La Arquitectura del Quattrocento

Características Generales

La arquitectura renacentista tiene como principal fuente de inspiración la Antigüedad. Se recuperan los órdenes clásicos adaptándolos a la nueva realidad constructiva. En el ámbito tectónico se incluye la realización de planos. La arquitectura del Renacimiento fue pintada antes que construida. El artista del Renacimiento aspira a combinar la perfección de los griegos con la grandeza de los romanos. La arquitectura está centrada en el hombre, hecha a su medida y los materiales más utilizados son el ladrillo y el aparejo revestidos de placas de mármol.

Brunelleschi

Este artista florentino rompió con la tradición arquitectónica gótica. En los edificios que construyó aplicó las investigaciones que había realizado sobre la perspectiva. Brunelleschi utilizó los elementos procedentes de los modelos clásicos y de la tradición toscana como el bicromatismo. Su gran obra es la cúpula de la Catedral de Florencia, supo construirla imitando los abovedamientos romanos empleando dos cúpulas superpuestas ligeras e independientes. En el Hospital de los Inocentes utilizó la perspectiva. En la Iglesia de San Lorenzo y la del Espíritu Santo utilizó el lenguaje clásico renacentista y la tipología de la iglesia basilical de tres naves. En los interiores utilizó el bicromatismo como forma de definición de la composición arquitectónica. En la Sacristía de San Lorenzo y en la Capilla Pazzi su plan consiste en un cuadrado cubierto por una cúpula. La Capilla Pazzi cuenta además con un pórtico en el que armoniza bóvedas, arcos y arquitrabados. Para la familia Lucapitti construye un palacio que está concebido como una masa cerrada.

Alberti

Sobresalió en todas las artes, ideó artilugios mecánicos y dedicó tratados a la arquitectura, escultura y pintura. Su misión será la de concebir mentalmente el edificio, confiando su ejecución material a los maestros de obras y albañiles. Desarrolló el clasicismo inspirándose en el Coliseo y otros edificios, aprendió a utilizar la arquitectura con fines decorativos. Crea una ciencia arquitectónica basada en el número y la proporción. Las armonías numéricas son análogas a los musicales, de esta manera compone la fachada de Santa Maria Novella de Florencia. Alberti crea nuevas tipologías arquitectónicas como por ejemplo la Iglesia de San Andrés de Mantua con planta de cruz latina, en la nave mayor alterna capillas abiertas y cerradas. En el exterior, la fachada está inspirada en el Arco de Trajano de Ancona. En el Templo de Malatesta demuestra el influjo de la arquitectura romana: la fachada es como un arco de triunfo con superposición de órdenes que tienen una función decorativa.

La Escultura del Quattrocento

Características Generales

• Imitación de la naturaleza.
• Utilización del bulto redondo.
• Formas proporcionales y armónicas.
• Se talla todo con sumo detalle.

Ghiberti

Nace en Florencia en 1378, fue un orfebre medieval que entusiasmaba al público con su impecable factura y melodioso ritmo gótico. Gana un concurso público para poder construir las segundas puertas del Baptisterio de Florencia, superando a Brunelleschi. Ghiberti tuvo que fragmentarlas en 28 treboles de 4 hojas y desarrollar en estos compartimentos 20 escenas del Nuevo Testamento más 8 imágenes de los evangelistas y doctores de la Iglesia. Después de entregar la obra, las autoridades florentinas le confiaban las terceras puertas. En la subdivisión de las hojas opta por 10 espacios cuadrados que le permiten tratar con mayor amplitud las escenas del Antiguo Testamento que le encargan. Este escultor aplica el nuevo sistema de representación (perspectiva) a la escultura. Se sirve de la escala decreciente de las figuras, las situadas en el primer plano tienen mayor relieve, como vemos en las terceras puertas del Baptisterio de la Catedral de Florencia.

