Arquitectura Barroca Italiana

Iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane

Autor: Borromini. Estilo: Arquitectura barroca italiana del siglo XVII. Insertada en la trama urbana, su planta es ovalada. El interior está decorado con casetones variados. La fachada se divide en dos tramos, unificados por columnas gigantes y elementos como nichos con esculturas y un medallón superior. El entablamento inferior es continuo, mientras que el superior está segmentado por el medallón oval. Se emplean al máximo los recursos expresivos del barroco, con un sentido móvil y ondulante gracias al uso continuo de la curva y la sucesión de entrantes y salientes. La luz actúa de forma desigual, creando un efecto de claroscuro tridimensional. El dinamismo es ascendente, y la obra presenta un compendio de ritmos ondulantes y ascendentes, con un sentido ornamental recargado. Elementos clásicos alterados (entablamentos curvos, columnas alargadas) se integran con esculturas y pintura, creando un efecto escenográfico que busca impactar emocionalmente al espectador.

Escultura Barroca Italiana

David

Autor: Bernini. Estilo: Escultura barroca italiana del siglo XVII. Representación del tema bíblico, previamente abordado por otros autores renacentistas como Verrocchio, Donatello y Miguel Ángel. A diferencia del modelo sereno de Donatello y la tensión de Miguel Ángel, el David de Bernini desborda tensión y movimiento. El cuerpo aparece girado, con la boca contraída y el ceño fruncido, denotando esfuerzo físico y mental. Marca el instante fugaz, el momento preciso donde se intuye la presencia del gigante. El tratamiento formal es característico de la estética barroca, con un sentido móvil y pasional. La composición en diagonal y la multiplicidad de puntos de vista destacan, así como el desequilibrio del personaje y la línea abierta de brazos y piernas. El rostro muestra un especial sentido expresivo y emocional, representando el máximo esfuerzo. El alto grado de detalle en músculos, venas y tendones, junto con el suave modelado de la piel, crea una imagen realista y bella, característica del realismo expresivo-dramático de la estatuaria barroca.

Escultura Barroca Española

Cristo de la Clemencia

Autor: Martínez Montañés. Estilo: Escultura barroca española, imaginería del siglo XVII, escuela andaluza. Representación característica de la imaginería barroca española, la crucifixión impone un modelo realista, dramático y expresivo que busca conmover al espectador con una pretensión de convencimiento religioso. La obra está concebida para conectar con el espectador y adquiere una marcada orientación popular. A pesar de ser una crucifixión, el rostro manifiesta una serenidad casi clásica, suavizando el sentido dramático propio de la escuela. Los personajes expresan sentimientos dramáticos (dolor, angustia, ansiedad), típicos de la estatuaria religiosa de la Contrarreforma católica. Este sentido pasional potencia el misticismo. El realismo dramático y expresivo se potencia con la policromía, que muestra un cuerpo pálido y sangrante próximo a la muerte. La teatralidad busca reclamar la atención del espectador para lograr el convencimiento religioso. El avance técnico es una continuidad del Renacimiento, con un perfecto acabado y atención a los detalles, abandonando el ideal de belleza clásica. Se incluyen defectos físicos como rasgos de fealdad o arrugas de vejez. Esta escuela se diferencia de la castellana por su carácter menos dramático.

Pintura Barroca Italiana

Entierro de Cristo

Autor: Caravaggio. Estilo: Pintura barroca italiana del siglo XVII. Representación del tema religioso cristiano desde la perspectiva de la iglesia y la ideología contrarreformista. La escena religiosa se presenta con un sentido pasional y un realismo dramático y expresivo propio de la estética barroca. Se abandona la idealización renacentista y se impone el realismo. Caravaggio fue un gran innovador, utilizando modelos de la vida real y buscando una conexión con el espectador. La iglesia de la época es su principal cliente, buscando que los fieles no duden ante una visión religiosa concreta. El tratamiento luminoso es esencial, con una iluminación tenebrista que crea un gran contraste lumínico. La luz incide en la imagen principal, concentrando la atención del espectador en la escena y el centro de la composición. Se pierde la referencia del fondo, y se impone el predominio del color. Los perfiles se difuminan y aparecen contrastes violentos. La pose y el gesto teatral potencian el ambiente dramático. La composición circular de personajes entorno al cuerpo de Cristo establece líneas diagonales asociadas a la sensación de desequilibrio.

Pintura Barroca Holandesa

La Ronda de Noche

Autor: Rembrandt. Estilo: Pintura barroca en los Países Bajos, escuela holandesa del siglo XVII. La escuela holandesa tiene características propias debido al contexto de la república protestante con desarrollo económico y social capitalista y burgués. La pintura tiene un especial desarrollo, con el abandono de la temática religiosa y la imposición de temas cotidianos, retratos y escenas familiares. Hay un gran dominio de la luz y el color. El tema de esta obra es el momento en que un grupo de alguaciles se prepara para iniciar su ronda cotidiana. Es un retrato colectivo que supera la posición estática de los personajes, capturando el instante preciso como una fotografía. El dinamismo se potencia con la variedad de poses y gestos. La luz es la gran protagonista, con un foco que ilumina las partes principales y deja el resto en penumbra, creando un efecto tenebrista. La luz emana de cada personaje, dándoles un aire irreal e inquietante. El color es vibrante en función de la luz. Rembrandt, junto a Velázquez, son iniciadores de la pincelada suelta y pastosa. El dibujo no existe y los perfiles se disuelven en la luz y el color.

Pintura Barroca Flamenca

Las Tres Gracias

Autor: Rubens. Estilo: Pintura barroca en los Países Bajos, Flandes (pintura barroca flamenca) del siglo XVII. Obra característica de la escuela flamenca, con una visión optimista en el tratamiento de temas, formas exuberantes, predominio de escenas costumbristas e importancia del bodegón. El tema muestra la influencia de la cultura clásica y la pintura renacentista en Rubens. Representa su modelo de belleza, con formas exuberantes y sensuales. Rubens recupera el desnudo. La composición es clásica, con una armonía en el grupo de tres mujeres entrelazadas en una simetría perfecta, formando una composición elíptica. La luminosidad es intensa y uniforme, con una sensación inmaterial dada por las luces doradas que rodean a las figuras. El color está determinado por la luz, y el dibujo desaparece en beneficio de la luz y el color. La pincelada es suelta. El movimiento concedido por las figuras muestra el instante preciso de ejecutar una danza. El paisaje se representa en el exterior, y la guirnalda de flores en el ángulo superior derecho hace la función de bodegón incorporado.

Pintura Barroca Española

Las Meninas

Autor: Velázquez. Estilo: Pintura barroca española del siglo XVII. Representación de una escena de corte con un marcado sentido informal y una extraordinaria originalidad en la composición. El centro de la composición lo ocupa la infanta Margarita, acompañada de sus damas de compañía. En el lado izquierdo, el artista se autorretrata pintando a los reyes, que se reflejan en el espejo del fondo. Un personaje en la puerta ayuda a dar profundidad a la obra. La escena está representada desde el punto de vista de los reyes, siendo retratados y no vistos por el espectador. Es una obra maestra en el tratamiento de la perspectiva aérea, captando la atmósfera de un espacio interior. Los personajes situados en diferentes planos de profundidad dan una sensación de espacialidad. La luz potencia esta sensación espacial, con un suave foco que ilumina a los personajes principales y deja el resto en penumbra, creando una iluminación tenebrista atenuada. El color existe en función de la luz, y el dibujo desaparece. La pincelada es suelta, a base de manchas de color, y los perfiles se disuelven en la atmósfera de luces y sombras.