La Arquitectura Barroca: Rasgos Generales

La arquitectura barroca se desarrolló entre los siglos XVII y XVIII con un fuerte sentido escenográfico e integrador dentro del espacio urbano. Su objetivo era generar un impacto visual y emocional, estableciendo las bases del urbanismo moderno. Roma se convirtió en el epicentro de estas innovaciones, donde los arquitectos diseñaron plazas y avenidas donde destacan los edificios religiosos y palaciegos, muchas veces situados sobre escalinatas para potenciar su visibilidad.

Desde el punto de vista arquitectónico, el Barroco partió del modelo clásico pero lo transformó, creando espacios dinámicos y envolventes. Los muros y fachadas adquieren formas onduladas, con juegos de luces y sombras, mientras que los elementos arquitectónicos tradicionales (columnas, frontones y entablamentos) rompieron con la rigidez renacentista y se volvieron más escultóricos. Las plantas dejaron de ser estáticas y adoptaron formas elípticas o curvas, favoreciendo múltiples perspectivas y efectos luminosos.

Gian Lorenzo Bernini y sus Obras

Uno de los máximos exponentes de la arquitectura barroca fue Gian Lorenzo Bernini (1598-1680), quien trabajó bajo el mecenazgo de los papas, fusionando arquitectura y escultura en sus obras.

• Baldaquino de San Pedro (1624): Construido sobre la tumba del apóstol en la basílica del Vaticano, este baldaquino monumental de bronce incorpora columnas salomónicas y una estructura que recuerda un palio bordado, evocando la tradición paleocristiana con un dramatismo renovado.
• Plaza de San Pedro (1657): Diseñó una inmensa columnata de forma elíptica que simboliza el abrazo de la Iglesia a los fieles. La disposición de sus columnas dóricas crea un juego visual dinámico, permitiendo una experiencia espacial cambiante según la perspectiva.
• San Andrés del Quirinal (1658): Su fachada clásica se integra con el entorno urbano mediante el uso de curvas, creando una sensación de movimiento y continuidad visual.
• Palacio Barberini: Realizado junto a Borromini y Cortona, estableció un modelo de villa suburbana con una estructura monumental pero integrada en el paisaje urbano.
• Palacio Chigi-Odescalchi: Introdujo el prototipo de palacio barroco con una fachada monumental, rematada por una balaustrada decorada con esculturas.

El Barroco en España

La arquitectura barroca española evolucionó a lo largo de los siglos XVII y XVIII. Durante el siglo anterior, Madrid se consolidó como centro de poder, desarrollando un estilo arquitectónico derivado de El Escorial, conocido como herreriano (por Juan de Herrera). Este estilo se caracterizaba por su sobriedad, volúmenes macizos, escasa ornamentación y un orden riguroso en la disposición de los elementos.

A mediados del siglo XVII, los arquitectos comenzaron a apartarse del herrerianismo e incorporaron mayor decoración y efectos lumínicos. A finales del siglo XVII y durante el siglo XVIII, el barroco español alcanzó su máximo esplendor, destacando las fachadas ricamente decoradas con columnas salomónicas, estípites y elementos inspirados en la orfebrería. Con la llegada de los Borbones en 1714, se impuso un estilo más clasicista y monumental inspirado en la arquitectura francesa, como se aprecia en el Palacio Real de Madrid, diseñado por Filippo Juvara y Giovanni B. Sachetti.

El Barroco en Francia

En Francia, el desarrollo del Barroco estuvo ligado al fortalecimiento del absolutismo y la consolidación de un lenguaje arquitectónico oficial tras la creación de la Academia de Arquitectura. Este estilo se caracterizó por el uso de órdenes clásicos, ritmo regular de elementos y fachadas planas con estrictos esquemas geométricos. La obra cumbre del barroco francés fue el Palacio de Versalles (1661-1756), diseñado por Louis Le Vau y J.H. Mansart, bajo la supervisión de Luis XIV. Este palacio simbolizaba el poder absoluto del monarca y se convirtió en el modelo de las residencias reales en toda Europa.

La Escultura Barroca: Rasgos Generales

La escultura barroca italiana evolucionó a partir del Renacimiento, adoptando un estilo persuasivo y espectacular. Fue concebida para ser vista desde múltiples ángulos, con composiciones abiertas, dinámicas y en movimiento. Sus temas incluyen mitología, religión y retratos con un dramatismo que genera una fuerte reacción emocional en el espectador.

Los escultores emplearon diversos materiales según la región: en Italia predominaba el mármol con alabastro y bronce, mientras que en España la madera policromada fue el material principal, incorporando elementos postizos para mayor realismo. La arquitectura y la escultura se integraron, reforzando la unidad de las artes característica del Barroco.