Donatello

Nació en Florencia en 1386, fue el escultor más influyente del siglo XV. En su producción se distinguen 3 cualidades y 3 épocas. Sus cualidades son el dominio que ejerció sobre todas las técnicas y materiales, la profundidad psicológica con la que expresa los sentimientos humanos, y su imaginación creadora para definir la tumba, el púlpito, la cantoría, el altar y el monumento ecuestre del Renacimiento. En cuanto a las etapas se advierte una fase inicial de adolescencia y madurez en Florencia, que abarca de 1404 a 1443; su estancia en Padua entre 1443 y 1453; y el posterior regreso a Florencia, donde desarrolla un arte expresivo y nervioso. Los primeros trabajos de Donatello en Florencia son estudios psicológicos dedicados a decorar los principales edificios góticos de la ciudad: apóstoles para la Puerta de la Mandorla de la Catedral, profetas para el campanile y patronos gremiales para la Capilla Orsanmichele.

En este último edificio realiza dos obras señeras: una es el Evangelista San Marcos y otra el San Jorge. Se asocia con el arquitecto Michelozzo que dará forma a la tumba y al púlpito. El tipo de monumento responde a un esquema muy simple: consiste en adosar a la pared un arco de triunfo romano y superponer en su interior el sarcófago sostenido por Virtudes, la inscripción conmemorativa que alude a la fama del difunto, y un tondo con la imagen de la Virgen. En el Baptisterio de Florencia inicia una serie de sepulturas humanistas, que alcanzan su plenitud en la del Cardenal Rainaldo Brancacci. La predicación pública aconsejaba la construcción de púlpitos al aire libre. En 1428, Donatello y Michelozzo contrataban el de la Catedral de Prato, que serviría para exponer la principal reliquia del templo: el cinturón de la Virgen. Son dos las novedades que presenta: la plataforma está colgada de la pared y el antepecho se decora con relieves de niños danzantes. Su siguiente apuesta plástica se centra en el altar de piedra o bronce que va a sustituir en el arte italiano al retablo de madera policromada. En 1440 realizaba el tabernáculo de la Capilla Cavalcanti con el tema de la Anunciación. Labró un segundo monumento que propaga su fama por toda Europa: la estatua ecuestre del caudillo Erasmo de Narni, “El Gattamelata”.

La Pintura del Quattrocento

Características Generales

Asistimos a una pintura dominada por el dibujo que define la forma. El objetivo principal será la interpretación científica de la naturaleza. Se presta especial atención a la profundidad, a la expresividad y al movimiento. Se aplica un sistema de proporción, concibiendo a esta como la creadora de la belleza. La figura se concibe aritmética y geométricamente. La utilización de la perspectiva lineal o del punto de fuga según la cual las imágenes que percibimos de los objetos disminuyen o empequeñecen con la distancia. Existen dos formas de representar el mundo tridimensional: el punto de fuga y la perspectiva aérea. Durante el Quattrocento, Florencia será el centro de producción más importante. Su pintura está dominada por la línea y el dibujo. En cuanto a la temática, junto a la religiosa, se desarrolla la temática mitológica. Las principales técnicas que se utilizan son el fresco y el temple.

Fra Angelico

Su estilo es el resultado de su formación miniaturista, líneas curvas y abundancia de oro. Es un estilo dominado por el dibujo y por los colores rosas, azules y celeste de tradición gótica. Presenta personajes esbeltos, delgados, cabezas alargadas, nariz recta y cejas altas envueltas en vestiduras largas que caen con sencillez. Ejemplo: La Anunciación. También desarrolla el tema del paraíso con la expulsión de Adán y Eva.

Masaccio

Iniciador del Renacimiento. Domina en él la masa y el volumen: sombrea e ilumina las figuras sin dibujar los contornos. Presta esencial atención a la esencia pictórica dejando de lado los detalles. Su pintura es realista. Es un pintor de tema religioso, entre sus obras destacan los frescos como el Tributo de la Moneda.

