La corriente antropocéntrica y humanista da lugar a espacios a medida del hombre, predominando la horizontalidad.
Edificios con proporción, equilibrio, simetría, ritmo y belleza, con elementos decorativos y constructivos clásicos.
Diseño de plantas y portadas que responden a criterios matemáticos y usan modelos geométricos.
Materiales constructivos: ladrillo cocido, sillar almohadillado y aparejo ordinario revestido de mármol. El muro recupera su función sustentante.
En el urbanismo, se llevan a cabo modificaciones parciales para crear espacios racionales y organizados. Destaca el diseño regular de Sforzinda de Filarete.
Quattrocento: Formación y Consolidación
Tipos constructivos:
Palazzos: No son concebidos como fortalezas, sino como estructuras cúbicas en torno a un patio porticado central. Presentan tres plantas separadas por entablamentos o cornisas decoradas. Las fachadas están decoradas con sillares almohadillados y elementos arquitectónicos del mundo clásico. Ejemplo: Palacio Medici-Ricardi de Michelozzo.
Iglesias: Planta basilical o cruz latina (siglo XV) y central (siglo XVI). Reflejan la armonía universal y la belleza ideal.
Hospitales: Disposición en cruz, con las alas de los enfermos en los brazos y la iglesia en el centro.
Loggia: Galería cubierta y abierta que se abre a una plaza pública.
Filippo Brunelleschi: Rompe con la tradición anterior, utilizando el lenguaje de la arquitectura clásica. Sus edificios se distinguen por la sencillez de los elementos decorativos y por la limpieza de líneas.
Cúpula de Santa Maria dei Fiore (Florencia):
Idea un sistema autosustentado que arranca de un tambor octogonal donde se abren óculos.
Dos cúpulas superpuestas: semiesférica (interior) y apuntada (exterior), cuyos empujes se contrarrestan.
Coronada por una linterna.
Iglesias de San Lorenzo y del Santo Espíritu:
Plantas basilicales de tres naves separadas por arcos de medio punto sostenidos por columnas corintias de fuste liso, a las que se añade un entablamento.
Se aprecia la proporción gracias a las relaciones matemáticas entre las partes del edificio.
Un arco de triunfo antecede al altar, donde convergen las líneas de perspectiva.
Capilla Pazzi
Loggia del Hospital de los Inocentes
León Battista Alberti: Sus tratados de arquitectura, escultura y pintura tuvieron una gran influencia en la historia y teoría del arte. Defiende el trabajo intelectual del arquitecto como dibujante del edificio e inventor de maquetas, dejando la ejecución en manos de maestros de obras y albañiles. Su arquitectura se basa en relaciones matemáticas que parten de modelos geométricos.
San Andrés de Mantua:
Fachada inspirada en arcos de triunfo romanos.
Nave única, cubierta con bóveda de cañón y capillas laterales.
Crucero cubierto con cúpula.
Fachada de Santa Maria Novella:
Tras la portada renacentista se esconde un edificio medieval.
Diseñada a partir de un módulo compositivo cuadrado.
Inferior: dos cuadrados separados por una puerta central adintelada bajo un arco de medio punto.
Superior: un cuadrado central.
Aletones: unen el cuerpo superior e inferior, salvando la diferencia de altura entre la nave central y las laterales. Solución arquitectónica exitosa hasta el siglo XVIII.
Palacio Rucellai:
Prototipo de mansión ciudadana renacentista.
Fachada elaborada en tres pisos de órdenes superpuestos.
Crea divisiones verticales formando una retícula de entablamento y pilastras que organizan sin monotonía, rematada por una cornisa.
Cinquecento: Consolidación y Expansión
Características Generales:
Consolidación de las innovaciones anteriores.
El centro artístico se traslada a Roma bajo el papado, que remodela y embellece la ciudad.
La decoración incluye motivos vegetales, grutescos, con influencia de la Domus Aurea.
Tipos constructivos:
Palacios: Influencia del Palacio Farnesio de Roma de Sangallo y Miguel Ángel.
