Miguel Ángel: Escultura y Pintura

Escultura

El David

Miguel Ángel realizó el David (1501-1504), una escultura renacentista de mármol, actualmente en la Galleria dell’Accademia de Florencia. Su éxito fue rotundo, convirtiéndose en símbolo político de la fuerza republicana florentina. Rompe con la tradición al representar a David como un joven musculoso, antes de la batalla con Goliat, mostrando virtudes cívicas como la fortaleza.

• Cabeza: Girada hacia la derecha, ofreciendo un perfil al espectador, con una expresión intensa de vida.
• Postura: Pierna izquierda doblada, en movimiento; la derecha tensa, creando tensión en el torso.
• Influencia: Su expresividad manierista influyó en numerosas obras posteriores.

La Piedad

Encargada por el cardenal Jean Bilhères de Lagraulas (1498-1499), la Piedad, ubicada en la Basílica de San Pedro, es la única escultura firmada por Miguel Ángel. Representa a una joven Virgen María con el cuerpo de Cristo en sus brazos, simbolizando la belleza ideal y la serenidad. Su composición piramidal y la precisión anatómica son notables.

• Tema: Religioso, basado en la literatura mística del siglo XV.
• Influencia: Preludia el Manierismo, influyendo en obras como el Entierro de Cristo de Caravaggio.

Sepulcro de Julio II

. Una vez terminado el David Miguel Ángel realiza un sepulcro grandioso de tres pisos en forma piramidal para el papa Julio II, en el que trataba de armonizar la fama temporal del alma del Papa. Este posee una base una planta intermedia que contiene relieves con las hazañas del Papa y cuatro grandes imágenes en las esquinas siendo estas Moisés, San Pablo, La Vida Activa y la Vida Contemplativa. Luego, en la base, Victorias flanqueadas por esclavos, y en lo más alto, aparece Julio II sentado en una silla sostenida por dos ángeles, uno sonriendo de alegría pq el Papa está en el cielo, y el otro llorando pq semejante hombre haya abandonado el mundo. No obstante, el proyecto tuvo problemas debido a la oposición de Bramante ya que no veía correcto construir un sepulcro en vida, por lo que trató de convencer a Julio II sobre tal inconveniencia. Por tanto el resultado fue de 47 estatuas previstas, solo se realizaron 8 los dos Esclavos del Louvre, los cuatro de la Academia de Florencia, la Victoria del Palazzo Vecchio y el Moisés, la única que se conserva. Sin embargo, se pueden observar la potencia gramática de sus obras y el inacabado, aspectos importantes del escultórico de Miguel Ángel. A partir de 1550, solo se dedica a realizar variaciones de la Piedad la de la Catedral de Florencia, la Piedad Palestrina en la Galería de la Academia en Florencia, y en Milán la Piedad Rondanini.

A principios del s.XVI Florencia pasa a ser la capital del arte y cultura, dando paso al “Renacimiento clásico”, siendo así la época de los grande artistas como Miguel Ángel, de la aparición del capitalismo, de reformas religiosas y descubrimientos geográficos. Más adelante en 1503 durante el papado de Julio II, un gran mecenas del arte que inició la construcción de San Pedro del Vaticano, encargado de mandar a decorar la Capilla Sixtina y un papa militar aficionado a la guerra y partidario de los Estado Pontificios, tenía del deseo de colocar Roma como caput mundi. Más adelante el sucesor de Julio II será León X, quien realizó otro tipo de descubrimientos como la Domus Aurea de Nerón en la que se encontraron galerías enterradas, y sus pasillos denominados como grutas y para las pinturas grutescos serán de gran influencia para Rafael Sanzio al realizar Loggias vaticanas. No obstante, en 1527 Roma de ser el centro artístico debido a los acontecimientos sucedidos como la reforma protestante, el saqueo en la ciudad realizado por las tropas del Sacro Imperio Germanico y el alto dominio español en Italia. Debido a estos acontecimientos muchos artistas caen en la imitación de una manera exagerada de los grandes artistas, nombrando a esto como Manierismo.  PINTURA Dada su estancia en un hospital manejara un dominio por la representación del cuerpo humano, por tanto su primera obra relevante la realizó en 1504 en ella se aprecia de fondo unos cuerpos desnudos, que mientras se bañan en un río son atacados por los enemigos, y en el centro a la Virgen teniendo el niño San José en una escorzo exagerado, y fue un encargo de Agnolo Doni. Estas mismas formas se pueden apreciar en el cartón de La Batalla de Cáscina, un episodio militar en el que los florentinos vencieron a los pisanos, para decorar al fresco una de las paredes del Salón de plenos del palacio Público, sin embargo este fresco no se terminó pero ha sido de gran influencia.  Como segunda obra maestra será la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina, en la que dibujó más de 300 figuras que mostraban la creación. En la parte de arriba pintó a los antepasados de Cristo, y sobre ellos pintó a los profetas y a la sibilas, mientras que en la parte central pintó 9 escenas del génesis. Además, en el Altar Mayor, pintó un Juicio Final convirtiéndose en una de las obras más hermosas, en la que Cristo divide a los elegidos que van al cielo y a los pecadores que se dirigen al infierno, donde los espera Caronte con su barca. Como última pintura serán dos obras murales, la Conversión de San Juan y el Martirio de San Pedro, en la Capilla Paolina a petición del Papa Paulo III. 

