Características Generales

Música Religiosa Barroca. En el siglo XVII coexisten dos estilos de música religiosa: *stile antico* o *prima prattica* (estilo renacentista) que cuenta con una polifonía a capella, fue vigente hasta mediados del siglo y su representante es Palestrina. Y por otro lado, *stile concertato* o *seconda prattica* (estilo moderno), influenciado por la ópera e incorpora oberturas, arias, recitativos e instrumentos. Además, se realiza otra diferenciación en la música religiosa. Por un lado, la música litúrgica destinada al culto (como la cantata alemana) y por otro lado, la música no litúrgica no destinada al culto, como por ejemplo el oratorio basado en motivos religiosos. Durante el siglo XVII, la música religiosa presenta una decadencia y pasa a ocupar un segundo plano.

Formas Instrumentales Barrocas

La fuga se caracteriza por su composición polifónica en un solo movimiento. Tiene una estructura rígida con dos secciones: exposición que enuncia un tema (sujeto) que es seguido por la entrada sucesiva de diferentes voces alternando respuesta (transposición a la tonalidad dominante) – sujeto. Aparece un segundo material temático: contrasujeto. Por otro lado, los episodios son la sección de menos densidad contrapuntística que sirve como transición hacia la siguiente exposición. Destaca El clave bien temperado de El arte de la fuga, Bach.

La suite es una combinación de danzas de diferentes características y orígenes. Se compone por cuatro danzas: Alemanda (moderada, con ritmo binario y alemana); la Courante (rápida, con ritmo ternario e italiana); la zarabanda (lenta, con ritmo ternario y española) y la Giga (rápida, con ritmo compuesto e inglesa). Todas ellas presentan una unidad tonal y cambio de tiempos y metros que aportan mayor variedad.

La sonata es una obra instrumental derivada de composiciones vocales. Dentro de los tipos de sonata están la sonata a trio y la sonata a solo (ambas con bajo continuo). Su estructura consta de cuatro movimientos: lento, rápido, lento, rápido. Tienen dos destinos: los salones (música ligera) y la iglesia (música más austera).

El concierto es la obra que une voces instrumentales de diferentes timbres. Tal y como lo conocemos hoy, aparece a finales del siglo XVII. Se caracteriza por la confrontación del grupo orquestal (*tutti*) e instrumento solista (concierto solístico) o pequeño grupo de solistas (concierto Grosso), la oposición de timbres, y cambios en la tonalidad. Tiene dos subtipos: el concierto de cámara y el concierto de iglesia.

También aparecen formas libres que no tienen estructura fija (a diferencia de las formas anteriores) son más flexibles y abiertas. Existen formas de variación (la chacona, Pasacaglia, bajo ostinato), y otras formas (preludio, fuga, tocata, fantasía, coral)

La Música Instrumental Barroca adquiere la misma importancia que la música vocal (se interpreta en palacios, casas de nobles y acompaña voces en teatros e iglesias). Los solos instrumentales se incluyen en las interpretaciones. Se desarrollan nuevas formas instrumentales como la sonata a trío, la sonata a solo, concerti Grossi y la fuga. Además de conservarse otras renacentistas. Se utilizan timbres y voz baja (no depende del capricho del intérprete, sino de la intención de provocar emociones en el oyente). El bajo continuo es el elemento clave donde la voz baja es duplicada por varios instrumentos.

Definiciones Música Religiosa Barroca

Oratorio: En Italia la música religiosa es compuesta por los mismos autores de música operística: Monteverdi y A. Scarlatti. El oratorio es el acontecimiento más importante de la música religiosa del siglo XVII. Es la musicalización de un texto religioso usando los medios propios de la ópera, sin escenografía ni acción. Su estructura consta de una obertura, un narrador, voces solistas que interpretan arias y recitativos, coros, y una orquesta. El primer oratorio fue Representación del alma y cuerpo de Emilio Cavalieri, similar en técnica musical a la primera ópera conservada. Existen dos tipos de oratorios: el latino, con textos bíblicos en latín y destinada a la iglesia; y el vulgar, con textos en italiano, son educativos y morales y cercanos al ambiente popular. Carissimi es un compositor clave que fija la forma del oratorio, como se observa en dos de sus obras más famosas: Jefté y El juicio de Salomón y Baltasar. Cantata: formas más importantes de la música religiosa alemana es un “oratorio en miniatura”. Alterna arias y recitativos con acompañamiento de bajo continuo. Más tarde incluye coros e intermedios orquestales Pasión: La pasión evoluciona desde su origen (misa del Viernes Santo en el siglo XII) hasta transformaciones como su interpretación en estilo motete (S. XV), el uso del recitativo (S. XVII) o la incorporación de corales protestantes durante el relato evangélico Motete: creación típica francesa. Es el acompañamiento orquestal para solistas y un gran coro que interactúan culminando en un gran coro final pomposo. Los compositores más destacados son Campra, Charpentier, y Lalande

