La humanización de la escultura: Así se configuro lo que se ha dado en llamar portada real, cuyos mejores ejemplos se hallan en las catedrales de chartres y Reims. En el interior de los templos la decoración escultórica solo esta presente en los relieves de los púlpitos y del coro. Se humanizan a través de diferentes recursos:A)la estilización y redondeo de las lineas. B)la elegancia de los movimientos.C)la captación de un cierto Naturalismo en los gestos y en la expresión de los rostros. D)una preocupación por la corporeidad y volumetría de los ropajes y los cuerpos. Se empieza a advertir un marcado sentido narrativo en la composición y en las figuras. En este contexto, ya en el Siglo XIII, poliferaron sustancialmente las esculturas exentas en las llamadas estatus-columna que decoraban las jambas y parteluz de las portadas catedralicas. La escultura se hizo totalmente autónoma en el Siglo XV, con la aparición de retablos históricos de carácter monumental y la proliferación de las imágenes de devoción exentas y los selpucros. Nuevas tipologias: escultóricas que utilizaron materiales como madera, piedra o alabastro, policromados y dorados, tuvieron mucha difusión en Flandes, Castilla y Cataluña.
Sainte-chapelle
ficha técnica: edificio: Sainte-Chapalle. Autor: atribuida Pierre de Montreuil. Cronología: 1242-1248. Tipología: Capilla. Material:Piedra y vidrieras. Estilo: Gótico. Localización: París. Comentario: Esta obra ejemplifica como pocas las dos grandes obsesiones que persigue el arquitecto gótico tales como la búsqueda de la luz y la elevación. En la sainte-Chapelle las novedades arquitectónicas introducidas por el gótico permiten prescindir del muro que es sustituido por grandes vidrieras confiriendo al conjunto un aspecto de enorme relicario como correspondería a su función de guardar algunas de las reliquias más importante de la pasión tales como la Corona de espinas o un fragmento de la cruz. Así mismo, los finísimos baquetones que trasladan los empujes verticales de las bóvedas, contribuyen a acentuar el sentido vertical del edificio. Análisis: Luis IX, rey piadoso, manda construir la santa Capilla dentro del recinto palaciego con una función doble, la de capilla del Palacio Real y la de recinto para albergar y venerar las reliquias de la Pasión traídas de tierra Santa. La Santa Capilla es uno de los templos más emblemáticos del gótico. Reúne las carácterísticas esenciales de este estilo: altura y luz. Es el edificio símbolo del gótico radiante. El templo reúne varias peculiaridades, tiene dos plantas, la inferior es la capilla destinada al pueblo, se divide en tres naves separadas por columnas que sujetan bóvedas de arista y a la vez sustenta la planta superior. La capilla superior tiene la función de relicario y capilla privada de la familia real. Es esta la que se construye de manera espectacular.El templo reúne varias peculiaridades, tiene dos plantas, la inferior es la capilla destinada al pueblo, se divide en tres naves separadas por columnas que sujetan bóvedas de arista y a la vez sustenta la planta superior. La capilla superior tiene la función de relicario y capilla privada de la familia real. Es esta la que se construye de manera espectacular.Matrimonio arnolfini: Descripción: esta obra data de 1434 y representa una pintura que a día de hoy se encuentra en el National Gallery de Londres. Su estado de conservación es impecable y su autor fue Jan van Eyck (Maaseyck, 1390-Brujas, 1441).Aspectos formales y técnicos: esta pintura se ha elaborado al óleo sobre tabla y pertenece al estilo Gótico flamenco. Ésta técnica pictórica se consigue mezclando los pigmentos con un aglutinante que suele ser de aceites vegetales. Se solía aplicar no solo a tabla sino también metal, madera, piedra o marfil. Los pigmentos se conseguían de plantas o pruductos naturales. Esta técnica dejaría paso a la pintura al fresco que en vez de aceites utilizaba el huevo.Análisis formal: considerada como la obra maestra de Van Eyck, sitúa a una pareja en una habitación. El espajo que hay en el fondo muestra el eje de simetría con el perro, la lámpara y el techo.Se confluyen en el espejo las líneas de fuga de la perspectiva, vistas gracias a las vigas del techo y las maderas del suelo, dan sensación de gran profundidad en el lienzo. Parar ver ésta tridimensionalidad en el espacio, el espejo refleja lo que no puede mostrarse en la obra y es la imagen que viene a corresponder con la realidad según el espectador. El espacio es rígido, teatral y poco espontáneo sin apenas movimiento. Predominio de la línea sobre el color , perfilándolos y haciendo que posean una solidez escultórica. Aunque ésto le permite plasmar la realidad hasta el más mínimo detalle, con una escrupulosidad microscópica ( este tipo de pintura se puede considerar ya dentro de la moderna ya que el detallismo la distigue de las anteriores como las del ROMánico) gracias al empleo del óleo aplicada con plumillas muy delgadas. La luz penetra con suavidez y gran Realismo, ilumina a la mujer y oscurece a la parte izquierda. Los colores dominantes son el marrón de la túnica del mercader, el verde del vestido de ella y el rojo de los muebles.Comentario: el tema de este lienzo es una escena costumbrista o de género. Representa un doble retrato de cuerpo entero de Giovanni Arnolfini (comerciante italiano que residía en brujas) y su esposa Giovanna Cenami ( hija de otro mercader del mismo origen). El historiador de arte Erwin Panofski ha establecido múltiples teorías sobre la obra y la entiende como un certificado conyugal en formato visual. Él coge la mano de ella y hace el voto nupcial levantando el antebrazo, y al presentarse descalzos reafirma el carácter sagrado de la ceremonia. Otros símbolos que tienen que ver con el matrimonio y están aquí presentes son El perro (fidelidad), la borla , la talla de Santa Margarita y el dragón como protectora de los partos en la parte superior de la cama (fecundidad), el espejo sin mancha y el rosario que cuelga al lado (pureza de la Virgen). Se representan las frutas del ” árbol del Bien y del Mal”, o sea, las frutas del árbol prohibido del que comieron Adán y Eva que se sitúan encima de la mesa y representan el pecado original que será redimido en el matrimonio. La firma del autor “Johannes van Eyck fuit hic” (Jan van Eyck estuvo allí) que está sobre el espejo, deja entrever que partcipó en el enlace como testigo. Esta obra podría compararse con Las Meninas de Velázquez ya que se asemejan el perro, la iluminación y el protagonismo de la mujer, además el autor también deja su marca en la obra, no firmándola sino apareciendo en ella.