GRECO famoso por su estilo distintivo con figuras alargadas, se formó en Creta pintando iconos religiosos bajo la tradición bizantina. A los 27 años, se trasladó a Venecia, donde se inspiró en los colores de Tiziano y las elegantes figuras de Tintoretto. Su estancia en Roma le proporcionó un dibujo depurado influenciado por Miguel Ángel. La fusión de estas tradiciones, el color veneciano y el diseño romano, dejó una marca significativa en su obra. Al llegar a España, El Greco buscaba participar en la decoración de El Escorial. Según Lafuente Ferrari, su carta de presentación para trabajar en el monasterio de San Lorenzo podría haber sido el cuadro “Alegoría de la Santa Liga”, conmemorando la victoria sobre los turcos en la batalla de Lepanto. A pesar de su estilo único, la pintura de El Greco sigue siendo apreciada por el público y los expertos. En 1557 el Cabildo de la Catedral le encarga el expolio de Cristo, que será la primera obra en la ciudad castellana, esta se caracteriza por la forma que usa el dibujo y del color, en el que en general es intenso, predomina claramente el rojo de la túnica. En cuanto a su inspiración, es literaria del tema de las Meditaciones de la Pasión, en cuya narración incluía a la tres Marías y a Cristo con las manos atadas con una soga. No obstante, El Greco recibió críticas del obispo el cual decía que habían errores, crítica que molesto al Greco y por ende se negó a cambiar cualquier cosa. Finalmente Felipe II le contestó y le encargó un cuadro para el Escorial, el Martirio de San Mauricio y la legión tebana. Nuevamente la obra del Greco no es de agrado dado que centró la atención de tal manera que no haría más fervorosos creyentes, por más elegante que fuera el cuadro. Por tanto, el Greco había roto la regla más importante estando presente la Contrarreforma, al dar más importancia a lo artístico que lo religioso. Tras establecerse definitivamente en Toledo, más adelante realizará El Entierro del Conde de Orgaz, este es de inspiración de una leyenda medieval. El cuadro como tal se divide en dos registros, en la parte inferior se puede observar a San Agus y San Este inhuman los restos del conde de la misma manera que habían hecho con el cuerpo de Cristo. Alrededor se encuentran los amigos del muerto y la nobleza local, siendo un acierto total. En cuanto al segundo registro, en el nivel superior se observa un ángel que eleva el alma del señor de Orgaz, que es recibido en la Gloria por Cristo, la Virgen y San Juan Bautista.  desde entonces El Greco obtuvo gran prestigio y su mejorando economía y estableciendo así su relación con Jerónima de la Cueva, a la que pintará en la Dama del armiño. permitiéndole empezar una nueva etapa en su pintura en la que los colores son más apagados, reduciéndose la gama de colores en verdes, amarillos y carmines. Además, rompe las proporciones de los miembros y deformar las anatomías, ganando expresividad las figuras. Las últimas obras obras que pintara serán retablos destacando la Capilla de San José, apostolados, retratos en los que destaca el Caballero de la Mano en el Pecho y por último paisajes de Toledo.

LA PIEDAD La Piedad le fue encargada a Miguel Ángel por el cardenal Jean Bilhères de Lagraulas, el cual especificaba de manera clara que debía representar “ a una virgen María cubierta con un ropaje y el cuerpo de Cristo envuelto en sus manos”. Esta representación es basada en una idea própia de la literatura mística del S.XV, donde se suponía que María había cogido en sus brazos el cuerpo de su hijo después del descendimiento. Esta fue la única estatua firmada por Miguel Ángel.  La piedad, ubicada en un principio en la Iglesia de Santa Petronella, luego se trasladó a la Basílica de San Pedro del Vaticano, fue realizada por Miguel Ángel entre los años 1498-1499, hecha de un bloque de mármol único del cual iba extrayendo paso a paso para eliminar los restos, siendo una escultura exenta de estilo religioso y tema claramente religioso. Se puede observar como la figura de Cristo que reposa en el regazo de María, a la cual se muestra muy jóven para simbolizar la belleza ideal, colgando el brazo derecho y ambas piernas de manera ligera, forma un composición piramidal. Por parte de ambos no hay expresividad en el rostro, sino es más bien sereno mostrando un belleza platónica con el objetivo de transmitir el concepto de perfección. Además, presenta una sensación de dinamismo y flexibilidad en los vestidos de la Virgen, también destaca la precisión y la nitidez de los detalles anatómicos en la musculatura, las venas del brazo, la herida del clavo de la mano, y más. Dado que Miguel Ángel preludia el Manierismo y su influencia superando así el ámbito de la escultura, y también se puede observar en el brazo ingrávido de la figura de Cristo en la Piedad que sirvió de modelo para el Entierro de Cristo de Caravaggio y para La Muerte de Marat. Por otra parte, el modelo de piedad aparece en el s.XXI con lecturas renovadas 