Piero della Francesca

La preocupación por la luz como forma de determinar y valorar los volúmenes fue una de las preocupaciones constantes en los pintores del Quattrocento. Piero della Francesca define el espacio y es el instrumento para la simplificación del volumen de las figuras, uno de los componentes del ideal de belleza. En el Bautismo de Cristo se aprecia la simplificación de las figuras voluminosas y redondeadas y de rostros impasibles. En la Historia de la Vera Cruz para la Iglesia de San Francisco de Arezzo la figura se ordena en armonía con la escenografía arquitectónica y se define por una simplicidad marcada por la luz.

Botticelli

La pintura que desarrolla es mitológica y tiene un contenido moralizante. Tiene una sensibilidad exquisita y es un gran dibujante. En su primera época es racional naturalista y trabaja para la corte de Lorenzo “El Magnífico”. Su obra tiene un estilo propio: abandona la concepción quattrocentista del arte como medio de conocimiento para adentrarse en el concepto de belleza. Es creador de un nuevo tipo de belleza femenina: cuerpos desnudos casi etéreos aunque llenos de luminosidad, rostros alargados enmarcados en sueltas y ondulantes cabelleras. Su mundo pictórico es el de las alegorías de inspiración mitológica y bíblica. Ejemplos: La Primavera, El Nacimiento de Venus y Palas Domando al Centauro.

Arquitectura del Cinquecento

Bramante

Su primer periodo arquitectónico se desarrolla en Milán. En estos trabajos predomina la decoración. En el claustro de Santa Maria della Pace emplea un sistema de proporciones basado en el módulo de cuadrado. Es una construcción de dos pisos. En la parte baja utiliza pilastras de estilo jónico, combinado con arcos de medio punto y en el piso superior, adintelado, alterna pilastras y columnas corintias. Hacia 1500 Bramante se establece en Roma. Bramante concibe la arquitectura como un puro contraste de vacíos y llenos tal y como se aprecia en el Belvedere del Vaticano. En Roma construye el Palacio de la Cancillería. En el Templo de San Pietro in Montorio, recoge el plan circular de los templos romanos. Está dotado con una cúpula y rodeado por un peristilo de columnas. Recoge la idea de martirium, pues se levanta sobre el lugar en el que según la tradición fue martirizado San Pedro. En 1502, la planta es de cruz griega y con cúpula, se basaba en un plan bizantino. La cúpula era la clave de la construcción y debía elevarse sobre cuatro pilares, bajo la cúpula debía colocarse el sepulcro que Julio II había encargado a Miguel Ángel. En el Vaticano inició el Palacio de Nicolás V con el de Belvedere de Inocencio VIII por medio de un alargado cuerpo en el que se suceden rítmicamente arcos y pilastras. En este cuerpo se abre un gran nicho. Al morir quedaba impuesto en Roma su programa arquitectónico.

Miguel Ángel

En la construcción de San Pedro se atuvo al plan central de Bramante. Aunque su modelo de cúpula es la de la Catedral de Florencia. Para dar mayor impulso vertical a la cúpula, Miguel Ángel la hizo levantar sobre un robusto tambor, decorándolo con columnas, ventanas y guirnaldas. Por encargo de Paulo III urbanizó el Capitolio disponiendo en torno a una plaza oval un conjunto de tres edificios. La explanada se acomoda a la forma de la colina y está decorada con un pavimento. En Florencia hizo la Sacristía de San Lorenzo, sepulcro de los Medici, en ella escultura y arquitectura están sincronizadas. Su modelo es la Sacristía de Brunelleschi: de dos cuadrados en planta que se comunican con arco de medio punto, cubiertos con cúpulas sobre pechinas.

Andrea Palladio

Es el más sobresaliente representante del Véneto. Sus principales obras las realizó en Venecia y en Vicenza.

