Arte y Ecología: Corrientes y Artistas Destacados

Arte y Ecología: Una Relación en Evolución

Desde la revolución cultural de Mayo del 68, y especialmente durante las últimas décadas, se han desarrollado muchas propuestas relacionadas con la naturaleza y el medio ambiente. Algunas desde un punto de vista estético y formal, interviniendo en el paisaje y utilizando las posibilidades que ofrecen los espacios abiertos, y otras desde un punto de vista político, militante, con puntos de partida ecologistas y de protesta. Entre los primeros tenemos el Arte ambiental (Environmental Art) o Land Art, que también recibe el nombre de Earth Art, y entre los segundos tenemos el llamado Arte Ecológico o Eco Art, desarrollado desde una gran multitud de puntos de vista, tan amplio como las variadas propuestas individuales.

Land Art: Transformando el Paisaje

Nacido a finales de los años 60 en Norteamérica, sus obras se basan en la transformación de paisajes naturales por medio de divisiones espaciales (zanjas, surcos, muros de tierra). Está vinculado al arte conceptual, con el que coincide en el rechazo de los medios artísticos tradicionales y en dirigir su atención hacia nuevas posibilidades expresivas. Es frecuente encontrar elementos de Land Art en diferentes civilizaciones o estilos, ya que cualquier actuación consciente sobre el paisaje puede considerarse Land Art.

Algunos artistas destacados son:

  • Robert Smithson: (Spiral Jetty). Realizó grandes actuaciones sobre el paisaje, que denominaba Earthworks, manipulando ingentes cantidades de tierra, rocas u otros materiales. Sus obras pueden ser experimentadas de forma total, ya que se puede pasear por ellas.
  • Agustín Ibarrola: (Bosque de Oma). Pintor, escultor y referente del Land Art en España. En su obra podemos encontrar desde intervenciones en pleno campo hasta los Bloques de la memoria, un rompeolas monumental formado por cubos de hormigón pintados de vivos colores en la costa cantábrica.

El Arte Ecológico o Eco Art: Conciencia Ambiental

El ecologismo político se ha convertido en las últimas décadas en un elemento transversal aceptado por la mayoría de la población. Al calor de este movimiento se ha venido desarrollando el Eco Art, una variante del Land Art que tiene en cuenta sobre todo las implicaciones ecológicas de la obra artística, bien utilizando elementos naturales u orgánicos, bien llamando la atención del público sobre problemas de índole ambientalista. Decimos que una obra se incluye en el Eco Art si tiene alguna de estas características:

  • Utiliza materiales orgánicos, de origen natural y respetuosos con el medio ambiente o que interactúan con los elementos naturales.
  • Llama la atención sobre una problemática determinada.
  • Propone soluciones o mueve al público en favor de un cambio vital en relación con el medio ambiente.
  • Apuesta por la recuperación y la mejora del entorno.
  • Promueve el reciclaje y las opciones no consumistas (como hace el Arte Povera).

Milton Becerra (Chinchorro, 1951). Artista multidisciplinar venezolano, está considerado como una de las estrellas emergentes del Eco Art.

Arte Povera: La Belleza de lo Simple

A mediados de la década de 1960 surgió en Italia un movimiento artístico denominado Arte Povera (arte pobre), llamado así porque sus obras estaban elaboradas con materiales de desecho. Michelangelo Pistoletto, Venus de los trapos.

Las obras consistían generalmente en instalaciones que muchas veces se iban deteriorando con el tiempo (debido al origen orgánico de los materiales usados).

El Arte Povera fue también un movimiento contestatario y antiburgués, que reivindicaba el placer de crear inherente a quienes se declaran artistas y disfrutan del arte, reclamando un contacto directo entre creador y creación. Rechazaban también el acabado industrial y artificioso, volviendo a lo natural. Al utilizar materiales de desecho, llaman la atención sobre valores como la acumulación, la especulación y el modelo consumista, tomando así partido por las clases humildes.

Además, intentan con sus métodos huir de la comercialización del objeto artístico y conseguir la implicación del público ocupando espacios reservados al arte oficial o al tejido urbano.

Primeras Vanguardias: Rompiendo con lo Establecido

Postimpresionismo: Más Allá de la Impresión

Dentro del Impresionismo surgieron pronto personalidades que quisieron dar un paso más allá, porque lo que en un momento fue novedoso, pronto derivó a un cansancio donde cada cuadro se parecía a los demás como gotas de agua. Sin embargo, no por ello se abandonaron los avances del Impresionismo, porque a partir de ahora sus conquistas se consolidaron, usando con normalidad la pincelada yuxtapuesta, los colores en tonos puros, el claroscuro construido con color, la temática sacada de la vida cotidiana, o las sombras coloreadas. Cézanne, Gauguin, Van Gogh (comentar obra y biografía del autor).

