**LA ARQUITECTURA DE LOS NUEVOS MATERIALES: HIERRO Y CRISTAL**

A finales del siglo XIX, la revolución industrial ofrece posibilidades técnicas y plantea unas nuevas necesidades que posibilitarán la aparición de una arquitectura muy diferente a la tradicional, y que sentará las bases de la arquitectura del siglo XX. Las vigas de hierro, los grandes paneles de cristal, darán estructuras articuladas y un concepto nuevo de espacio que se pueden considerar una revolución frente a la arquitectura tradicional.

Hacia mediados del siglo XIX en la Inglaterra victoriana se iniciaba una arquitectura basada en la ingeniería, para dar soluciones a las necesidades edilicias que planteaba la revolución industrial: estaciones de tren, puentes, grandes salas de exposiciones… El hierro permitía también una construcción rápida debido a su fácil ensamblamiento, consiguiendo, además, estructuras de enormes proporciones impensables para materiales tradicionales.

En los primeros treinta años del siglo, en Gran Bretaña, se construyeron numerosos puentes de hierro. En cuanto a Francia, la utilización del hierro se acrecentó sobre todo a partir de la Restauración (El pont des Arts). Labrouste fue uno de los primeros arquitectos en mostrar las posibilidades estéticas de la fundición.

La llamada Gran Exposición del Trabajo y la Industria de todas las Naciones, conocida como la Primera Exposición Universal, se celebró en Londres. Para albergarla, se construyó un edificio que iba a constituir un verdadero hito en la historia de la moderna arquitectura: el palacio de Cristal. Su creador, Joseph Paxton, un ingeniero experto en la construcción de invernaderos, se basó precisamente en este tipo de instalaciones para el proyecto del grandioso pabellón que iba a cubrir ocho hectáreas. Para su realización se centró en la utilización del hierro, del vidrio y de elementos prefabricados construidos en serie. El éxito del recinto fue tal que todos los pabellones que habían de albergar las sucesivas Exposiciones Universales celebradas a partir de entonces se inspirarían en él.

Respecto a la Torre Eiffel; nombre del famoso arquitecto que la proyectó, célebre por sus puentes y creador de la estructura metálica que sostiene la Estatua de la Libertad de Nueva York; se trata de una obra no utilitaria, de trescientos metros de altura, concebida sólo como una imponente presencia de las nuevas estructuras de hierro. Se eleva como un rascacielos, carente de espacio interior, y fue desde entonces el símbolo de París.

**LA ESCUELA DE CHICAGO**

La relevancia de la Escuela de Chicago tuvo como causa desencadenante el desastroso incendio de 1871 que cruzó el río y destruyó gran parte del centro de la ciudad, incluyendo un grupo de edificios de hierro colado que no habían sido construidos a prueba de fuego. La reconstrucción de la ciudad iba  a permitir erradicar los materiales de construcción inflamables y desarrollar la edificación en altura para resolver la masiva inmigración. El elemento crucial de ese momento fue el rascacielos.

Se establecieron las directrices esenciales de la arquitectura comercial del siglo XX. la escuela de Chicago tiene especial relieve debido a dos razones: La creación del rascacielos como alternativa funcional. Por primera vez fueron los arquitectos quienes emprendieron la renovación y no los ingenieros.

Los forjadores de la escuela arquitectónica de Chicago van a ser William Le Baron Jenney y Louis Henry Sullivan, estrechamente vinculados a las sociedades inmobiliarias. Sus edificios se reducen a un armazón metálico, que permite abrir grandes ventanas apaisadas en el exterior. La distribución es siempre idéntica: locales comerciales en los bajos, oficinas en los pisos y servicios en la planta alta.

En 1899, Sullivan construía los Almacenes Carson, en Chicago, un building profético de diez pisos, que anticipaba el sueño americano del siglo XX.

**EL MODERNISMO**

A finales del siglo XIX, la reacción contra los historicismos y la frialdad neoclásica desarrollados durante el siglo se hace cada vez más patente. Los nuevos materiales, el hierro y el cemento, aconsejan buscar las formas artísticas en su propia estructura, y no copiarlas de estilos tradicionales.