El almohadillado se reduce a la portada.
Pisos separados por franjas decorativas, el principal con ventanas adinteladas con frontones curvos y triangulares, rematados por una cornisa.
Superposición de órdenes como esquema de decoración.
Villas de recreo: A las afueras de las ciudades. Destaca el modelo de Villa Rotonda de Palladio.
Teatros de Vicenza (Palladio) y Bibliotecas Laurenziana (Miguel Ángel).
Donato Bramante: Considerado el nexo entre los dos siglos. Comienza en Urbino, adquiriendo conocimientos de perspectiva, y en Milán, desarrollando el ideario de planta central. Termina en Roma. Es el arquitecto más limpio y depurado, con un marcado sabor clasicista.
Templete de San Pietro in Montorio:
Primer encargo importante en Roma.
Encargado por los Reyes Católicos, iglesia donde San Pedro fue crucificado.
Planta centralizada, tholos.
Elementos y espacios en círculos concéntricos en torno a la cruz.
Períptero, con pórtico dórico con balaustrada.
Cúpula sobre tambor, rematada por una linterna.
Símbolo del estilo clásico renacentista.
Proyecto de la Basílica de San Pedro del Vaticano:
Como consecuencia de ser el encargado de los edificios pontificios.
Diseño de planta central, cruz latina inscrita en un cuadrado con ábsides salientes.
En el espacio central, una cúpula que contrarresta su empuje con cuatro más pequeñas en los ángulos.
Miguel Ángel: Arquitecto, escultor y pintor que inaugura el manierismo, movimiento que rompe con el equilibrio y la serenidad, atento a articular muros y paredes, subdividir superficies en campos independientes tratados con libertad y elementos clásicos con interpretación dramática. Se inicia en Florencia para los Medici y acaba en Roma.
Biblioteca Laurenciana:
Escalera en un espacio muy reducido.
Elementos arquitectónicos decorativos.
Proyecto y cúpula de San Pedro del Vaticano:
Culmina la cúpula a pesar de su rivalidad con Bramante.
Doble estructura sobre tambor.
Columnas enmascaran contrafuertes que se prolongan ópticamente en las nervaduras de la cúpula hasta la linterna, donde se repite la solución del tambor.
Frontones curvos y triangulares en los vanos del tambor.
Ventanales en la cúpula.
Guirnaldas en el tambor.
Plaza del Capitolio:
Ordenación urbanística en torno a Marco Aurelio.
Fachadas de palacios decoradas con orden gigante.
Escultura del Renacimiento
Características Generales
Recuperación de la Antigüedad y la concepción antropocéntrica y humanista: se centra en la representación del ser humano, imita modelos clásicos y sintetiza el naturalismo gótico, dando lugar a un realismo idealizado.
Proporciones: canon de 9-10 cabezas y *contrapposto* como forma de representación.
Bulto redondo y relieve.
Materiales de la Antigüedad y técnicas de talla y fundido, que dan lugar a la perfección.
Temas religiosos y mitológicos, también retratos ecuestres y en busto.
Importancia a los monumentos funerarios y cantorías.
Relieve: tercera dimensión mediante la perspectiva geométrica y las técnicas.
Quattrocento: Evolución y Transición
Evolución al Renacimiento de forma no traumática, con la influencia clásica presente.
Proporciones esbeltas, valorando la línea curva.
Lorenzo Ghiberti: Escultor y orfebre que se inicia con un estilo formal deudor del gótico en las puertas del baptisterio de Florencia.
Puertas del Paraíso:
El cambio en la organización le permite tratar con más amplitud las escenas.
Aplica avances de la pintura respecto a la perspectiva geométrica o lineal.
Schiacciato: Técnica escultórica que permite realizar un bajo relieve con una variación mínima, apenas milímetros, sobre el fondo, dando así ilusión de profundidad.
Dominio de la anatomía.
Complejidad de la composición.
