La Escultura Griega

Las principales características de la escultura griega son:

• El hombre será el centro de la escultura griega (antropocentrismo).
• Belleza, expresión y movimiento definen los rasgos capitales de la escultura griega, aunque en este sentido se producirá una clara evolución a lo largo del tiempo hasta alcanzar la perfección en su consecución definitiva, pasando de la simplicidad arcaica al barroquismo helenístico, ganando en expresividad y dinamismo solo con el tiempo.
• Naturalismo idealizado más que realismo: se trata de crear tipos ideales, no de reproducir rasgos individuales.
• Además, los griegos aportan el principio esencial de que la escultura es un arte de volúmenes que requiere diferentes puntos de vista para ser contemplado.

Materiales utilizados: al principio en madera; luego sustituida por la piedra (mármol principalmente); también es muy utilizado el bronce (a la cera perdida); excepcionalmente crisoelefantinas (de marfil, oro y plata). Las esculturas generalmente estaban policromadas, salvo las obras realizadas en bronce.

Escultura Arcaica (Siglos VII y VI a.C.)

Encontramos esculturas anteriores al periodo arcaico, muy simples: pequeños exvotos y xoanas (esculturas talladas sobre el propio tronco del árbol).

Ya en época arcaica encontramos las primeras esculturas de gran formato realizadas en piedra, fundamentalmente dos tipos muy característicos: los kouroi o efebos (kouros en singular), figuras de atletas desnudos; y las korai o muchachas (kore en singular), figuras oferentes de mujeres vestidas. Estaban dedicadas a distintas divinidades y no eran retratos, sino estatuas votivas y conmemorativas idealizadas.

Las características principales de la escultura arcaica son:

• De cuerpo entero.
• Actitud hierática.
• Ley de la frontalidad.
• Modelado sencillo y de fuerte geometrización.
• Estatismo, ya que únicamente se desplaza un poco la pierna izquierda para sugerir el movimiento de andar, pero sin conseguir la sensación de desplazamiento.
• Otros convencionalismos, como los grandes ojos almendrados, la sonrisa arcaica o eginética (expresión facial mediante un gesto forzado y convencional), las largas cabelleras de elementos geométricos, etc.

Las Korai

Características:

• Vestidas: es más importante el estudio de los pliegues que el de la anatomía. Encontramos dos tipos fundamentalmente: con el peplo dórico (túnica gruesa sin pliegues) y con chitón jónico (de textura fina y con abundantes pliegues).
• Con los dos pies juntos.
• La mano libre sujeta el vestido o una ofrenda.
• Con sonrisa arcaica.

Son estatuas de carácter religioso, encontradas en los templos.

Ejemplos:

• Dama de Auxerre, derivada de las xoanas.
• Hera de Samos, todavía muy arcaica.
• Kore del Peplo y otras korai evolucionadas del siglo VI a.C., como las descritas más arriba.

Los Kouroi

Características del siglo VII a.C.:

• Con la pierna izquierda adelantada, pero sin sensación de movimiento, ya que las plantas de los dos pies están pegadas al suelo.
• Con los brazos caídos, pegados al cuerpo y los puños cerrados.
• Modelado sencillo (que evolucionará hacia formas cada vez más conseguidas), con fuerte geometrización (sobre todo en pelo y torso), y desproporciones entre las distintas partes del cuerpo.
• Con ojos almendrados y abultados.
• La boca siempre cerrada y con “sonrisa arcaica” (“sonrisa eginética”).

Ejemplos: Cleobis y Bitón.

Los kouroi del siglo VI a.C.:

• Evolucionan hacia formas más redondeadas, perfeccionándose el modelado anatómico.
• También es menor la geometrización de las formas.
• Se aprecian ya suaves movimientos.
• Aparecen nuevos elementos.

Ejemplos:

• El Moscóforo (joven portador de ternero como ofrenda).
• Jinete Rampin, con la cabeza ligeramente girada.
• El Kouros de Anavyssos y el Apolo de Piombino, kouroi con líneas más dulces.

Estelas Funerarias

Decoradas con relieves. Los hombres aparecen andando, en actitud pensativa. Las mujeres se representan siempre sentadas, con una paloma u observando sus objetos personales.

La Escultura Monumental (Aplicada a la Arquitectura)

• Los frisos: encontramos decoración escultórica en relieve en las metopas de los frisos dóricos y en los frisos corridos jónicos; en ocasiones también en frisos que decoran otros lugares de los templos u otros edificios.
• Los tímpanos de los frontones: es el lugar preferido, decorados generalmente con esculturas de bulto redondo. Aquí encontramos el problema de adaptar la escena a la forma triangular del tímpano, produciéndose una evolución en la búsqueda de soluciones.

