CC Generales

Fusión de estilos nacionales: Predomina el italiano sobre el francés y se consolida el alemán. Busca expresar sentimientos y emociones: Contrastes –> Dinámica (piano/forte) instrumental (solista/tutti, cuerda/madera/metales) (aria/recitativo). Bajo continuo y melodía acompañante -> texto + ligera, protagonismo de la voz soprano y bajo, vocal intermedia improvisada (bajo cifrado). Rica en ornamentación -> adornos libres. Ritmo mecánico con diseño repetitivo. Predomina la música profana. Permanencia de formas renacentistas (motete/coral/variaciones) nuevas: vocal (ópera/oratorio/cantata) instrumental (sonata/concierto).

Música Vocal Profana

Acentuar el momento dramático, reproducir la tragedia griega, de aquí la ópera (según país) (singspiel…)

Italia

Florencia

Fin del siglo XVI, Camerata Florentina (artistas, literatos, músicos) reviven las tragedias griegas. Jacopo Peri (Eurídice, 1ª ópera) nuevo estilo, música servidora de la palabra y representación -> Rechazo a la polifonía (comprensión del texto), alteración de aria y recitativo, acompañamiento de bajo continuo, libretos (textos para representación en diálogo).

Roma

Origen de la ópera bufa, escenas cómicas entre actos de ópera seria.

Venecia

Medio siglo XVII, centro operístico europeo, Claudio Monteverdi (músico italiano + importante de la época). Perfecciona la ópera, uso del contrapuntismo en madrigales y piezas religiosas. Relevante a partir de la apertura del 1º teatro público (San Casiano).

Nápoles

Transición del siglo XVII al XVIII, nuevo centro operístico europeo. Alessandro Scarlatti, más de 60 obras estrenadas en Nápoles. Gracias a él, la ópera se populariza en Italia y Europa, y la ópera seria se establece como género elegante y sofisticado, repleto de convencionalismos incompatibles con un buen teatro musical. Obertura nada que ver con el drama a representar (intercambiable en conciertos). Libretto basado en escritos clásicos greco-latinos. Temas históricos, mitológicos o épicos. Acción desarrollada en recitativos secos, personajes hablan con acompañamiento en clavecín, se detenía en arias (cantantes emociones y talento vocal) (movimiento y reposo). Aria da capo clave en ópera seria XVIII, A virtuosa, B + simple, A’ repite la 1ª con adornos improvisados. Orquesta sin importancia menos en obertura y algunos recitativos importantes. Ópera bufa -> Reacción en contra de la ópera seria. CC: Compañías + baratas y con – recursos (- cantantes, sin coro, orquesta reducida) / Naturalidad mediante música fácil y ligera, acontecimientos cotidianos, personajes de clase media critican a la aristocracia / elementos de carácter folclórico / voz bajo o bufo fundamental / lengua vernácula (comique francés, zarzuela española, singspiel alemán, ópera balada inglesa) / Pergolesi, Cimarosa, N. Piccini.

Francia

Al principio, reacia a la ópera italiana. Antes de su 1ª ópera (Pomone) otras variedades de música escénica como aires y ballets de corte. En el 3er cuarto del XVII, J.B. Lully, italiano, será dueño de la música francesa, triunfa en la ópera. Colaboró con Molière, nuevo estilo llamado tragedia lírica, adaptado al gusto francés. CC: Crear ópera francesa es difícil por el idioma, Lully logró con melodías que siguen el ritmo y entonación francesa, claridad en el texto / obertura, prólogo y 5 actos / obertura diferente a la italiana, 1 sección lenta, 2 + variada en contrapunto y repetición de la 1 / poéticamente superior a la italiana / arias con música + enfocada a la expresión dramática / importancia de danzas y coros, música y danza (hilo conductor) danza en cada acto -> disputas entre modelo italiano y francés. J.P. Rameau, mayor representante de la 1ª mitad del XVIII, + 30 obras siguiendo el estilo de Lully, novedades como riqueza y audacia armónica, uso penetrante de instrumentos, importancia del aria da capo.

Inglaterra

Antes de la ópera, mascaradas, forma dramática de distracción de la nobleza, parecido a ballet de corte francés. Alterna habla y canto o solo danza, uso de máscaras. Al mezclar estos precedentes con la influencia italiana y francesa, H. Purcell, ópera inglesa -> Dido y Eneas, obra + famosa, mezcla influencias italiana y francesa y añade finura, delicadeza armónica y melódica inglesas. Después de su muerte, compañías italianas de Haendel o Galuppi dominan el panorama inglés, suplantando lo inglés por lo italiano. Haendel, 43 obras, combina severa personalidad alemana, gracia italiana y majestuosidad inglesa, obteniendo con los medios + simples efectos + grandiosos. Sigue la estructura de ópera seria napolitana, huyendo de los convencionalismos. En el 2º cuarto del XVIII, ópera balada como parodia burlesca, personajes (mendigos, prostitutas y ladrones) (La ópera del Mendigo) provocó quiebras en compañías de Haendel.

