a un esquema muy simple. Consisten en adosar a lapared un arco de triunfo romano y superponer en su interior, de abajo arriba: o el sarcófago sostenido por Virtudes. O la inscripción que hace referencia a la fama del difunto. O un tondo con la imagen de la Virgen.
La más importante es la tumba del Cardenal Rainaldo Branacci, en la iglesia de Sant’Angelo a Nilo de Nápoles  La predicación pública que hacían los dominicos y franciscanos en las calles y plazas aconsejó la construcción de púlpitos al aire libre. En 1433, disuelta la sociedad con Michelozzo, Donatello esculpirá la Cantoría de la Catedral de Florencia, destinada a albergar a los niños cantores.A continuación, se centra en darle forma a algo nuevo: altares de piedra o bronce que iban a sustituir al retablo de madera policromada típico del Gótico. El primero fue el tabernáculo de la Capilla Cavalcanti, en la iglesia de la Santa Croce de Florencia, con el tema de la Anunciación. Todavía antes de marchar a Padua, realiza una de sus obras más conocidas: la estatua en bronce de un David adolescente para el Palacio de los Medici. Es el primer desnudo
masculino del arte europeo.2) Estancia en Padua (1443-1453) Cuando Donatello llega a Padua tiene 58 años y es el escultor más famoso de Italia. Durante la década que permanece en esta ciudad, realiza los espectaculares bajorrelieves con los Milagros de San Antonio (altar mayor de la iglesia de San Antonio). También en Padua realiza una de sus obras más famosas la estatua ecuestre de  Erasmo da Narni, más conocido como “el Gattamelatta”.

El personaje es un capitán de mercenarios que había defendido la República de Venecia contra Milán. Atendiendo a sus deseos de ser enterrado en Padua, el gobierno de Venecia cede un aplaza y encarga a Donatello una monumental estatua que le sirviera de sepultura.

A partir del modelo romano de la estatua de Marco Aurelio, Donatello la imagen de un militar poderoso (caballo, armas, armadura) con un rostro sereno que trata de simbolizar el ideal humanista de la época.

Última etapa en Florencia (1453-1468)

Cuando Donatello regresa a Florencia tiene ya más de sesenta y cinco años. En estos
años, y hasta su muerte, sufre una crisis religiosa anti-humanista parece que
promovida por su arzobispo, el fraile dominico San Antonino. Este señor, en un intento
harapos y predicando a sus vecinos que abandonaran las costumbres licenciosas
relacionadas con las riquezas, el sexo y la buena vida. En uno de sus sermones, dijo,
respecto a María Magdalena: “Oh cuerpo, materia de corrupción, ¿qué tengo que
hacer contigo?”. Esta prédica fue visualizada por Donatello a través de su Magdalena
penitente, la imagen de una mujer demacrada y temblorosa que parece la negación de
la belleza. Es el comienzo de una serie de obras del mismo tipo que reflejan la angustia
vital de un artista y que anticipan parte de lo que va a ser la escultura del Cinquecento.

BEATO ANGELICO o FRA ANGELICO (Florencia, 1400 – Roma, 1455)