Ejemplos:

• En el Templo de Artemisa en Corfú las figuras aparecen a distintos tamaños, recurriendo a animales para las esquinas (Medusa y felinos).
• En el Tesoro de los Sifnios en Delfos y en el Templo de Afaia en Egina y en el Templo de Zeus en Olimpia, que pertenecen a la fase de transición entre el arcaísmo y el clasicismo, encontramos ya nuevas soluciones que respetan la proporcionalidad de las figuras, que van variando de postura (de pie, inclinados, arrodillados, sentados, recostados, tumbados). Además, también encontramos un mayor dinamismo en las figuras. Esta será la línea a seguir a partir de ahora.

Escultura Clásica (Siglos V y IV a.C.)

En los siglos V y IV a.C. la escultura griega llega a su culminación, creando en esta época obras que han quedado como modelos de belleza y perfección plástica.

El Siglo V a.C.: La Etapa Clásica

En este siglo se produce un proceso febril de realizaciones para conmemorar la victoria frente a los persas y para reconstruir lo destruido.

El objetivo estético es plasmar la belleza ideal. Aunque es un arte naturalista, se tiende a la idealización; partiendo de la realidad se crean arquetipos. El verdadero protagonista es el cuerpo masculino desnudo, consiguiéndose en su realización un dominio total de la anatomía. Los temas más representados pertenecen al mundo mítico de los dioses y héroes, que son tratados con gran seriedad. Se pierde definitivamente el hieratismo, lográndose la movilidad de las figuras y captando gestos y actitudes. También se abandona la frontalidad; las esculturas tienen varios puntos de vista.

Durante los primeros cincuenta años del s. V a.C. encontramos una etapa de transición hacia esos objetivos, aún con restos de arcaísmo: el “estilo severo”. Vemos pasos hacia la perfección anatómica, mayor dinamismo, y las soluciones para adaptar la escultura a los tímpanos de los frontones.

Más ejemplos de este periodo son:

• Los frontones del Templo de Afaia en Egina y los frontones del Templo de Zeus en Olimpia (ya mencionados más arriba).
• Los relieves del Trono Ludovisi (Nacimiento de Afrodita).
• Bronces como Poseidón, los Guerreros de Riace o el Auriga de Delfos.

Critios: destaca de esta etapa este escultor, autor de los Tiranicidas y el Efebo Atleta, que supone el inicio de la época preclásica, gracias a lo novedoso de su postura, precedente del “contrapposto”: dobla una rodilla para apoyar todo el peso del cuerpo en una sola pierna, su anatomía es más realista, aunque el pelo sigue en la misma línea, corto; y la cabeza no está totalmente recta, sino un poco girada y ligeramente inclinada hacia abajo.

A partir de mediados del siglo V a.C. se inicia la “etapa clásica” propiamente dicha:

• Mirón: broncista, aunque las obras que se conservan son copias romanas en mármol, como en la mayoría de los casos que vamos a ver. Su obra más famosa es el Discóbolo.
• Policleto: también broncista. Publica el “Kanon”, obra en la que realiza un estudio de las medidas y proporciones del cuerpo humano.
• Fidias: unido a Pericles por la reconstrucción y ordenación monumental de la Acrópolis de Atenas, es el escultor de los dioses, el que mejor capta la esencia de la divinidad, autor de dos gigantescas esculturas crisoelefantinas (núcleo de madera con placas de oro y marfil): la Atenea Partenos.

Otras obras suyas:

• La Atenea Promaxos, en bronce, solo conocida por monedas, es la salvadora y guardiana de la ciudad, representada como guerrera. Tenía unos 15 metros de altura, estaba situada en la mitad de la Acrópolis.
• La Atenea Lemnia, su mejor obra, cuya cabeza se ha denominado como “la belleza” porque corresponde con el canon de belleza perfecta del siglo V a.C.
• La Amazona herida del concurso de Éfeso.

Las realizaciones de finales del siglo V a.C. se pueden clasificar dentro de una nueva etapa dentro de la evolución de la escultura en la etapa clásica, el denominado “estilo Partenón” o “estilo bello”.

• Kresilas destaca entre los escultores adscritos a este periodo: realizó un busto de Pericles, situado en la Acrópolis de Atenas, con casco corintio y muy idealizado. También conservamos su Amazona herida del concurso de Éfeso.
• Calímaco: sus obras continúan en la línea de la técnica de los paños mojados inaugurada por Fidias en el Partenón: la Afrodita de Frejus y el relieve de la Victoria atándose la sandalia del templo de Atenea Niké.