Obra Religiosa H. Schütz y J. S. Bach

H. Schütz fue la figura clave en la música religiosa alemana antes de llegar Bach. Johann Sebastian Bach adopta los procedimientos operísticos italianos a la música alemana. Utiliza el recitativo y el aria para la narración y la expresión emocional. El estilo de su obra religiosa se caracterizaba por la combinación de arias, recitativos, coros con acompañamiento orquestal y corales luteranos. Realizó pasiones y cantatas ejecutadas en el culto luterano y durante la semana Santa.

Música Religiosa España. En la segunda mitad del siglo XVII, España adopta influencias de las nuevas corrientes italianas: declive de la música polifónica, solos acompañados instrumentalmente y estilo concertante. El villancico es la forma musical clave en España. Es similar a la cantata extranjera con solistas, coros e instrumentos. Entre los compositores más destacados se encuentran Francisco Valls (generó controversia por las disonancias de su misa Scala Aretina), A. Literes, y Antonio Rodríguez de Hita.

Partes de la Ópera

La ópera surge a finales del siglo XVI en Florencia. La música se convierte en una parte esencial de la obra teatral (no un accesorio) con una de las primeras óperas: Eurídice de Jacob Peri. Este nuevo género se expande ya que las distintas naciones europeas la adaptan a sus características culturales dándose así variantes como: el singspiel en Alemania, la ópera balada en Inglaterra, la ópera francesa, o la Zarzuela en España. Tiene diferentes partes: la obertura es independiente del drama (no guarda relación con la obra y puede interpretarse en concierto). El libreto está basado en literatura con inspiración de autores greco latinos, mitología, conflictos amorosos entre parejas, y tramas secundarias. En su estructura se observan recitativos secos (partes narrativas con voz y clavecín en donde avanza la acción) y arias (momentos de expresión musical, lucimiento vocal y estructura repetitiva). El aria da capo (ABA’) es la forma predominante de la ópera seria del siglo XVIII. Se caracteriza por la repetición adornada de la primera sección A’. El Bel canto es el gran desarrollo de la técnica vocal, aunque cuenta con aspectos negativos por los frecuentes abusos de los Castrati quienes practicaban el pasticcio (robo de arias de una ópera para introducirlas en otra). La orquesta jugaba un papel secundario excepto en la obertura. Acompañaba recitativos con bajo continuo salvo en momentos clave donde se añade más instrumentación.

Italia

A finales del siglo XVI, la Camerata Florentina busca revivir la tragedia griega, asumiendo que debía ser cantada. En 1600, Jacobo Peri estrena Eurídice, considerada la primera ópera, representada en el palacio Pitti para el matrimonio de María de Médicis y Enrique IV. El estilo florentino se caracteriza por una música al servicio del texto, el rechazo de la polifonía, la alternancia entre arias (melódicas) y recitativos (declamación no melódica), el uso del bajo continuo y los libretos inspirados en la mitología griega.

La ópera se desarrolla en varias ciudades italianas Roma (surge la ópera bufa, que mezcla escenas cómicas con ópera seria). Venecia: centro musical europeo, donde Claudio Monteverdi consolida la ópera con obras como El retorno de Ulises. Nápoles: Alessandro Scarlatti eleva la ópera seria a un género sofisticado con convenciones estrictas.