Sus características definitorias fueron su esteticismo, refinado, renovador, interesado por la obra de arte total y la línea sinuosa, basada en los tallos vegetales. La manifestación más importante de Modernismo es la arquitectura, que reacciona frente a los historicismos académicos. Se incorporan como materiales el vidrio y el hierro. La gran novedad es el tratamiento espacial interno, en el que se utiliza la planta libre y la luz obtenida por grandes ventanales, claraboyas, etc.

**ANTONIO GAUDÍ (1852-1926)**

Catalán considerado como la mente más creativa de toda la arquitectura contemporánea. Formuló las leyes totalizadoras del urbanismo, al proyectar la ciudad, la casa, sus objetos y los muebles que la decoran.

Con el advenimiento del siglo XX, Gaudí construye en el barcelonés Paseo de Gracia dos obras, que rompen con el esquema convencional de la vivienda de pisos: la Casa Batlló, cuya línea quebrada, estructura ósea y escamas del tejado recuerdan la espina dorsal de un dinosaurio, y la Casa Milá, universalmente conocida como La Pedrera por simular un escarpado muro de cuevas, que parece una inmensa escultura, coronada por chimeneas gelatinosas.

Todos estos trabajos fueron el laboratorio experimental para un proyecto titánico que le ocupó íntegramente su vida y que dejó inacabado: el templo expiatorio de La Sagrada Familia, una catedral fantástica, emblema de la pujante y cosmopolita ciudad condal. En ella sobre un esquema gótico emplea arcos parabólicos, curvas de formas caprichosas, y acumula en la portada abundante decoración vegetal y figurada de un naturalismo barroco. Gaudí construyó la cripta, el ábside, una de las tres fachadas y parte de sus torres, y concibió todo un poema místico, tremendamente rico en sugerencias simbólicas y en audacias constructivas. Gaudí se hizo cargo de las obras en 1883 y llegó a vivir en el mismo taller hasta cerca de su muerte acaecida cuando se dirigía al templo en 1926.

IMPRESIÓN SALIDA DEL SOL

En esta Obra el autor nos muestra tres botes de remos que navegan por el puerto de la Havre, mientras al fondo, entre la niebla matinal y la humareda de las chimeneas de las fábricas, sale el sol.Con una pincelada suelta y vigorosa, el pintor prescinde del dibujo centrándose en los efectos que la luz del amanecer ejerce sobre los objetos. Los botes y las personas que navegan en ellos quedan reducidos a simples manchas y la técnica utilizada es fruto de la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre y el deseo de captar no la representación real del amanecer en el puerto, sino la impresión causada por el amanecer y los efectos que la luz matinal provocan en el agua y el horizonte donde el humo espulsado por las chimeneras, símbolos de la era industrial, se mezclan con la neblina matinal.Manet junto a otros pintores como Renoir, degas o Pisarro revolucionaron la pintura alejándose del dibujo y la función de representar la realidad que tradicionalmente durante siglos se le había atribuido a la pintura.Denominados despectivamente como”impresionista” tras su primera exposición en 1874, esta corriente supodría el comienzo de una nueva era en la historia de la pintura y una nueva visión de la pintura que se vería continuada y renovada durante el último cuarto del siglo XIX y primer cuarto del siglo XX por los denomidados”ismo”: postimpresionismo, fauvismo,expresionismo, futurismo, surrealismo y cubismo.

NOCHE ESTRELLADA

Esta famosa escena resulta una de las más vigorosas y sugerentes realizadas por Vincent. En pocas obras ha mostrado la naturaleza con tanta fuerza como aquí. Vincent se encuentra recluido en el manicomio de Saint-Rémy desde el mes de mayo de 1889 y muestra en sus imágenes lo que contempla desde su ventana. La noche le había atraído siempre especialmente porque se trataba de una luz diferente a la que se había empleado hasta esos momentos. Es de destacar