Donatello: Creador del estilo del Renacimiento pleno, influenciado por la cultura clásica, donde el interés se centra en el hombre. Domina la anatomía y el *contrapposto*, estudia las proporciones y acentúa el retrato psicológico. Tuvo varias fases: formación y madurez (Florencia), estancia en Padua y regreso a Florencia con un arte expresivo y nervioso.
David:
Primera etapa en Florencia.
Bronce desnudo sobre la cabeza de Goliat.
Esquema de representación grecorromano: *contrapposto*.
Actitud contenida.
Escaso desarrollo anatómico, importancia de la luz y elección de la edad del personaje: Novedades.
Primer desnudo masculino del arte europeo.
Condottiero Gattamelata:
Estatua ecuestre en bronce inspirada en Marco Aurelio.
Cinquecento: Monumentalidad y Expresión
La delicadeza del *Quattrocento* deja paso a una escultura monumental gracias a descubrimientos arqueológicos.
El relieve plano casi desaparece.
Bulto redondo y tamaño superior al natural.
Miguel Ángel: Se consideraba sobre todo escultor, destacando su habilidad para representar las formas y el espíritu. Su ejecución escultórica se basa en “*per forza di levare*”, utilizando un solo bloque de mármol. El punto de vista único óptimo es el frontal. Aunque su obra es clásica, se permite muchas licencias personales en una dirección expresionista. Los volúmenes son realistas y contundentes, y los gestos y miradas son expresivos y tensos: *terribilità*.
Piedad del Vaticano:
Obra de juventud.
Equilibrio de concepción monumental y acabado refinado.
Destaca la juventud de la Virgen (virginidad eterna) y la perfección anatómica del cuerpo de Jesús.
David:
Se encuentra en la Academia de Florencia.
Desnudo heroico, tensión y mirada agresiva.
Hecha para ser contemplada desde abajo, por ello desproporción en manos y cabeza.
La representación en forma de *contrapposto*.
Tensa la composición al desplazar la acción lejos de la escultura.
Moisés:
Sepulcro inacabado de Julio II.
Influido por el Laocoonte, fuerza espiritual del personaje y formas rotundas y expresivas del helenismo más naturalista.
Sepulcro de la familia Medici:
Figuras sedentes de Giuliano y Lorenzo.
Héroes clásicos con figuras alegóricas que representan la fugacidad y el paso del tiempo.
Figuras expresionistas.
Destaca la musculatura desarrollada (incluidas las mujeres) y los escorzos.
Pintura del Renacimiento
Características Generales
La pintura evoca a la Antigüedad, así el hombre es el centro de la representación, se centra en la anatomía y en la realidad que le rodea, de forma idealizada.
Se reivindica como ciencia, desarrollando la perspectiva lineal, sistema visual de representación para crear profundidad.
Composiciones con armonía, simetría y proporción; cerradas triangulares, equilibrada en volumen y colorido, el dibujo prevalece sobre el color.
Temas religiosos y paganos.
La importancia del individuo da lugar a un nuevo género: el retrato.
Soporte fundamental: tabla que pasará a lienzo; técnica del temple al óleo y en pinturas murales el fresco.
Centros de producción: Florencia (siglo XV) y Roma (siglo XVI).
Quattrocento: Innovación y Experimentación
Primera mitad del siglo: formas monumentales, estudios de perspectiva, sobriedad expresiva y elementos clásicos decorativos (algunos mantienen el gótico).
Segunda mitad del siglo: gusto por lo complicado y rico, dinamismo, narrativo y elementos cotidianos (influencia de la pintura contemporánea).
Fra Angelico: Continuidad del espíritu religioso que reviste con el uso de la perspectiva, elementos decorativos y arquitectónicos clásicos, luz y anatomía.
Anunciación en fresco en el convento de San Marcos de Florencia y en tabla en el Prado:
Mezcla características:
Góticas: dorados, alargamiento curvado de las figuras, gestos elegantes y colores vibrantes.
Renacentistas: perspectiva, arquitecturas clásicas y composiciones simétricas y equilibradas.