DAVID  lo realizó Miguel Ángel entre los años 1501-1504, hecha de mármol y de estilo renacentista y tema religioso, actualmente localizado en la Galleria dell’Accademia, Florencia, este tuvo un gran éxito al tal punto que fue muy aclamado por una comisión formada por miembros tales como Leonardo y Botticelli, decidió colocarlo en la Plaza de la Signoria, convirtiéndose en símbolo político  en . Con esta escultura Miguel A rompe con la tradición iconográfica florentina de representar al David como un adolecente desnudo con la cabeza de Goliat a su pies, convirtiéndose en un símbolo de la fuerza republicana de Florencia, expresando virtudes cívicas como la fortaleza y la ira como vicio en los siglos bajomedievales.  Analizando la escultura, la cual es una escultura para ser vista desde enfrente, se puede observar como la cabeza de David se mueve hacía la derecha ofreciendo un perfil al frontal espectador, teniendo por tanto el cuello girado, y también permite percibir la pasión del rostro, con una sensación intensa de vida inferior. Dando una sensación como que llegara a respirar conocido como terribilità miguelangelesca. Además,con el codo doblado lleva en la mano izquierda la onda, que cae sobre el hombro y la espalda, mientras que la derecha pende verticalmente. Descendiendo se puede observar como una pierna izquierda está doblada ligeramente y en movimiento avanzando hacía delante, mientras que la derecha, con la que se apoya se encuentra tensa creando tensión en el torso de a la manera de algunos Kouroi griegos. Por tanto, se puede presenciar la expresividad del Manierismo, destacando y siendo de gran influencia para todo tipo de obras, a tal punto que Gian Lorenzo Bernini convirtió la herencia miguelangelesca en una escultura de gran dinamismo y expresión

Caballero de la mano en el pecho Se trata de un retrato de medio cuerpo de frente con un expresividad melancólica, y es el retrato más popular realizado por Doménikos Theotokópoulos conocido mayormente como “El Greco”, utilizando como técnica óleo sobre lienzo de estilo manierista, con datación incierta y ubicado actualmente en el Museo del Prado, Madrid. Este retrato es protagonizado por un desconocido vestido con sobriedad pero con elegancia, su cadena de oro y la riqueza del pomo de la espada da a conocer su posición social, nobleza e ideales. De manera que el pintor captó a detalle sus rasgos fisionómicos, como su mirada altiva, sus facciones alejadas de oficios mecánicos. Además, este retrato ha tenido diversas interpretaciones desde que es el mismo Greco, hasta un modelo de caballero cristiano, dado que por la postura de la mano sobre el pecho izquierdo, la cual rompe la verticalidad el rostro,  parece estar en posición de juramento de defensa de la palabra de Dios. Por otra parte, el elemento más destacado de la posición es la luz que se centra sobre todo en el rostro que se encuentra rodeado por la gorguera blanca, al igual que los puños blancos junto con el pomo de la espada, estos enfoques en la piel es motivo de repetición en el campo de la fotografía contemporánea, como es en el caso de Glen and Guttmann. Estos enfoques hacen que la figura emerja del fondo sobre el que se encuentra representado y dibujado perfectamente de manera escultórica, comparación con los objetos con una pincelada más abierta. En cuanto a su colorimetría es muy reducida a grises, negro, blanco, rosa y oro.

CONTEXTOEn el siglo XVI, la alianza entre monarquías y la burguesía desplazó a la vieja nobleza, permitiendo a los monarcas consolidar el poder estatal gracias al apoyo financiero de banqueros como los Fugger. Surgió así el Estado autoritario, acabando con la fragmentación del feudalismo. En Italia, la ascensión de la burguesía en las ciudades del norte llevó a la crisis de los valores estamentales. Maquiavelo propuso en “El príncipe” un modelo pragmático de gobierno, influenciado por Fernando de Aragón. Italia fue escenario de conflictos entre la monarquía hispánica y Francia, especialmente por el control de Nápoles. La rivalidad llevó a enfrentamientos, como el saqueo de Roma en 1527. La Reforma Protestante, iniciada por Lutero en 1517, desafió el poder papal y dividió a Europa en católicos y protestantes. La Contrarreforma, liderada por Paulo III, buscó revitalizar la Iglesia y afectó al arte, marcando el surgimiento del barroco. Las guerras religiosas dominaron Europa durante dos siglos, influyendo en las expresiones artísticas. España emergió como potencia hegemónica tras vencer a Francia y pactar con los protestantes alemanes.Destacaron figuras culturales como Erasmo de Rotterdam y avances científicos de Copérnico, Galileo y otros. Roma reemplazó a Florencia como centro renacentista, con papas y monarcas protegiendo a artistas como Miguel Ángel, Rafael y Tiziano.