Este fue el nombre con que conocieron sus contemporáneos a Giovanni da Fiesolefraile dominico. La razón es que lo consideraban prácticamente un santo, cuya pintura tenía inspiración divina. Comenzó como iluminador de manuscritos. El dominio de esta técnica será fundamental en su posterior dedicación a las pinturas sobre tabla y al fresco. Las obras de Fra Angelico (otro de los nombres por los que es conocido) son herederas del gótico. Si los historiadores lo incluyen dentro del Quattrocento es por el uso que hizo de la arquitectura y de la perspectiva brunelleschiana. En el retablo de La Anunciación (1430), utiliza colores brillantes y fondos dorados, imágenes estilizadas y una luz especial que dota al cuadro de un ambiente primaveral. En 1438, se produce un hecho fundamental en su vida. El Papa había concedido a los dominicos el convento de San Marcos, en Florencia, y Angelico recibe el encargo de decorar la sala capitular, el claustro y las celdas. Serán 50 frescos que dotarán al convento de un mensaje de espiritualidad, con una técnica detallista y minuciosa. Este conservadurismo pictórico, más cercano al gótico que a las nuevas tendencias humanistas que se están poniendo de moda, puede deberse a la presión de la Iglesia y de la aristocracia toscana. MASACCIO (apodo de Tommaso di Giovanni) (Arezzo, 1401 – Roma, 1428) Impresiona la precocidad de este artista, que solo vivíó 27 años. Pero, pese a su corta carrera, puede considerarse el fundador de la pintura moderna. Técnicamente, es el primer pintor que construye con el color, preocupándose de los volúMenes y de los efectos tridimensionales.
Sus primeras pinturas, los frescos de la Capilla Brancacci, en la iglesia florentina del  Carmine, son ya una obra maestra: Felice Brancacci era un rico comerciante que quiso decorar su tumba con un ciclo iconográfico dedicado a San Pedro. El conjunto fue encargado a Masaccio y a Masolino de Panicale.  De la parte que correspondíó a Masaccio, la más famosa es El Tributo de la Moneda, que fragmenta en tres escenas yuxtapuestas:PIERO DELLA FRANCESCA (Arezzo, 1420-1492) Se educa en Florencia, a pocos kilómetros de su ciudad natal, donde entabla amistad con su paisano Giovanni Bacci. Su primera gran obra (1452-1460), precisamente, es la decoración de la capilla familiar de los Bacci en la basílica de San Francisco, en Arezzo. Desarrolla en ella la Historia de la Vera Cruz, en diez episodios extraídos de la Leyenda Dorada:
La Leyenda de la Vera Cruz cuenta la historia de la madera que se usó en la cruz de Cristo: o Comienza en el momento en que los hijos de Adán colocan bajo su lengua una ramita del Árbol de la Vida, proveniente del Paraíso Terrenal, con cuya madera se haría luego la cruz en que Jesús fue crucificado. O Este árbol fue talado por Salomón y su tronco utilizado en la construcción de un puente situado delante de su palacio. O Reconocido por la reina de Saba en un viaje, no quiso pisarlo sino que lo “adoró devotamente”. O Las siguientes escenas relatan el recorrido de la madera después de la resurrección de Cristo: Santa Elena descubríó la reliquia, los persas se la arrebataron pero fue recuperada por el emperador Heraclio que, con ella a cuestas y descalzo, la llevó a Jerusalén.Della Francesca es también un importante pintor de retratos. Hizo cuadros de varios príncipes y tiranos de los estados italianos: Segismundo Malatesta, de Rímini; Lionello d’Este, en Ferrara; Federico de Montefeltro y Battista Sforza, en Urbino. En Urbino, precisamente, redactará sus escritos sobre la perspectiva y entrará en contacto con la pintura flamenca, cuya técnica de las veladuras utilizará en su Virgen de Senigallia y en la famosísima Pala de Brera de Milán. Moría en la madrugada del 11 al 12 de Octubre de 1492, en el mismo momento en que la expedición de Colón llegaba al Nuevo Mundo.

SANDRO BOTICELLI (Florencia, 1447-1510)
La producción pictórica de Botticelli puede dividirse en dos etapas bien diferenciadas:
a) Hasta 1492, es un pintor desarrolla una obras de tema mitológico y contenido
moralizante, muy influido por el círculo neoplatónico4 de los Medici, que gobiernan la
ciudad.
Las obras principales de este periodo son tres: La Primavera, El nacimiento de
Venus y Palas domando al Centauro.
La Primavera es un horóscopo para celebrar las bodas de su propietario,
Lorenzo de Pierfrancesco, de la familia de los Medici.

El nacimiento de Venus:
o A la derecha, Céfiro abraza a la inocente ninfa Cloris.
o De su uníón, nace Flora, que ofrece una túnica a Venus.
o Según la mitología clásica, Venus nacíó de los testículos de Urano al
contacto con el mar, cuando fue castrado por Cronos. Ficino, un filósofo
neoplatónico de la época, interpretó el mito como el nacimiento de la
Belleza en la mente del hombre a través de la fertilización de la
divinidad.
Palas domando al Centauro:
o Se repite el modelo femenino de postura agraciada y bucles. Esta vez,
Palas Atenea representa la Sabiduría al haber nacido de la cabeza de
Júpiter (Zeus).
o Los anillos que decoran su vestido son el emblema de Lorenzo “el
Magnífico”. La obra se convierte así en una alegoría del conocimiento
político de Lorenzo Medici y de su buen gobierno sobre la ciudad de
Florencia.

Savonarola fue un fraile dominico que predicó contra el lujo y la opulencia que reinaba
en Florencia. Se enfrentó a los neoplatónicos a los que reprochó “la tontería de querer
comparar a Jesús con Pitágoras, con Platón, con Aristóteles o con cualquier otro
filósofo”. Y a los pintores y coleccionistas de cuadros, a los que acusa de de
escandalizar al pueblo (“Mostráis a la Virgen vestida como una alcahueta”, les dice). En
el momento de máxima influencia, llegó a convertir el carnaval en una fiesta
penitencial, donde los flagelantes sustituyeron a los coro; en 1497, montó una hoguera
piramidal de siete pisos, por los siete pecados capitales, en la que se queman cuadros
“impúdicos”. Los cuadros más representativos de este periodo son Los milagros de San
Cenobio y La natividad mística.El arte de Botticelli, que se convierte en seguidor del fraile, se vuelve dramático. Sus
últimas obras están dotadas de un fuerte sentido religioso.