España

Ópera inicia en el siglo XVII, La selva sin amor (1ª ópera, texto de Lope de Vega, música de Piccini). La Zarzuela, viene de fiestas de la zarzuela, Felipe IV en el Pardo. CC: Carácter cómico, 1 o + actos, en castellano / público cortesano, aristocrático, en torno a palacios reales / temas amorosos, idealizados y pastoriles, personajes dioses mitológicos impulsados por sentimientos humanos (amor, celos…) / influencia de la ópera italiana, aportación de ritmos y melodías españolas, alterna habla y canto y poco recitativo / emplea arias, dúos, coros de 4 voces, canciones estrofas o compuestas por copla y estribillo / incorpora danzas y lenguaje sencillo. Juan Hidalgo, Antonio Literes y Sebastián Durón con textos de Calderón de la Barca o Lope de Vega.

Música Vocal Religiosa

En el siglo XVII coexistirán 2 estilos religiosos: Stile antico o prima prattica (estilo renacentista, polifonía, a capella, hasta mediados de siglo, representado por Palestrina) y Stile concertato, stile moderno o segunda prattica: oberturas, arias, coros y conjuntos instrumentales, influencia de la ópera. Música religiosa litúrgica (destinada al culto, cantata alemana) y no litúrgica (oratorio, basado en motivos religiosos, no destinado al culto).

Italia

Mismos autores (Monteverdi, A. Scarlatti…) Oratorio, género musical + importante en música religiosa. Similar a ópera porque incluye cantantes, orquesta y una historia, sin actuación ni escenografía. Podía empezar con obertura e incluía narrador, cantantes solistas (arias, parte melódica) y recitativos (habladas que avanzaban la historia) + coros y orquesta. Representación del alma y del cuerpo (Emilio Cavalieri) 1er oratorio, coincide en fecha con Eurídice, 1ª ópera, técnica similar. Tipos de oratorio: Latino (textos bíblicos, en latín, para iglesia) y Vulgar (textos libres, en italiano, educativo y moral, aproximación al ambiente popular).

Alemania

Cantata: Oratorio en miniatura, alterna aria y recitativo sobre acompañamiento sencillo en bajo continuo, + tarde con voces e intermedios musicales. Pasión: Diversas transformaciones hasta asimilarse a cantata y oratorio: Surge en la iglesia, se recitaba la pasión de Cristo en viernes santo. XII/XV se cantaba en el estilo del motete. XVII incorpora recitativos para narrador y arias, coros y orquesta para el resto. Finalmente, nace la Pasión Coral, que incluía coros protestantes para momentos de reflexión. XVIII destaca J.S. Bach, adaptó la ópera italiana a necesidades alemanas, producción destacada: 371 corales (melodías simples a 4 voces, ritmo uniforme y tranquilo, estilo homofónico con o sin órgano, fomentan oración) / 300 cantatas aproximadamente (estilo similar al oratorio) / oratorio de Navidad / pasiones (interpretadas en Semana Santa, narrador recitaba el evangelio, solistas y coros cantaban las partes de los personajes y la multitud, intercaladas con corales luteranos expresando dolor ante el sufrimiento de Cristo) / 4 misas protestantes y la misa católica en Si menor.

Francia

Gran motete, reflejaba el estilo lujoso y grandioso de Lully en la corte de Versalles. Acompañamiento orquestal para solistas y varios coros con partes separadas, uniéndose al final creando un gran coro. Campra, Charpentier y Lalande.

Inglaterra

Anthem se convierte en el siglo XVII en cantata para solos y coros con acompañamiento instrumental. J. Blow y H. Purcell. XVIII destaca G.F. Haendel, 32 oratorios en inglés, sobre el molde de ópera seria italiana, introdujo coros como parte fundamental, siendo estos el alma de la pieza.

España

A partir de la 2ª mitad del siglo XVII, debido a la influencia italiana, se introducen los solos acompañados y estilo concertante en la iglesia. Villancico, forma + importante. XVIII destacan Francisco Valls, A. Literes, Antonio Rodríguez de Hita…

Música Instrumental

CC: Interpretada en palacios, casas de nobles, teatros e iglesias, incluyendo solos instrumentales / iguala importancia a la música vocal / finales del siglo XVII surgen conciertos accesibles mediante entrada paga, permitiendo que la burguesía participe en la vida musical / desarrollan formas como sonata a trío, a solo, concierto a solo, concerti grossi y fuga / mantiene formas renacentistas (variación) / la elección de timbres busca provocar emociones, no se deja al azar como en el Renacimiento / desde la escuela veneciana, uso del contraste de grupos instrumentales para sentimientos / voz baja, doblada por instrumentos, gran relevancia en conjuntos instrumentales.

