Glosario de Términos Artísticos del Renacimiento
- Antropocentrismo: Concepción filosófica que considera al ser humano como centro del universo y fin último de la creación.
Tipología: Filosofía y Arte.
Cronología: Cultura clásica y Renacimiento. - Casetones: Término arquitectónico que designa cada uno de los adornos huecos geométricos (cuadrados, rectangulares u octogonales) que se disponen de forma regular en un techo o en el interior de una bóveda.
Tipología: Arquitectura.
Cronología: Arte griego y romano, recuperado en el Renacimiento. - Ciudad ideal: Concepto urbanístico y filosófico renacentista que buscaba concretar las características que debía reunir una ciudad para el perfecto desarrollo del ser humano, atendiendo a su bienestar físico y necesidades sociales, basada en la armonía, la proporción y la perspectiva.
Tipología: Urbanismo, Arquitectura, Filosofía.
Cronología: Quattrocento. - Claroscuro: Técnica pictórica que utiliza fuertes contrastes entre luces y sombras para destacar elementos, crear profundidad y añadir dramatismo a la obra.
Tipología: Pintura.
Cronología: Cinquecento (desarrollado plenamente en el Barroco). - Contrapposto: Término italiano que designa la oposición armónica de las distintas partes del cuerpo humano, especialmente cuando algunas se hallan en tensión y otras relajadas. Rompe la ley de la frontalidad y dota de movimiento natural a la figura.
Tipología: Escultura, Pintura.
Cronología: Antigüedad clásica, recuperado en el Renacimiento. - Escorzo: Recurso del dibujo y la pintura que consiste en representar una figura situada de forma oblicua o perpendicular al plano del soporte, acortando sus líneas según las reglas de la perspectiva para lograr la ilusión de profundidad.
Tipología: Pintura, Dibujo.
Cronología: Quattrocento. - Linterna: Elemento arquitectónico que remata una cúpula. Es una estructura a modo de torre, generalmente con aberturas, que permite el ingreso de luz al interior del edificio y acentúa la verticalidad.
Tipología: Arquitectura.
Cronología: Quattrocento. - Neoplatonismo: Corriente filosófica que reinterpreta las ideas de Platón, integrando elementos de otras tradiciones. Influyó en el Renacimiento al proporcionar un marco intelectual para conciliar la filosofía clásica con el cristianismo y valorar la belleza como reflejo de la divinidad.
Tipología: Filosofía, Escuelas de pensamiento.
Cronología: Helenismo tardío, influyente en el Renacimiento. - Pechinas: Cada uno de los cuatro elementos estructurales y constructivos de forma triangular curvilínea que permiten pasar de una planta cuadrada (bajo la cúpula) a la base circular de esta.
Tipología: Arquitectura.
Cronología: Arquitectura bizantina (siglo VI), usadas ampliamente en el Renacimiento. - Pentimento: Término italiano (literalmente, ‘arrepentimiento’) que se refiere a la alteración visible en una pintura que evidencia un cambio de idea por parte del artista sobre algo que ya estaba pintado. Se percibe como un trazo o forma subyacente.
Tipología: Pintura.
Cronología: Detectable en obras de diversas épocas, incluido el Trecento (siglo XIV) en adelante. - Perspectiva aérea (o atmosférica): Técnica pictórica que simula la profundidad y la lejanía mediante la gradación de tonos (los objetos lejanos se difuminan y azulan) y el uso del sfumato, creando una atmósfera verosímil.
Tipología: Pintura.
Cronología: Desarrollada en el siglo XV, notable en Leonardo da Vinci. - Plateresco: Estilo arquitectónico y decorativo exclusivo de España, desarrollado entre finales del siglo XV y principios del XVI. Se caracteriza por una ornamentación muy detallada y abundante, inspirada en la labor de los plateros, aplicada sobre estructuras góticas o renacentistas.
Tipología: Arquitectura, Decoración.
Cronología: Finales del siglo XV – siglo XVI, España. - Serpentinata (Figura): Estilo de representación de la figura humana, característico del Manierismo (siglo XVI), que acentúa su movimiento helicoidal o giratorio, a menudo en forma de ‘S’, dotándola de gran dinamismo y elegancia artificial.
Tipología: Escultura, Pintura.
Cronología: Manierismo, siglo XVI. - Sfumato: Técnica pictórica, atribuida principalmente a Leonardo da Vinci, que consiste en difuminar suavemente los contornos de las figuras mediante la superposición de capas muy finas de pintura, creando un efecto vaporoso y una transición suave entre luces y sombras.
Tipología: Pintura.
Cronología: Cinquecento, siglo XVI. - Tassel: Pieza de tejido rígido, a menudo decorada, usada en la vestimenta femenina del Trecento para cubrir el pecho, generalmente con forma de triángulo invertido, extendiéndose desde el pecho hasta la cintura.
Tipología: Moda, Vestimenta.