Masaccio: Rompe la sensibilidad gótica al incidir en el espacio. En las formas: el color por encima del dibujo, cuerpos escultóricos con desarrollo de pliegues y ropa, en escenarios profundos que captan el ambiente y figuras expresionistas.
Trinidad en Santa Maria la Novella:
Recoge las leyes de la perspectiva matemática.
El Tributo de la Moneda (Frescos de la Capilla Brancacci, Iglesia Santa Maria del Carmine, Florencia):
En una escena, tres momentos diferentes de la misma acción.
Personajes interactuando y en paisajes mínimos, con arquitecturas sobre líneas de perspectiva.
Destaca la sombra que le da corporeidad a los cuerpos.
Piero della Francesca: Trata de armonizar lo científico dando belleza en las formas y uso de la luz como elemento expresivo y simbólico. Los cuerpos se encuentran en un ambiente sin sombras, mágico e irreal pese a la solidez de los personajes. Composición con planos apoyados en la perspectiva. Se formó en Florencia pero también trabajó en Urbino.
Virgen con el Niño, Santos y Federico de Montefeltro:
Tema: la sacra conversación.
Sobre fondo arquitectónico (Alberti).
Pone en práctica sus estudios sobre la luz sobre los objetos, dando mayor plasticidad y volumen.
Importancia del orante, que de rodillas se encuentra en la misma escala y es señalado por el Bautista.
Ausencia de aureolas de santidad.
Obra reverente y cargada de simbolismo.
Madona de Senigallia
Botticelli: Pertenece a la segunda generación y era el pintor favorito del círculo de los Medici.
En su primera etapa:
Pinturas mitológicas de líneas ondulantes.
Composiciones dinámicas.
Contornos precisos.
Obras como: La Primavera, El Nacimiento de Venus.
Como pintor religioso, transmite melancolía en sus últimos años.
Dramático expresionismo al convertirse en seguidor de Savonarola, que condena el Neoplatonismo y a los mecenas.
Cinquecento: Culminación y Crisis
Culminación del Renacimiento y su crisis.
Triunfa el equilibrio, el orden y la grandiosidad.
Formas severas y monumentales.
Roma sustituye a Florencia.
Leonardo da Vinci: El hombre universal del Renacimiento.
Sus principales aportaciones como pintor:
Sfumato: Consiste en difuminar los contornos de las figuras para dar sensación de inmersión en la atmósfera.
Perspectiva aérea: Método que imita el efecto del espacio que hace los objetos más pálidos, azules, nebulosos y menos distinguibles a media y larga distancia.
Busca el equilibrio formal a través de la composición triangular.
Obras destacadas: La Última Cena, La Gioconda, La Virgen de las Rocas.
Rafael Sanzio: Es el que mejor representa la perfección del clasicismo. Asimila aportaciones contemporáneas y da lugar a un estilo nuevo y formal.
Influencias:
Perugino: composición simétrica y modelo humano delicado.
Leonardo: composición triangular y *sfumato*.
Miguel Ángel: grandiosidad monumental.
Da lugar a una pintura preciosista, equilibrada, serena, con dominio de la luz y el color.
Dibuja volúmenes netos, luminosos y dulcificados.
Dan lugar a composiciones claras, simétricas y limpias.
Destaca el uso de la perspectiva y estructuras equilibradas en forma de triángulos.
Destacan los frescos de las estancias vaticanas: La Escuela de Atenas.
Miguel Ángel: Le da importancia al dibujo anatómico y al volumen, despreciando el paisaje. Las figuras son poderosas en movimientos complejos y escorzos.
Obra cumbre: frescos de la Capilla Sixtina.
Canto al cuerpo desnudo.
Acentúa la *terribilità*.
Divide la bóveda con arquitecturas fingidas.
Recuadros: escenas del Génesis y figuras monumentales.
La escena más conocida: La Creación de Adán.
Juicio Final:
Desborda dramatismo.
Manierista: desdén por la claridad compositiva.
Las figuras se enroscan y los músculos se hinchan.