Francia

Inicialmente se resiste a la ópera italiana (preferencia a otras artes de música escénica como el ballet de corte). La primera ópera francesa conservada es Pomona, Cabrera y Perrin (1671). J.B. Lully es un músico italiano que adaptó la ópera al gusto francés y creó el género tragedia lírica. Este nuevo género destacaba la claridad del texto. Su estructura constaba de una obertura, un prólogo y cinco actos. El género se basaba en libretos de Quinault compuestos sobre tragedias de Corneille y Racine. Tenían arias con música al servicio de la expresión emocional. Las danzas y los coros eran elementos esenciales a diferencia del modelo italiano que priorizaba el lucimiento vocal. La muerte de Lully provocó tensiones entre los defensores de la ópera italiana y los defensores de la ópera francesa también llamados lullystas. Dichas tensiones continuaron en el siglo XVIII con Rameau y la “querella de los bufones”. Rameau es el principal representante de la ópera francesa de la primera mitad del siglo XVIII. Sigue la estructura de Lully con mayor riqueza armónica, mejor uso instrumental y elementos italianos como el aria da capo. Su estilo fue criticado por los Lullystas (demasiado audaz) y por los Italianistas (demasiado racional).

Inglaterra

Las mascaradas son el precedente de la ópera inglesa. Es una forma dramática aristocrática similar al ballet de la corte francesa. En ellas, se combinan partes habladas, cantadas y danzadas. Sin embargo, la ópera inglesa nacerá junto con la figura de Henry Purcell, que fusiona las influencias francesas e italianas con las características inglesas (Dido y Eneas). Se observa la decadencia del estilo, ya que tras la muerte de Purcell, varios músicos italianos como Haendel dominan la ópera e imponen el italiano como idioma principal. Haendel combina influencias alemanas, italianas e inglesas, superando los convencionalismos de la ópera seria napolitana. La ópera balada surge a mediados del siglo XVIII. Es una parodia de la gran ópera con personajes de clases bajas. El ejemplo más famoso es La ópera del mendigo de Pepusch. Tras su éxito se arruinan muchas compañías italianas de Haendel.

España

La primera ópera en España es La selva sin amor que junta textos del Lope de Vega con música de Piccinini. Otra ópera de las más destacadas es Celos aún del aire matan. La Zarzuela surge en España en el siglo XVII influenciada por la ópera italiana. Es una obra teatral cómica en castellano con escenas habladas y cantadas, dirigida hacia la aristocracia y representada en palacios reales. Su temática es amorosa, con personajes mitológicos y populares. Utiliza ritmos y melodías españolas, arias, dúos y coros. Presenta elementos populares como canciones, bailes y lenguaje sencillo. Los compositores más destacados juntan textos de Calderón y Lope de Vega, así como Juan Hidalgo, Antonio Literes o Sebastián Durón.

Instrumentos Barrocos

Clavecín (usado para el bajo continuo en música de cámara y poco a poco también como solista) Piano, inventado por Cristofori en 1709, cuando reemplaza los cañones de plumas del clave por macillos en un instrumento que llama “gravicembalo col piano e forte” que permite hacer piano y fuerte (a diferencia del clavecín). Este fue perfeccionado por Silberman, entre otros. Su uso se generalizó a finales del siglo XVIII Órgano (instrumento inseparable de la música eclesiástica) Violín (mejorado por luthiers italianos, como Amati o Stradivari, convirtiéndose en esencial para la orquesta barroca). La orquesta barroca solía ser pequeña (unos 20 músicos) y formada principalmente por cuerdas, clavecín, instrumentos de viento y madera. Los instrumentos de viento fueron mejorados al añadir diversas llaves. El uso de trompeta y trompas naturales con tubos de recambios se generalizó en la orquesta desde Vivaldi.

Danza Barroca. Durante el Reinado de Luis XIII

Francia reemplaza a Italia en la primacía de la danza del siglo XVII (Italia se enfocó más en el desarrollo de la ópera). La danza se convierte en parte esencial de la educación aristocrática en Francia (al mismo nivel que la esgrima y la equitación). Durante el reinado de Luis XIII (1610 – 1643) la danza más desarrollada fue el Minué. Aunque también se desarrollaron otras como la bourrée, la courante, la chacona, la giga, el paspié, y el pasacalle. Los ballets de corte (finales del siglo XVI) aparecieron para celebrar eventos importantes de la corte (bodas, nacimientos, homenajes…). Se bailaban en los grandes salones con el público alrededor para obtener visión desde todos los ángulos. Se introduce un escenario elevado y reducido que cambia la percepción del espectáculo (visto de frente y desde abajo). Se modifica la coreografía y la forma de representación de la danza. La reducción del escenario limita los movimientos horizontales. La danza es más vertical y aérea (más saltos). Nacen los bailarines profesionales ya que debido a la complejidad de la danza no cualquiera puede ejecutarla. Además, hay innovaciones en la escenografía, mejoras de la arquitectura teatral (telón, plataformas giratorias, efectos especiales…). El vestuario tiene una función expresiva. El traje es la caracterización del personaje, ya que son espectáculos sin palabras. Su diseño es creativo e incorporan accesorios y adornos (son trajes simbólicos). Además el vestuario influye en la técnica: los hombres llevan tonelete (pantalones cortos) que permitían hacer movimientos más espectaculares y las mujeres llevaban vestidos pesados y zapatos de tacón alto por los que sus movimientos eran más limitados.