Otros ejemplos de la escultura de esta etapa:

• La Victoria de Peonio, que conmemoraba una victoria frente a los espartanos y recoge el momento en que la Victoria se posa en el suelo; la túnica se ajusta totalmente al cuerpo y se arremolina en la parte de atrás, siendo el antecedente de la Victoria de Samotracia.
• También destacan, de autores anónimos pero en la misma línea de los anteriores: la Nióbide herida, escultura femenina prácticamente desnuda que representa el momento en el que ha recibido una flecha en la espalda y está luchando por quitársela, destaca por el rostro, que ya refleja el sufrimiento; y la Hera Barberini.

El Siglo IV a.C.

Época de crisis de las ciudades-estado y de disgregación y transformación en lo social tras la Guerra del Peloponeso entre Esparta y Atenas y sus respectivos aliados. Atenas, a pesar de la crisis política, siguió manteniendo la supremacía artística en Grecia, gracias a una sociedad elegante y refinada, aunque en este contexto el artista trabaja no para el estado sino para particulares, pues la guerra ha dejado sin recursos las arcas del estado.

Se producen cambios respecto al siglo anterior:

• Dioses y atletas siguen siendo los protagonistas, pero ahora se representan los dioses más próximos al hombre y no los grandes del Olimpo, y los atletas en actitudes menos heroicas, más cotidianas.
• Las figuras se hacen más libres, menos majestuosas.
• El canon estético se estiliza.
• Se acentúa el naturalismo en gestos y actitudes; los rostros comienzan a reflejar el “pathos” (su expresión emocional y estado anímico).
• Inicia su aparición el desnudo femenino.

Escultores destacados:

• Praxíteles: es el escultor de la delicadeza, la elegancia y la belleza, de las superficies suaves. Acentúa la tradicional postura clásica inclinando aún más la cadera (“curva praxiteliana”), aunque continúa el quietismo de la composición. Obras suyas son el Hermes de Olimpia (uno de los pocos casos en que conservamos el original, representa a Hermes, el mensajero de los dioses, llevando a Dioniso niño durante un descanso en el camino), el Apolo Sauróctono (marca aún más la curva praxiteliana y el cuerpo es más joven), la Afrodita de Cnido (con la que se inicia el desnudo femenino, todavía con “timidez”, siente pudor y se cubre con las manos; será muy copiada, canon de belleza femenina); la Afrodita de Arles (desnuda pero con las piernas cubiertas por un manto, el desnudo integral no es aceptado inmediatamente).
• Scopas: escultor del “pathos”, de la pasión, reflejándose en las figuras el estado del alma.
• Lisipo: escultor arcaizante, admirador de Policleto, pero en él el naturalismo está más acentuado. Nuevo canon de belleza, más esbelto.

Entre las obras de otros escultores destacados de este siglo podemos citar las siguientes: Leda y el Cisne de Timoteo, la Artemisa de Versalles y el Apolo de Belvedere de Leocares y el Orante de Bedas.

Escultura Helenística (Desde el Siglo III a.C.)

El helenismo es la etapa de la crisis de la polis, al englobarse la constelación de ciudades-estado en una unidad política bajo el dominio macedónico.

En este nuevo mundo político, organizado por el genio de estadista de Alejandro Magno, no tienen sitio los ideales de armonía y medida de la Grecia clásica y son sustituidos por nuevos valores. La cultura griega se universaliza, admitiendo las aportaciones de los pueblos orientales con los que se funde, surgiendo así una cultura mixta, en la que se mezclan:

• La tradición clásica.
• El orientalismo (colosalismo y decorativismo).
• Una nueva concepción de la vida, no basada ya en elevados ideales sino en la búsqueda del goce de la misma.

Artísticamente partirá de las conquistas del siglo IV a.C., pero la escultura es más naturalista, incluso llegando al realismo más crudo en ocasiones. Se acentúan la expresividad de los rostros y las actitudes, se prefiere el desequilibrio de los cuerpos retorcidos a las serenas posturas fidíacas, el dramatismo de las expresiones a los rostros tranquilos, la fealdad de monstruos o seres amenazadores a la belleza clásica. Así mismo se enriquecen los puntos de vista, aumenta la monumentalidad y la variedad temática. En definitiva, se tiende a la barroquización de la escultura.

Ahora los escultores quedan más en el anonimato, ya que se trabaja por escuelas. Veamos algunos de los principales temas.