el tratamiento de la luz de las estrellas como puntas de luz envueltas en un halo luminoso a su alrededor, obtenido con una de las pinceladas más personales de la historia de la pintura: un trazo a base de espirales que dominan el cielo y los cipreses de primer plano. Al fondo se aprecia la silueta de un pueblo con la larga aguja de la torre de la iglesia presidiendo el conjunto. Los tonos que Van Gogh utiliza son comunes a todas las obras de esta primavera del 89: malvas, morados y amarillos que muestran el estado de ánimo eufórico del artista, aunque da la impresión de predecir la grave recaída que tendrá Vincent en el mes de julio. TORRE EIFFEL.Esta torre fue realizada por Gustave Eiffel para la Exposición Universal de París de 1889. Desde que su proyecto fue aceptado recibió todo tipo de críticas y comentarios adversos. Algunos que se decían especialistas se dedicaron a demostrar que era matemáticamente imposible realizar una torre tan esbelta y llegaron a fijar como límite de altura los 228 metros, a partir de los cuales aseguraban que se vendría abajo. La torre alcanzó 300 metros de altura y con su esbeltez intentaba rivalizar con las más prestigiosas construcciones del pasado. Ya desde el inicio de las obras, no faltaron especialistas y matemáticos empeñados en demostrar su seguro derrumbamiento cuando se alcanzaran los 228 metros de altura. Por otro lado, el 14 de febrero de 1887 las páginas de “Le Temps” publicaron un manifiesto titulado “Protesta de artistas”, en el que se rechazaba su proyecto según los argumentos siguientes: “Escritores, escultores, pintores y amantes apasionados de la belleza hasta ahora intacta en París, venimos a protestar con todas nuestras fuerzas y con toda nuestra indignación en nombre del gusto francés despreciado y en el nombre del arte y la historia francesa amenazados, en contra de la erección en pleno corazón de nuestra capital de la inútil y monstruosa torre Eiffel. ¿Hasta cuándo la ciudad de París se asociará a las barrocas y mercantiles imaginaciones de un constructor de máquinas para deshonrarse y afearse inseparablemente? Pues la torre Eiffel, que ni siquiera la comercial América querría, es, no lo dudéis, la deshonra de París. Todos lo sienten, todos lo dicen y todos lo lamentan profundamente, y no somos más que un débil eco de la opinión universal, tan legítimamente alarmada”. SAGRADA FAMILIA. La Sagrada Familia es el monumento más conocido y característico de Barcelona. Como máximo exponente de la arquitectura modernista creada por Gaudí, miles de turistas acuden cada día a contemplar el curioso aunque inacabado templo. La construcción comenzó en 1882 con un estilo neogótico. Un año después el proyecto fue puesto en manos de Gaudí, quien lo replanteó por completo. Gaudí diseñó un templo excepcional e innovadorque iba a estar compuesto por 18 torres, aunque finalmente sólo tuvo tiempo de crear una de ellas antes de su muerte. Gaudí falleció en 1926 dejando inacabado el proyecto que ocupó los últimos años de su vida pero, gracias a los planos que se conservan, su sueño se hace realidad poco a poco gracias al trabajo de otros artistas y al dinero obtenido a partir de las donaciones y las visitas. Aunque aún no está terminada, la Sagrada Familia es un exuberante templo cargado de simbolismo religioso. Hasta el momento han sido erigidas 8 de las 18 torres diseñadas por Gaudí. El arquitecto decidió que doce de ellas fueran dedicadas a los Apóstoles, cuatro a los Evangelistas, una a María y otra a Jesús. Cada una de ellas estará dotada de diferente altura en función de la jerarquía religiosa que representan. Es posible acceder hasta la parte superior de algunas de las torres para contemplar la ciudad desde las alturas y ver algunos detalles del exterior del templo a escasa distancia. CASA KAUFFMAN.  La Casa Kaufmann, también conocida como “Casa de la Cascada”, es una de las obras más representativas del arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright, uno de los grandes arquitectos del siglo XX. Se encuentra en el estado de Pensilvania, y fue construida en entre 1936 y 1939, a base de hormigón, piedra natural, hierro pintado, vidrio y aluminio. Esta casa es uno de los mejores ejemplos del Movimiento Moderno, concretamente del racionalismo organicista del que Wright es el arquitecto más destacado.     