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)

Bernini fue el escultor más destacado del Barroco, combinando magistralmente escultura, arquitectura y pintura. En su juventud, se inspiró en Miguel Ángel y el Manierismo con obras como Rapto de Perséfone (1621-1622) y Eneas, Anquises y Ascanio (1618-1619). Más tarde, captó momentos de gran dramatismo con obras como Apolo y Dafne (1622-1625) y David (1623-1624). En escultura religiosa, destacó con San Longinos y Éxtasis de Santa Teresa (1647-1652), donde el movimiento y los pliegues de los mantos transmiten una emoción intensa. También diseñó fuentes y monumentos como Tritón (1642-1643) y el Obelisco del Elefante (1667), además de retratos y sepulcros papales. Su obra estuvo influenciada por el mundo clásico, como el Laocoonte y sus hijos y el Torso Belvedere.

Escultura Barroca en España y Francia

En España, la escultura religiosa de madera policromada tuvo gran relevancia debido a la influencia de la Iglesia y la Contrarreforma. Se crearon retablos, pasos de Semana Santa y esculturas de gran realismo con postizos para intensificar su efecto emocional. Destacan escultores como Martínez Montañés, Gregorio Fernández y Alonso Cano. En Francia, la escultura barroca tuvo un carácter cortesano, destacando artistas como Girardon y Coysevox en la decoración de Versalles bajo Luis XIV.

Escultura Rococó

En el siglo XVIII, la escultura rococó se desarrolló en Europa Central, utilizando materiales novedosos como plomo imitando bronce y madera marmoleada. Se realizaron grandes grupos escultóricos para jardines y palacios, además de piezas más pequeñas, relieves y retratos de medio busto.

La Pintura Barroca: Características Principales

La pintura barroca, originada en Italia a fines del siglo XVI, se caracteriza por el realismo y el dramatismo. Se apoya en la pintura al óleo sobre lienzo, que permite efectos de color y brillo acordes con la estética espectacular del Barroco. Se prioriza la representación de la realidad, con temas que varían entre lo religioso, mitológico y lo cotidiano.

En cuanto a las composiciones, se destaca el uso de la perspectiva, el primer plano, el dramatismo de la luz y sombra (tenebrismo), y la representación del movimiento y las figuras expresivas. También se promueven temas de exaltación del poder político y temas religiosos, con especial énfasis en la representación emocional de figuras santas, y en la vida cotidiana, como bodegones, paisajes y escenas costumbristas.

En cuanto a las tendencias pictóricas, se definen dos grandes corrientes:

• El naturalismo: caracterizado por la representación cruda y realista de la vida.
• El clasicismo: que conserva ideales de belleza clásica mientras busca representar la realidad.

Caravaggio, figura central del naturalismo, destaca por su dramatismo, el uso de fondos oscuros y la iluminación teatral (tenebrismo) que resalta las figuras de forma escultórica. Sus obras de temática religiosa, como La Conversión de San Pablo y La Crucifixión de San Pedro, mostraban a los santos de manera muy humana, lo que generó gran controversia.

Por otro lado, Rubens, el pintor flamenco más destacado del Barroco, se caracteriza por composiciones llenas de color y vitalidad, basadas en la pintura italiana, pero con un estilo más dinámico y exuberante.

En los Países Bajos, el auge económico llevó a un fuerte mercado de arte para la burguesía, con un foco en retratos, bodegones y escenas costumbristas, destacándose figuras como Frans Hals, Rembrandt y Vermeer.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660)

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez fue una figura clave en el foco artístico madrileño del siglo XVII. Formado en Sevilla con Francisco Pacheco, se inclinó hacia el naturalismo italiano, reflejado en obras tempranas como Vieja friendo huevos y El aguador de Sevilla, caracterizadas por su realismo y paleta reducida.

En 1623, el Conde-Duque de Olivares lo llevó a la corte, donde se convirtió en pintor del rey Felipe IV. Allí estudió la obra veneciana y la técnica de Rubens, desarrollando un estilo sobrio y preciso en retratos de la realeza. Entre 1629 y 1631 viajó a Italia, donde perfeccionó su técnica con pincelada suelta y efectos de luz y volumen, como se aprecia en La fragua de Vulcano.

Durante su estancia en la corte, participó en la decoración del Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, destacando La rendición de Breda y retratos ecuestres. También realizó retratos de bufones y cazadores, explorando la humanidad de sus personajes y aplicando fondos luminosos.

En su última etapa (1649-1660), creó obras maestras como Las Meninas, La Venus del espejo y Las hilanderas, donde logró efectos de movimiento y atmósfera mediante pinceladas ligeras y tonos grises, enriqueciendo sus composiciones con elementos simbólicos y poéticos.

En resumen, la pintura barroca se caracteriza por su realismo, dramatismo, y el uso de la luz y el color para generar una experiencia visual intensa. Los artistas de la época, como Caravaggio y Velázquez, se alejaron de la rigidez y la idealización del Renacimiento para retratar la humanidad y los elementos cotidianos con gran detalle y emoción.