En el pórtico que rodea a la Basílica de Vicenza establece el llamado tramo rítmico palladiano; consiste en la asociación arquitrabada, columnas de dos tamaños y vano-nació. El contraste de luces es muy fuerte. En el Palacio Balnarana utiliza el orden gigante. Hizo muchos palacios y villas en los alrededores de Vicenza, la más célebre es la Rotonda. Consiste en un cuadrado con cúpula central y pórticos en los cuatro lados a imitación de los templos romanos. La arquitectura palladiana se atiene a las exigencias de la simetría incluso para los interiores de los palacios donde lleva a la práctica el principio de proporcionalidad interna. La vivienda señorial la dota de una fachada con pórtico rematado en frontón. En las obras que hizo en Venecia es muy importante la ordenación perspectivista. La Iglesia de San Jorge el Mayor, el Redentor y San Francisco de la Viña son modelos de un purismo arquitectónico muy severo por fuera. En los intercolumnios del orden gigante se abrían nichos y recuadros ocupados por estatuas. El Teatro Olímpico de Vicenza está inspirado en los teatros romanos, con un carácter de ilusión, irrealidad y escenografía que anticipa el barroco. Su arquitectura marcó el sendero de la arquitectónica inglesa del siglo XVIII y más tarde la de la neoclásica.

Pintura del Cinquecento

Leonardo da Vinci

Hijo de una campesina y un notario. En 1469 entra en el taller de Verrocchio. A este periodo pertenece la Anunciación. En 1481 marcha a Milán y ofrece a Ludovico Sforza sus servicios como militar, arquitecto y escultor. A este periodo pertenecen la Virgen de las Rocas y La Última Cena de Santa Maria delle Grazie. Abandona el servicio en 1499 cuando los franceses entran en la ciudad. Hacia mediados de 1500 está en Florencia, donde pintó la Virgen, Santa Ana y el Niño. Entre 1506 y 1513 estaría al servicio del rey de Francia, tras una breve estancia en Roma se establece en el Castillo de Clos-Lucé cerca de Amboise donde muere en 1519. La pintura será un medio de experimentación más que un trabajo. Destaca la Anunciación, representada según recomendaba en su Tratado de la Pintura y representa la hierba, las flores y el grado a partir de pinceladas contrastadas; mientras una hilera de árboles se recortan sobre las rocas brumosas.

En La Última Cena, el fresco lo planteó con una técnica diferente de la tradicional, utilizó una sustancia que contenía aceite y barniz. Cada apóstol vive el momento trágico con una actitud diferente. Leonardo representa el momento en que Cristo verbaliza la traición despertando sentimientos enfrentados entre los que le acompañan. Sus bocetos forman parte del proceso de pensamiento del artista. El pintor debe atender a lo que él llama el estado mental de las criaturas que componen el cuadro. Las características esenciales de su pintura son el uso del claro-oscuro y del contraposto.

Rafael Sanzio

Nació en Urbino en 1483, donde su padre (pintor) trabajaba. Al morir su padre trabajó con Perugino que sería uno de sus maestros. En 1504 pasa a Florencia, allí recibe las influencias de Leonardo: su claroscuro y el sfumato, el colorido, la amplitud del paisaje, etc. A esta etapa pertenecen la Virgen del Jilguero. En 1508 es llamado a Roma por Julio II para realizar la decoración al fresco de las Estancias Vaticanas. En sus figuras mitológicas destacan los frescos que pintó para Agostino Chigi. Rafael realizó para esta villa nupcial el Triunfo de Galatea y la Logia de Psique y Cupido.

Miguel Ángel

Aprendía en el taller de Ghirlandaio. Aprende de Giotto y Masaccio. De su etapa florentina destaca el cartón de la Batalla de Cascina que debía servir para decorar al fresco una de las paredes del Palacio Público. Representa la victoria de los florentinos sobre los pisanos. Fue fuente de inspiración de los artistas del siglo XVI por ser un muestrario de desnudos en diferentes posturas. Su pintura más célebre es la bóveda de la Capilla Sixtina y el Juicio Final en el altar mayor de la misma.