Arte Barroco

Arquitectura Barroca

Fontana di Trevi: El telón de fondo de la fuente es el Palacio Poli, al que da una nueva fachada con un orden gigante de pilastras corintias que enlazan las dos plantas. Domando las aguas es el tema del gigantesco proyecto que se extiende hacia delante, mezclando agua y roca tallada, hasta llenar la pequeña plaza. Dos tritones guían la carroza en forma de concha de Neptuno, domando sendos caballos de mar. En el centro está sobrepuesto un arco del triunfo robustamente modelado. El nicho o exedra central enmarcando a Neptuno tiene columnas exentas para mejores luces y sombras. En los nichos flanqueando a Neptuno, Abundancia vierte agua de su urna y Salubridad sostiene una copa de la que bebe una serpiente. Encima, unos bajorrelieves ilustran el origen romano de los acueductos. Los tritones y caballos proporcionan un equilibrio simétrico, con el máximo contraste en su pose y disposición.

Siglos XVII-XVIII:

• Edificios: Uso de formas cóncavas y convexas en las fachadas, perspectivas, colocación de elementos que produjeran resaltes y hundimientos, efectos de claroscuros y relieve (la incurvación de entablamientos, ruptura de frontones y columnas retorcidas en forma helicoidal (columnas salomónicas).
• Gusto por formas curvas en plantas, paredes y esquinas generando sensación de movimiento, efectos de claroscuro y juegos de perspectiva.
• Decoración creada con la luz, contrastes entre zonas oscuras y luminosas.
• Bóvedas: Pinturas con efectos de trampantojo (engaño para que parezca que desaparece el techo). Ej: Versalles, San Pedro en el Vaticano (s. XVII), Bernini.

Escultura Barroca en Italia

Exaltación del poder: movimiento, curvas, efectos de claroscuro.

Bernini (s. XVII):

• David: Bernini introduce emoción y dinamismo. El cuerpo de la figura se muestra en el instante en que se dispone a tirar la piedra. La figura está en tensión, el movimiento y la potencia están explícitos. Compositivamente, las líneas principales son diagonales y helicoidales, que aportan un inusual dinamismo a la figura. La figura posee las cualidades barrocas de diversidad de puntos de vista que puede adoptar el espectador y los juegos lumínicos que acentúan el claroscuro de sus paños. La mirada del personaje y la línea de dirección de la honda describen una línea diagonal ascendente muy propia del Barroco.
• Apolo y Dafne
• Éxtasis de Santa Teresa

Pintura Barroca

Naturalismo y realidad. Luz utilizada para definir los volúmenes y representar el espacio o la atmósfera, creando profundidad por el tratamiento del color, influido por la pintura veneciana con colores cálidos, fogosidad y apasionamiento barroco. Pincelada suelta, contornos poco definidos, figuras hundidas en el ambiente, composición en línea diagonal, inestabilidad que propicia el movimiento.

Caravaggio (finales s. XVI – principios s. XVII):

• El ángel y San Mateo: Planos de luz y sombra contrastados, efecto de claroscuro, figuras con volúmenes definidos por la luz (tenebrismo), personajes humanos y naturalismo.

Rubens:

• Las tres Gracias: Color vivo de raíz veneciana, movimiento, vitalidad, diagonal, ampulosidad de las figuras (masculinas: musculosas, piel morena; femeninas: gruesas, sensuales, de piel clara y cabello rubio), pincelada suelta, colorido brillante (contraste), escorzos y color.

Pintura Holandesa:

• Rembrandt
• Jan Vermeer de Delft

Arquitectura: Bernini, Borromini.

Arte Renacentista

Pintura Veneciana (s. XVI)

La pintura del Cinquecento dio continuidad a la del Quattrocento: sensación de bienestar y calidez, mundo alegre enmarcado en escenas lujosas, atmósfera luminosa y llena de color. Luz y color: elementos más importantes. Técnicas: pincelada suelta, sfumato (técnica que consiste en suavizar o difuminar los contornos de las figuras que se pintan mediante sombras y colores). Introdujo un tipo de desnudo femenino delicado y sensual: un nuevo erotismo. Se desarrolla una gran pintura en tabla y en óleo, siempre sobre un esbozo. Paisaje interior y exterior idealizados, colores cálidos.

Giorgione (1478-1510): Transición entre el Quattrocento y el nuevo siglo. Técnica suelta y desenfadada, sfumato, luz y color que le llevaron a la perspectiva aérea. Aplica color directamente sobre la tabla o lienzo, consiguiendo frescura y espontaneidad. Temática: diosa Venus recostada, figuras desnudas de apariencia mitológica o mezcladas con otras vestidas, sin tema concreto. Obras: Concierto campestre, La tempestad, Venus dormida (paisaje).

Tiziano Vecellio (1487-1576): Estilo personal, pincelada totalmente suelta, casi abocetada, marcada modernidad, pinceles y dedos. Tres géneros: obras religiosas (Virgen del Pesaro, Coronación de espinas), retratos (Carlos V en la batalla de Mühlberg) y obras mitológicas (desnudos femeninos bañados por una luz suave que modela los cuerpos y los envuelve en un escenario misterioso: Danae recibiendo la lluvia de oro, Venus y Adonis, Venus de Urbino, Entierro de Cristo).

Veronés (Paolo Caliari): En su obra de madurez (segunda mitad del s. XVI) aparecen el lujo y el esplendor de Venecia, amplios escenarios con arquitectura inspirada en Palladio. En su etapa avanzada refleja paisajes naturales con mayor tratamiento de la luz y el color. Temas por lo general religiosos con múltiples personajes; el motivo religioso queda diluido y se aprecia la representación de un acontecimiento. Rico colorido: tonos fríos y claros: gris, plata, azul, amarillo. Obras: Las bodas de Caná, Venus y Adonis.

Tintoretto: El más veneciano de todos. Gusto por la luz y el color, rasgos manieristas: juego de sorprender, fantasías y contrastes, expresividad, fuerza del volumen, posturas forzadas, contrastes de luz y sombra, composiciones diagonales en espacios de gran fondo creando perspectivas y escorzos artificiales. Pinturas en muros y techos, escenas bíblicas. Obra: El lavatorio.

Pintura Renacentista Española (último tercio del s. XVI)

Corresponde a la pintura renacentista española el último tercio del siglo XVI, ya en la estética manierista.

El Greco (s. XVI): Cánones alargados, rico colorido, gran expresividad. Temática variada, predominio de los temas religiosos, retratos, paisajes. Uso de la luz y del color: gamas frías, azules, verdes, amarillos (influencia veneciana). Técnica: pincelada suelta. Las personas no pesan, sino que flotan en el espacio. Dos zonas: mundo terrenal (gran sobriedad con el tema de la muerte) y parte superior, lo celestial (figuras alargadas, estilizadas, con posturas retorcidas, envueltas en una fuerte luminosidad y colorido (rico programa iconográfico). Influencia de la estética manierista por el alargamiento de las figuras, la figura serpentinata, la luz irreal y el refinamiento. A pesar de estas influencias, la obra corresponde al estilo muy personal de El Greco: espiritualidad.

Arquitectura Renacentista

Monumentalidad, carácter sobrio, simetría, superposición de órdenes, remate con frontón clásico.

El Escorial: San Juan Bautista de Toledo (estilo herreriano), motivos ornamentales: pirámides, esferas pétreas.