Fuga

Derivada del stile antico, polifónica, 1 movimiento, horizontal, alterna: Exposición (sección + importante, comienza con el tema principal (sujeto) tocado 1 voz, seguido de demás voces de manera sucesiva alternando entre sujeto y su respuesta (versión del tema en tonalidad diferente). 2º tema (contrasujeto) suena junto a la respuesta) y Episodios (utiliza material temático de exposición, con menos densidad contrapuntística). Punto culminante con J.S. Bach.

Suite

Serie de danzas, la + estable consiste en 4 danzas: 1. Alemanda (moderada, ritmo binario, origen alemán) 2. Courante (rápida, metro ternario, origen italiano) 3. Zarabanda (lenta, metro ternario, origen español) 4. Giga (rápida, a veces fugada, origen inglés). A partir del siglo XVII añaden danzas opcionales (gavota, bourrée y minué) puede incluir introducción. Cambio de tempos (variedad), todas las danzas en la misma tonalidad.

Sonata

Origen en adaptaciones instrumentales a obras vocales, 2 tipos, sonata en trío y en solo, ambas con acompañamiento en bajo continuo y en 4 movimientos (lento-rápido-lento-rápido). Dependiendo de su función, Sonata da camera destinada a salones, carácter + ligero, a veces similar a danzas de suite, enfocada en música de cámara. Sonata da Chiesa, carácter + solemne y abstracto, uso en la iglesia, tiende a evolucionar al concierto y sinfonía. Ambas destacan por el virtuosismo instrumental.

Formas Libres

Composiciones sin estructura fija o establecida: forma de variación (bajo ostinato, passacaglia, chacona) / fuga, preludio / tocata y fantasía / coral.

Concierto

Siglo XVII, término genérico para obras que combinaban voces e instrumentos de diferentes timbres. Proviene del italiano concertare, referencia a la lucha entre distintos grupos instrumentales. A finales del XVII, adquiere su forma actual, similar a sonata pero con + instrumentos. CC principal, oposición de timbres e intensidades entre grupo orquestal llamado Tutti y un solista (concierto solístico) o pequeño grupo de solistas, violines (concierto grosso). Pronto distingue entre concierto de cámara y concierto de iglesia.

Estilos y Compositores según País

Italia: Su estilo fue el 1º en definir las reglas de música instrumental, destacan concierto y sonata, protagonismo del violín. A. Corelli: principal obra (tríos, sonatas para violín y continuo, conciertos grossi) influyentes y seguidos por discípulos, su legado se considera “antiguo testamento de música instrumental del XVIII”. A. Vivaldi: + de 500 conciertos, influyendo en muchos músicos (J.S. Bach), generalmente 3 movimientos (rápido-lento-rápido) y alterna solistas y tutti con dinámica en terraza. Rápidos alternan 5 episodios tutti con 3/4 solista, en el lento hay menos episodios. Geminiani, Locatelli, B. Marcelo, Pergolesi y Tartini.

Francia: Desde la 2ª mitad del XVII hasta el XVIII, música desarrollada de forma diferente a la italiana. CC: (expresar estado de ánimo, indicado con 1 palabra al inicio de la pieza) (no siempre interpretan lo mismo que escriben, dificultó comprensión en otros países) (gusto por piezas breves y graciosas, melodías adornadas, para pequeños salones, intercalaban entre movimientos de sonata italiana). Clavecín, instrumento característico. F. Couperin: el grande, de familia de músicos, autor de 4 libros con más de 250 piezas para clavecín, destaca por elegancia y finura musical, mejor ejemplo de estilo galante. Títulos que sugieren impresiones al oyente “el arte de tocar el clavecín” establece principios para tocarlo de forma elegante y correcta. J.P. Rameau destaca como teórico, clavecinista y compositor de óperas.

Alemania: Georg Philipp Telemann: amplio catálogo (óperas, oratorios, cantatas (+1700), misas y +500 obras instrumentales) influencia italiana, orientada a la burguesía ilustrada, ofreció música para tocar en casa (Tafelmusik) mediante venta por suscripción. J.S. Bach: máxima figura del barroco alemán, junto a Haendel culmina la música barroca perfeccionando estilos existentes, virtuoso del órgano, no reconocido en vida. Dominio del contrapunto, extendiendo la polifonía renacentista mediante canon, fuga e imitación. Abarca casi todos los géneros – ópera, destaca órgano, clavecín y música de cámara, compuesta para órgano (preludio y fuga), suites (francesas, inglesas, alemanas). Numerosas sonatas y conciertos, demostrando su avanzado conocimiento sobre polifonía.