Cronología: Trecento. - Terribilità: Término italiano utilizado para describir la fuerza expresiva, la tensión contenida y la grandeza sublime presentes en algunas obras de Miguel Ángel, manifestada en la mirada intensa de sus figuras, la musculatura poderosa y proporciones que enfatizan la fortaleza física y espiritual.
Tipología: Escultura, Pintura (aplicado al estilo de Miguel Ángel).
Cronología: Cinquecento. - Veladura: Técnica pictórica que consiste en aplicar capas muy finas y transparentes de pintura sobre otras capas ya secas. Permite que el color inferior se transparente, modificando sutilmente el tono y logrando efectos de profundidad, brillo y suavidad cromática.
Tipología: Pintura.
Cronología: Usada desde antes, pero perfeccionada en el Renacimiento (Cinquecento, siglo XVI). - Voluptuosidad: Cualidad de una obra de arte que evoca o produce placer sensual o deleite en los sentidos, a menudo a través de la representación de formas curvas, texturas sugerentes o temas placenteros.
Tipología: Pintura, Escultura.
Cronología: Presente en diversas épocas, notable en el Cinquecento.
El David de Donatello: Símbolo del Primer Renacimiento
Ficha Técnica
- Autor: Donatello.
- Cronología: hacia 1440.
- Tipología: Escultura exenta de bulto redondo.
- Material: Bronce fundido y pulido (técnica de la cera perdida).
- Dimensiones: 158 cm de altura.
- Estilo: Renacentista (Primer Renacimiento o Quattrocento).
- Tema: Religioso (Antiguo Testamento).
- Localización: Museo Nazionale del Bargello, Florencia, Italia.
Descripción Formal
Observamos una escultura de bulto redondo que representa al joven David de cuerpo entero, inmediatamente después de haber derrotado al gigante Goliat. David ha cortado la cabeza del gigante con la propia espada de este, la cual sostiene con firmeza en su mano derecha. Con el pie izquierdo, pisa la cabeza decapitada de Goliat, que yace a sus pies con un yelmo elaborado. Se aprecia un notable contraste entre la serena y casi melancólica expresión del rostro de David y el gesto inerte y vencido de Goliat.
David viste únicamente unas botas y un sombrero de paja de estilo petaso, típico de los pastores de la Toscana, adornado con una corona de hojas de amaranto (símbolo de la inmortalidad). Su cuerpo adolescente, representado desnudo, muestra una anatomía delicada y sinuosa. La figura adopta un claro contrapposto: la pierna derecha soporta el peso del cuerpo y está tensa, mientras que la izquierda se flexiona relajadamente sobre la cabeza de Goliat. El brazo derecho está en tensión al sostener la pesada espada, mientras que el izquierdo descansa relajado sobre la cadera, sosteniendo la piedra con la que hirió al gigante y creando un vacío expresivo. Esta postura dota a la figura de un elegante movimiento y rompe con la rigidez medieval.
El tratamiento del bronce mediante la técnica de la cera perdida es exquisito, presentando superficies lisas y suaves en el cuerpo de David, que contrastan con la textura más rugosa y detallada de la cabeza y el yelmo de Goliat. La luz incide sobre el bronce pulido, creando brillos que realzan las formas y volúmenes.
Análisis e Interpretación
Esta obra es fundamental por ser considerada el primer desnudo masculino exento en bronce fundido desde la Antigüedad clásica, marcando un hito en la recuperación de los ideales clásicos durante el Renacimiento. El desnudo refleja la nueva mentalidad humanista, que exalta la dignidad del ser humano y la belleza del cuerpo como creación divina, recuperando el antropocentrismo clásico.
La escultura está cargada de simbolismo. Por un lado, representa el triunfo bíblico de la inteligencia y la fe sobre la fuerza bruta. Por otro, se interpreta como una alegoría política del triunfo de la República de Florencia (representada por el joven y astuto David con su sombrero toscano) sobre sus enemigos, como el Ducado de Milán (simbolizado por el derrotado Goliat). También puede simbolizar el triunfo de Cristo sobre el pecado y la muerte.
La importancia de los vacíos (entre las piernas, bajo el brazo izquierdo) y el juego de luces y sombras sobre la superficie bruñida son elementos compositivos clave. La anatomía, aunque idealizada, no responde al canon del atleta griego, sino a un cuerpo más adolescente y grácil, con una sensualidad que ha generado diversas interpretaciones. Donatello se inspira claramente en la estatuaria clásica, especialmente en obras de Praxíteles, por el tratamiento anatómico de calidad táctil suave y blanda, y por el uso del contrapposto que genera una curva praxiteliana (una suave ‘S’).
Con el David, Donatello rompió con casi mil años de tradición artística medieval, donde la escultura monumental exenta había perdido protagonismo, devolviéndole su independencia y prestigio como forma artística autónoma y vehículo de los nuevos ideales renacentistas.