Anunciación y visitación de la catedral de Reims: Tema y personajes: El tema de esta obra es religioso, en ella se muestra la Anunciación (a la izquierda) y la visitación (a la derecha).La primera, representa la historia bíblica de cuando el Ángel Gabriel se presenta a María y la anuncia que va a ser la madre de Jesús y la segunda representa la historia, también bíblica, de cuando la Virgen María, embarazada de Jesús, visita a Isabel, la cual esta a su vez embarazada de Juan Bautista.Ambas, transmiten un mensaje propagandístico de la importancia de la llegada del Mesías, además de transmitir la enseñanza de Dios y de buscar la obediencia a su mandato.
Tipología: Se trata de un grupo escultórico de bulto redondo adosado, que presenta una intención narrativa, ya que se puede seguir el relato bíblico Material: El material empleado es piedra tallada con una gran precisión en la elaboración del claroscuro, sobre todo en los ropajes de las figuras de la derecha, dotándolos de un gran movimiento y Realismo típicamente clásico y dando a la figura una superficie rugosa. Composición: La composición de este grupo es cerrada. Las figuras están dotadas de un pequeño contraposto como se puede apreciar en las esculturas de la izquierda. En la segunda escultura empezando por la izquierda, se aprecia claramente una evolución de la posición del cuerpo utilizando la clásica curva praxiteliana. Se utiliza para su composición la alternancia de líneas rectas como era típico en el periodo clásico, para dotar a la figura de cierta armónía y movimiento. Modelado: La luz resbala por toda la superficie pulida de la escultura, exceptuando en los ropajes que a través del uso del trepano crea una alternancia de claroscuros que dan a los ropajes una mayor profundidad y movimiento, especialmente notables en la figura de la derecha, ya que muestra una mayor armónía y elaboración en su creación. Color: Actualmente monócromo, pero cabe destacar que en su origen estaría totalmente policromado, resaltado aún más la expresión de sus rostros. Figuras: De canon alargado y belleza idealizada, se relacionan entre sí. Las figuras de la derecha evolucionan hacia el gótico clásico, y por lo tanto se preocupan no solamente por la trasmisión del mensaje, sino también de buscar la armónía y belleza en sus esculturas. Por este motivo nos encontramos unas esculturas idealizadas en el que se nos muestra un canon casi perfecto y con una posición que produce cierto dinamismo a través del uso del contraposto. En ellas destaca el trabajo de los paños, sumamente clásico (posiblemente conociera alguna escultura romana de la que tomó esta técnica), que producen un gran movimiento e incluso puede recordarnos a la sensualidad y al Realismo que producían los paños mojados de la clásica Victoria de Samotracia. Las figuras de la izquierda pertenecen a un momento algo posterior (y otros dos escultores) y, especialmente en el ángel, evoluciona hacia un fase manierista de canon más alargado y postura más incurvada, con un fuerte expresividad en el rostro. Comentario: Esta fachada se encuentra al oeste de la catedral de Reims y no se conoce el autor, aunque, seguramente fuese obra de diferentes talleres de escultores de la época.El gótico (a partir de la segunda mitad del Siglo XII) está caracterizado por ser una época de grandes cambios, en las que, aparece un nuevo grupo social denominado “burguésía” relacionados con la ciudad, ya que, enriquecidos por la artesanía y el comercio, desarrollan un arte urbano que tiene sus máximas realizaciones en ayuntamientos, catedrales, palacios y lonjas. Además, se produce una nueva sensibilidad religiosa, caracterizada por las nuevas órdenes mendicantes en las que a pesar de ser una sociedad teocéntrica (como el ROMánico anterior), está mucho más interesada en el hombre. Por otra parte, los Dominicos se encargan de construir universidades para estudiar filosofía aristotélica, y se nos muestra, que no hablamos solamente de fe, sino también de razón y números (ambas de gran importancia en este periodo). Los Franciscanos a su vez hablan del perdón y de la bondad, en contraposición con la mentalidad ROMánica, que hablaba del cuerpo como un pecado para el hombre, y que tenía que ser castigado, diciendo por lo tanto que tanto cuerpo como naturaleza divina son obras de Dios, en igual manera. Por otro lado, la llamada reforma cisterciense pretendía volver a