Danza Barroca Durante el Reinado de Luis XIV (1643 – 1715)

Se observa el declive del ballet de la corte. Se incluye un prólogo y un epílogo, mayor coherencia dramática, uso de máscaras y esplendor visual. El ballet se vincula a una función política: refuerza la autoridad absoluta del monarca y proyecta a Francia como potencia dominante. El rey Luis XIV tenía talento para la danza. Esto fue clave en el desarrollo del ballet, ya que fundó la Academia Real de la danza y la Academia Real de la música.

La academia Real de la danza buscaba restaurar la danza; analizar, codificar y normalizar los pasos de danza, aprobar nuevas danzas, difundir normas y formar bailarines profesionales. Fue clave en el desarrollo del ballet, aunque con el tiempo se enfoca más en la formación de bailarines. Marcó el inicio de una danza ejecutada solo por expertos (profesionalización de la danza).

La Academia Real de la Música buscaba impulsar la creación de óperas. Desde el inicio, contó con un cuerpo de ballet permanente. La primera compañía institucional fue la primera en ofrecer empleo y salario fijo a los bailarines. En esta academia se forman las cuatro primeras bailarinas profesionales de la historia.

Además, se integra el ballet en la ópera italiana. Primero como intermedio y luego como parte de la acción dramática. Surgen nuevos géneros que combinan danza y teatro: comedia ballet (creada por Molière. Combina comedia con intermedios cantados y bailados); tragicomedia ballet (género intermedio entre la comedia ballet y la tragedia lírica); ópera francesa o tragedia ballet (creada por J. B. Lully. Fusiona la tragedia y la danza en la ópera francesa desde 1672); y por último, la ópera ballet (evolución de la tragedia ballet en la que la danza no solo adorna la obra, sino que tiene un papel narrativo clave).

Formas Musicales Clasicismo

La sonata es la composición para uno o varios instrumentos solistas (diferente a la forma sonata: estructura musical típica del clasicismo para organizar el material temático dentro de un movimiento). La sonata busca el equilibrio, la simetría y la proporción. Se estructura en cuatro movimientos: El primer movimiento tiene forma sonata y estructura tripartita (tres partes): exposición-desarrollo-reexposición. El segundo movimiento tiene un tempo lento, el compositor decide la forma a usar (tema con variaciones, lied…). El tercer movimiento es un minueto, forma tripartita de tempo rápido y compás ternario. Además, tiene tres partes: exposición, trío y reexposición. Por último, el cuarto movimiento tiene un tempo rápido sin forma definida.

La sinfonía es la gran sonata para orquesta. Consta de cuatro movimientos y es más compleja. En el barroco tardío nace la orquesta moderna. Su número de componentes fue aumentando de 20 miembros a 50 – 60. La sinfonía clásica es la forma orquestal predilecta nace por evolución de la obertura operística de finales del barroco a la que se aplicó la estructura de la sonata clasicista. La obertura en Nápoles constaba de tres movimientos y se le añade uno cuarto: el minueto. Las tres ciudades más importantes como centro de actividad sinfónica fueron Berlín, Manhein y Viena (gracias a que las cortes y los príncipes invertían en compositores). El surgimiento de la famosa orquesta alemana de Mannhein se dió con el compositor Stamitz (innovó y organizó la orquesta clásica mediante la incorporación de instrumentos como trompas o clarinetes). Los compositores que culminan la sinfonía clásica son J. Haydn y W. A. Mozart (pertenecientes a la Escuela de Viena).