Cúpula de Santa María del Fiore

Autor: Filippo di Ser Brunelleschi (Florencia 1377-1446). Cronología: 1420-1436. Tipología: arquitectura. Material: ladrillo, piedra y mármol. Medidas: 45,5 m (diámetro), 54 m (alto contando el tambor). Estilo: renacentista. Localización: Florencia.  Descripción formal A partir de un tambor octogonal, la cúpula se erige en ocho segmentos en for- ma de vela que se unen bor a parte superior confluyendo en la linterna, con la única decoración de ocho costillas de mármol en el exterior. La estructura se basa en la suberbosi-ción de dos cúpulas, una interna y una externa, que equilibran su tuerza mutuamente y que, a la vez, están abrazadas por una espira de obra en torma de espi na de pez, que es la columna vertebral de toda la estructura. Toda la cúpula está organizada a partir de la sección áurea, consiguIendo una armonía estructural bertecta que se amolda a los cánones renacentistas En 1466, Andrea del VERROCCHIO fundíó la bola de bronce que corona la linterna. 

Entorno e integración urbanística

La cúpula de BRUNELLESCHI es desde su inauguración en 1436 el elemento esencial y vertebrador del skyline florentino y la figura central de toda la ciudad, por sus dimensiones y perfil. La cúpula se integra en el conjunto monumental de la catedral, muy limitado urbanísticamente por el entorno urbano.

Función, contenido y significado

La cúpula realiza la función esencial de cobertura del crucero de la catedral y a la vez fue concebida como símbolo inequívoco del poder de la ciudad gobernada por los Medici en el Siglo XV. Por su complejo sistema constructivo es la obra arquitectónica más importante edificada desde la época Romana y la cúpula realizada en obra más grande del mundo.

MODELOS E INFLUENCIAS

La cúpula de BRUNELLESCHI tiene su modelo de inspiración en la cúpula del Panteón de Roma. Por otro lado, la cúpula de BRUNELLES-CHI fue fuente de inspiración de todas las cúpulas realizadas a posteriori, tanto en Florencia, como en toda Eu-ropa, pero sobre todo lo fue para Mi-GUEL Ángel, cuando este se planteó la construcción de la Cúpula de San Pedro del Vaticano.

Anunciación

Autor: Guido di Pietro da Mugello, tas-Ronca, lasshio di Mugelo, Cronología: 1425-1428. Técnica: oro y temple sobre tabla. Medidas: 194 x 194 cm. Estilo: renacentista. Tema: bíblico. Localización: Museo del Prado,. Descripción formal La Anunciación es a tabla centra de un retablo con episodios de la vida de la Vir-gen. Fue realizada para el convento de San Domenico de riesole. Cerca de ro- rencia, el convento dominicano donde FRA ANGELICO ejercía como monje y tenía establecido su taller. Esta tabla es la que contiene un nivel de detallismo mas alto. Sobre todo. E minucioso trabajo de las plantas y flores del Paraíso terrenal, representadas con sumo Naturalismo En esta obra, FRA ANGELICO, como heredero de la luz y el color de MASACCIO, se sitúa a la cabeza de la llamada pittura di luce, una corriente posterior a la muerte de MA-SACCIO que toma las premisas de su arte y las lleva al extremo. La luz irradia en la obra por todos lados y las figuras y sus rostros se forman a través de ella, algo totalmente innovador en la Florencia del momento. Por otra parte. La representación del marco arquitectónico sirve para aar pers-pectiva: un pórtico de marmo abierto  all’aperto- donde vemos a la Virgen y al arcángel San Gabriel. Se relaciona con las propuestas de MICHELOZZO y BRUNE-LLESCHI, este último autor del Hospital de los Inocentes. Temática Se representa el tema de la Anunciación tal como aparece narrado por San Lucas en su Evangelio. Iconográficamente la obra muestra una alusión al necado orí gInal y a la salvación del ser humano, a través de la anunciación a la Virgen y su concepción. Adán y Eva, a la izquierda, son expulsa-dos, por un ángel, del Paraíso, representado aquí como un gran jardín botánico -hortus conclusus-. Imagen que hace reterencia al pecado original de Eva y a la que se contrapone María (la nueva Eva) la única sin pecado concebida, que a su vez es el eje centra de la escena. Va que a través de su concepción se redimirá el pecado original El cuadro se completa con una predela en la que se narran cinco escenas de la vida de la Virgen: Nacimiento y Desposo-ríos, Visitación, Adoración de los Magos, Presentación en el templo y Tránsito MODELOS E INFLUENCIA El tema de la Anunciación a la Virgen es uno de los más recurrentes del arte renacentista y a través de él se puede estudiar toda la historia del arte desde el primer Renacimiento hasta el tardobarroco. Uno de los grandes hitos pictóricos dentro de esta iconogra-fía, realizada por el aun veinteanero Leonardo DA VINCI, nOS muestra la evolución pictórica del Siglo XV. La persbectiva matemática y el paisaje han irrumpido en la pintura, abríéndola al infinito