la original regla de San Benito y acabar con todas las riquezas y lo ostentoso. Además, su apuesta por la luz, es una de las carácterísticas que más representa al gótico, frente a la oscuridad imperante ROMánica. En conclusión, la nueva mentalidad del Gótico habla de la religión más humanizada y positiva, en la que se ve a Dios como luz, y a la Iglesia como símbolo de la Jerusalén Celeste, es decir, ya no se busca que el fiel siga el mandato de Dios, a través de lo oscuro, lo tenebroso o la “amenaza” por no cumplir este mandato e ir en la otra vida a las crueldades infernales (como era en el ROMánico), sino que se intenta a través de la luz mostrar al ser humano un anticipo de lo celestial, para que de esta manera sea consciente de lo bueno que le espera en la otra vida. Esta evolución se produce lentamente como se puede observar comparan esta obra del periodo clásico con una anterior (Pórtico de la Gloria, protogótico) u otra posterior (Cartuja de Miraflores, gótico flamígero). Matrimonio arnolfini: Descripción: esta obra data de 1434 y representa una pintura que a día de hoy se encuentra en el National Gallery de Londres. Su estado de conservación es impecable y su autor fue Jan van Eyck (Maaseyck, 1390-Brujas, 1441).Aspectos formales y técnicos: esta pintura se ha elaborado al óleo sobre tabla y pertenece al estilo Gótico flamenco. Ésta técnica pictórica se consigue mezclando los pigmentos con un aglutinante que suele ser de aceites vegetales. Se solía aplicar no solo a tabla sino también metal, madera, piedra o marfil. Los pigmentos se conseguían de plantas o pruductos naturales. Esta técnica dejaría paso a la pintura al fresco que en vez de aceites utilizaba el huevo.Análisis formal: considerada como la obra maestra de Van Eyck, sitúa a una pareja en una habitación. El espajo que hay en el fondo muestra el eje de simetría con el perro, la lámpara y el techo.Se confluyen en el espejo las líneas de fuga de la perspectiva, vistas gracias a las vigas del techo y las maderas del suelo, dan sensación de gran profundidad en el lienzo. Parar ver ésta tridimensionalidad en el espacio, el espejo refleja lo que no puede mostrarse en la obra y es la imagen que viene a corresponder con la realidad según el espectador. El espacio es rígido, teatral y poco espontáneo sin apenas movimiento. Predominio de la línea sobre el color , perfilándolos y haciendo que posean una solidez escultórica. Aunque ésto le permite plasmar la realidad hasta el más mínimo detalle, con una escrupulosidad microscópica ( este tipo de pintura se puede considerar ya dentro de la moderna ya que el detallismo la distigue de las anteriores como las del ROMánico) gracias al empleo del óleo aplicada con plumillas muy delgadas. La luz penetra con suavidez y gran Realismo, ilumina a la mujer y oscurece a la parte izquierda. Los colores dominantes son el marrón de la túnica del mercader, el verde del vestido de ella y el rojo de los muebles.Comentario: el tema de este lienzo es una escena costumbrista o de género. Representa un doble retrato de cuerpo entero de Giovanni Arnolfini (comerciante italiano que residía en brujas) y su esposa Giovanna Cenami ( hija de otro mercader del mismo origen). El historiador de arte Erwin Panofski ha establecido múltiples teorías sobre la obra y la entiende como un certificado conyugal en formato visual. Él coge la mano de ella y hace el voto nupcial levantando el antebrazo, y al presentarse descalzos reafirma el carácter sagrado de la ceremonia. Otros símbolos que tienen que ver con el matrimonio y están aquí presentes son El perro (fidelidad), la borla , la talla de Santa Margarita y el dragón como protectora de los partos en la parte superior de la cama (fecundidad), el espejo sin mancha y el rosario que cuelga al lado (pureza de la Virgen). Se representan las frutas del ” árbol del Bien y del Mal”, o sea, las frutas del árbol prohibido del que comieron Adán y Eva que se sitúan encima de la mesa y representan el pecado original que será redimido en el matrimonio. La firma del autor “Johannes van Eyck fuit hic” (Jan van Eyck estuvo allí) que está sobre el espejo, deja entrever que partcipó en el enlace como testigo. Esta obra podría compararse con Las Meninas de Velázquez ya que se asemejan el perro, la iluminación y el protagonismo de la mujer, además el autor también deja su marca en la obra, no firmándola sino apareciendo en ella.