La arquitectura del siglo XX, y en concreto el racionalismo, se caracteriza no solo por el uso de los nuevos materiales constructivos, sino sobre todo por la importancia que se otorga a la función del edificio, que se concibe siempre como un espacio interno y habitable; se rechaza lo ornamental y lo superfluo para crear arquitecturas a la medida del hombre, y que sirvan al hombre, con nuevos sistemas constructivos, más baratos y funcionales: planta libre, volúmenes basados en formas simples, etc. Sin embargo, ante el agotamiento y algunas dificultades del racionalismo más puro, algunos arquitectos, como Wright, optaron por introducir en sus obras lo que se conoce como “Organicismo”, es decir, la recuperación de los materiales tradicionales, el acercamiento a las necesidades y a la psicología de los habitantes de la casa, y la integración en la naturaleza, en el paisaje, con gran atención a la iluminación interior de las estancias. LA RAYA VERDE.  Pintada en 1.905, es un óleo sobre lienzo de 40X32 cm.  expuesta en Copenhague de estilo fauvista. Se trata de un retrato de la esposa del pintor que pone de manifiesto el uso arbitrario de los colores que defienden los “fauves”, desde luego no es el retrato tradicional que se espera que un pintor haga de su mujer.  El fauvismo, cuyo creador fue Matisse, quiso crear una pintura nueva y para ello rompió de una manera contundente con el tradicional uso del color, el dibujo y la perspectiva y con él empieza la revolución pictórica del siglo XX. Se caracteriza por la utilización de colores muy vivos, de una forma libre, sin que hayan de ser fieles al objeto representado, hecho que en esta obra queda resaltado en la banda de color verde que recorre la frente y  la nariz de la mujer retratada. El dibujo es esquemático y geométrico,  los colores fuertes y contrastados, además de arbitrarios, como en el fondo de la composición, donde podemos ver cuatro zonas de color distintas y poco realistas. A penas existe protagonismo de la luz y hay una total ausencia de perspectiva. El color es el protagonista. GUERNICA. El Guernica es un óleo sobre lienzo, con unas dimensiones de 3,50 x 7,80 m.No es, por lo tanto, un cuadro narrativo, sino simbólico. Está pintado utilizando únicamente el blanco y negro, y una variada gama de grises.  la estructura del cuadro es la de un triprico,. cuyo panel central está ocupado por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara Los laterales serían, a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la izquierda, el toro y la mujer con su hijo muerto. El del tríptico no es, sin embargo, el único principio de ordenación espacial presente en el Guernica. Las figuras están organizadas en triángulos, de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la lámpara.GRAN MASTURBADOR. Es una composición llena de implicaciones autobiográficas, mitos, miedos, ideas fijas en donde aparece la forma expresiva del joven Dalí. Es el tema de la masturbación, muy poco conocido en la historia de la pintura. Existen algunas en el expresionismo europeo en dibujos y el único precedente es el de Goya en sus pinturas negras. El tema central es una masa viscosa dentro de lo blando, que es entendido como lo sentimental y lo duro. En la izquierda aparece una cabeza, el autorretrato de Dalí, cuyos orígenes comienzan en el año 1927 con sus cabezas desdobladas, como en la obra Naturaleza muerta al claro de luna malva, donde el retrato de Dalí está visto de perfil, como germen de donde saldrá el caricaturizado “gran masturbador”.El perfil se reduce a una gran nariz, ojo y ceja; en el lugar de la boca aparece el saltamontes como animal repulsivo, idea de la muerte, desintegración de la materia ya que lleva hormigas en el abdomen. El peinado es muy marcado y en la cabeza está pinchada un ancla que podría aludir a las exigencias de su familia del año 1929. La otra figura, a la izquierda, puede ser también Dalí cortando las redes con su familia. Es la huida del contexto español, familiar y catalán a la vanguardia surrealista parisina.El modelo de la mujer pertenece a un cromo modernista que procede del prerrafaelismo inglés y alude a Gala. Es el dilema del mundo que le abre Gala; el lirio representaría la idea de purificación. El escenario crea una atmósfera desolada, un paisaje extenso que remite a la metafísica del italiano Giorgio de Chirico. La pareja abrazada debajo del saltamontes hace referencia a Gala y a Dalí. Por su parte, la mujer modifica su sustancia con carácter rocoso, aludiendo a sus primeros encuentros con Gala en las rocas de Cadaqués.