Haendel: personalidad clara y reconocible, fusiona estilos de diferentes países. Nació en Sajonia, aprendió tradiciones musicales alemanas, se fue a Italia y aprendió su estilo, finalmente Londres. Destaca por brillantez, teatralidad y majestuosidad, efectos con recursos sencillos y adaptados al gusto del público. Música instrumental, estilo preferido, suite y concierto grosso. Obras + destacadas, conciertos para orquesta o para órgano y orquesta, sonatas, tríos y suites para orquesta y clavecín. Música acuática y música para los reales fuegos artificiales.

España: En el siglo XVII, la música para vihuela decae. El órgano sigue siendo importante, creció el repertorio para guitarra en España e Italia. Estilo polifónico punteado se reemplaza por rasgueo en acordes y arpegios. Música para guitarra limitada en preludios, danzas y suites. Juan Carlos Amat, Juan Luis Broceño y Gaspar Sanz. En la 1ª mitad del XVIII: Domenico Scarlatti: figura clave del clavecinismo europeo, 30 años en España. Ejercicios (obra principal) compuesta por sonatas breves para clave, 1 movimiento, introduce virtuosismo innovador con cruzamiento de manos, arpegios… Fusión de elegancia y transparencia italiana con carácter hispano de ritmos vivos, adornos melódicos ibéricos y experimentaciones armónicas. P. Soler: autor del tratado “La llave de la modulación” con 80 sonatas para clavecín, influenciado por Scarlatti, 1 movimiento con 2 secciones pero carácter folclórico español aún + marcado.

Instrumentos

Clavecín (fundamental en música de cámara como bajo continuo, después con poder solista). Piano (nació en 1709, Cristofori, reemplazó cañones de puma del clave por macillos, permitiendo variación en intensidad (piano-forte), no se popularizó hasta fin del XVIII, Bach lo probó, no impresionado). Órgano (esencial en música eclesiástica). Violines (gran perfección con luthiers italianos como Amati, Guarneri y Stradivari, sus instrumentos siguen siendo insuperables). Orquesta: predominan cuerdas, acompañadas por clavecín (bajo continuo) según necesidad, oboes, fagotes, clarinetes, flautas, trompetas, trompas y timbales. “O músicos con Bach y 32 con Haendel”. Instrumentos de viento mejoraron con la adición de llaves, desde Vivaldi se generalizó el uso de trompetas y trompas naturales con tubos intercambiables.

Danza

Durante el reinado de Luis XIII, danzas + populares: bourrée, courante, chacona, giga, minué, paspié y pasacalle, destaca el minué por su desarrollo. Las reverencias eran fundamentales, antes, durante y después del baile.

Ballets de Corte

Surgieron a finales del siglo XVI, para celebrar eventos de la realeza en amplios salones, público desde todos los ángulos, apareció el escenario elevado, cambiando la forma de percibir el espectáculo, esto llevó a:

• Reducción del espacio de baile, limitando movimientos horizontales / énfasis en saltos y elevaciones, creando la danza de la elevación.
• Primeros bailarines profesionales, destaca el solista sobre el cuerpo de baile.
• El nuevo espacio escénico impulsó avances en la tramoya: telón para separar escenario y sala / cambios de decorado con bastidores deslizantes y plataformas giratorias / implementación de trampillas (escotillones) y efectos como fuego y agua.
• Vestuario, papel expresivo crucial, trajes simbólicos llenos de accesorios. Hombres (tonnelet) con pantalones cortos, facilitando el movimiento. Mujeres con mayor limitación por pesadas ropas y tacones.

Durante Luis XIV, el ballet de corte alcanzó su fase final. Caracterizado por esplendor, mayor coherencia dramática, máscaras y fuerte papel político en la consolidación de la monarquía absoluta. Luis XIV, apasionado y talentoso bailarín, fomentó la danza aristocrática (belle danse) promoviendo su desarrollo con la fundación de instituciones clave: Academia Real de Danza (creada para regular y profesionalizar la danza, codificó pasos, aprobó nuevas danzas y formó a los primeros bailarines profesionales) y Academia Real de Música (creada para impulsar la ópera en Francia, incluyó desde el inicio un cuerpo de ballet permanente, asegurando empleo y salario fijo).

Nuevos géneros debidos a la integración de la danza en la ópera italiana: Comedia ballet (creada por Molière, intercalando escenas cantadas y bailadas en la comedia), Tragicomedia ballet (combinando elementos cómicos y dramáticos), Ópera francesa o tragedia ballet (J.B. Lully fusionó tragedia y danza en un género autóctono) y Ópera ballet (priorizando la danza sobre el canto, dándole un rol narrativo en la acción).