Características:

  • Partían del Impresionismo, del que heredaron técnicas y temáticas, pero en el que vieron un callejón sin salida.
  • Recuperaron el dibujo y la línea de contorno que define los objetos.
  • Experimentaron un gran influjo de la estampa japonesa o ukiyo-e.
  • Fueron incomprendidos en su momento, creadores puros que no alcanzaron en vida el éxito, y se adelantaron a algunas vanguardias del siglo XX.
  • El nombre fue acuñado a partir de la exposición conjunta de la obra de Van Gogh, Cézanne y Gauguin que tuvo lugar en Londres en 1910. De hecho, no podemos hablar de unidad de estilo, sino de pintores a título individual.

Paul Cézanne (1839-1906). Considerado como uno de los pintores precursores del cubismo, pretendió devolver a la pintura la prestancia de los volúmenes rotundos sin recurrir a recursos como el claroscuro o la unidad perspectiva, dando a su pintura una solidez descriptiva de los objetos reducidos a planos de color y figuras geométricas que dotan a sus pinturas, paradójicamente, de gran realismo.

Van Gogh: Van Gogh creó un nuevo estilo, que a falta de un nombre mejor se dio en llamar postimpresionismo. Los colores vivos (y muy matéricos), el abandono del naturalismo, las formas que parecen moverse o caerse… Todo ello fue fruto de una evolución artística lógica más que de los delirios de un demente.

Surrealismo: El Mundo de los Sueños

La palabra surrealismo fue empleada por primera vez por el poeta y crítico de arte Apollinaire en 1917, aunque quedó definido en 1924 por André Breton (1896-1966) en el Primer Manifiesto Surrealista, donde defendía el automatismo psíquico como medio para poder expresar el funcionamiento real del pensamiento, en ausencia de todo control ejercido por la razón, fuera de toda preocupación estética o moral. Sus antecedentes son la pintura metafísica y el Dadaísmo.

Dadaísmo: La Rebelión contra el Arte

El Dadaísmo fue un movimiento cultural surgido primero en Europa y posteriormente en Estados Unidos. Fue creado en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza) entre 1916 y 1922 con Hugo Ball como fundador, cuando una serie de artistas de distintas nacionalidades se encontraron como refugiados en esa ciudad durante la Primera Guerra Mundial. Posteriormente fue adoptado por Tristan Tzara, quien se convertiría en la figura más representativa del Dadaísmo.

El más radical y agresivo de los istmos que se mostró rotundamente en contra de cualquier norma social, moral o estética.

  • Su objetivo principal era cuestionar unos criterios artísticos fuertemente afianzados y aceptados en la época.
  • Pretendían alejarse de la dictadura de las Academias y de los marchantes artísticos.
  • Denunciaron la dependencia del arte con respecto al mercado, y desarrollaron lo que se denominó un antiarte.
  • Es un movimiento contundente y provocador basado en lo absurdo, lo elemental y lo casual.
  • Nace el readymade donde lo importante no será ya el objeto artístico en sí, sino la idea creadora.
  • Se usarán distintos soportes que ya no nos permitirán hablar de pintura o escultura: se usarán tubos de neón, alambres y materiales diversos.
  • Se investigará en la depuración de las formas, o en la importancia del concepto artístico.

Del Dadaísmo nace el arte conceptual, llamado a veces arte microemotivo, o arte situacional, se trata de un arte teórico o del concepto que intenta sustituir al arte tradicional o del objeto.

Los artistas más destacados fueron: Marcel Duchamp, Hans Arp, Francis Picabia, Max Ernst y el fotógrafo Man Ray.

Expresionismo Abstracto Americano: La Emoción en el Lienzo

Tendencia que muestra grandes e importantes influencias como son el surrealismo, el expresionismo y la abstracción. La referencia con la naturaleza y la figuración en este movimiento está más que superado. Un importantísimo elenco de artistas componen el grupo que pertenece a esta tendencia. Un grupo, además, que se conocía personalmente, compartieron estudio y sala de exposiciones y reflexiones acerca del movimiento. Cada uno consiguió un estilo personal que le distinguía, pues, aunque pertenecían a la misma tendencia, cada uno optó por un camino distinto. Todos obtuvieron fama y reconocimiento.

Jackson Pollock, creador de un nuevo modo de pintura: el Dripping. El artista sitúa el lienzo en el suelo y, moviéndose alrededor del mismo (y en ocasiones por dentro del mismo lienzo). Ritmo de otoño (número 30).