El concierto es la composición para solista acompañado por una orquesta. Parte del concierto solista barroco. Es una forma similar a la sonata clásica pero con tres diferencias: en el primer movimiento hay una doble exposición, la primera a cargo de la orquesta y la segunda interpretada por el solista acompañado de la orquesta; En la coda hay una cadencia, el solista resume con virtud el material temático precedente; tiene tres movimientos en vez de cuatro (sigue la estructura rápido, lento, rápido de Vivaldi).

La música de Cámara suele ser en forma de cuarteto de cuerda (dos violines, una viola, un violonchelo). Tienen cuatro movimientos. El cuarteto clásico aplica la estructura de la sonata a la música para el cuarteto de cuerda. Esta nueva forma es fijada por Haydn, antes no se diferenciaban claramente las voces del cuarteto.

Escuela de Viena

Haydn es considerado el padre de la sinfonía y del cuarteto de cuerda, además de una figura clave. Su estilo es equilibrado e innovador en la sinfonía y en el cuarteto de cámara. Además, influencia en sus contemporáneos y en Beethoven. Produjo 106 sinfonías, más de 60 cuartetos de cuerda, más de 20 conciertos, oratorios, misas y obras de cámara. Entre sus obras más importantes destacan sinfonía No. 94 “sorpresa”; sinfonía No. 101 “El reloj”; cuartetos de cuerdas Op.33 “cuartetos de los movimientos”; la creación (oratorio) y misa en do mayor.

Mozart fue un prodigio musical desde temprana edad. Murió joven (menor producción musical). Su música es conocida por su belleza melódica, su estructura compleja y su profundidad emocional. Marca un paso crucial en la evolución al clasicismo. Su producción consta de 41 sinfonías, 27 conciertos para piano, 22 óperas, obras de cámara y música sacra. Sus obras más importantes son sinfonía No. 40 en Sol menor, K. 550; la flauta mágica (ópera); réquiem en Re menor K. 626; concierto para piano número 21 en do Mayor K 467; y Don Giovanni (ópera).

Beethoven fue un puente entre el clasicismo y el romanticismo. Transforma la música occidental con su enfoque innovador. Sus sinfonías y sonatas ampliaron las formas tradicionales con mayor expresividad y complejidad. Su música sigue siendo un referente central en la historia de la música clásica. Su producción consta de 9 sinfonías, 32 sonatas para piano, 5 conciertos para piano, 16 cuartetos de cuerda, obras de cámara y corales. Sus obras más importantes son Sinfonía No. 5 en do menor Op. 67; sinfonía No. 9 en re menor Op. 125 “coral”; sonata para piano No. 14 en do sostenido menor Op. 27 No. 2 “claro de Luna”; concierto para piano No. 5 en mi bemol mayor Op. 73 “emperador”; y misa solemnis en re Mayor Op. 123

Ópera Seria – Bufa

La reforma de Gluck poner de acuerdo la ópera con los ideales de la ilustración. Gluck es un compositor alemán que revoluciona la ópera seria. Las características de su reforma fueron menos ornamentaciones en la melodía; argumentos sencillos y creíbles; recitativos orquestados con acompañamiento instrumental; transición aria – recitativo más natural, no tan contrastante; la música es el apoyo directo de la acción dramática, no para lucir las habilidades vocales. Algunos cambios que introdujo fueron las simplificación de recitativos, es decir, la eliminación de las ornamentaciones en recitativos y arias para centrarse más en el drama; la reaparición de los coros; y menor protagonismo de los Castrati para dar un enfoque más natural, no tanto al virtuosismo vocal de los personajes. Su obra clave fue Orfeo y Eurídice.

Danza Clasicismo

La danza del clasicismo busca la simetría, el orden, la limpieza y la elegancia. Se va haciendo más compleja cada vez. A lo largo del siglo XVIII surgen dos movimientos: la danza narrativa, da mayor énfasis en el contenido, es decir, lo que se cuenta (escuela francesa). Y por otro lado, la danza formal. Esta le da mayor importancia a la técnica y la forma (escuela italiana). Además, surge una nueva modalidad: el ballet de acción. Surge principalmente en Francia, pero se extiende por toda Europa. Es un espectáculo coreográfico narrativo donde la trama se desarrolla a través de la danza sin intervención de la palabra. Es una expresión puramente gestual y los bailarines son considerados actores.