(BARROCO)1. Introducción

Surge a finales del s16. Comenzó a utilizarse en sentido figurado y para comerciantes florentinos significaba operación mercantil fraudulenta. Barroco es lo excesivamente complicado, ampuloso, recargado, por oposición a las normas clásicas. Se reivindica como estilo propio, independiente y en oposición al Renacimiento. Existen 2 corrientes: formal, valores plásticos; y la sociológica barroco como una época histórica. Ha permitido dividir las zonas de producción entre un barroco de corte, de iglesia y de la burguesía protestante; se pone al servicio de los príncipes absolutos. Por su parte, Roma renovará la iconografía católica e impondrá el gusto por las composiciones aparatosas, para expresar el aplastamiento de la herejía protestante. Existen 2 etapas: barroco pleno 1630-1680 (Bernini y Zurbarán; Borromini, Velázquez y Van Dyck; Alonso Cano y Rembrandt) y el barroco tardío o Rococó, de Viena y Praga.

2. La Arquitectura en Italia y Francia

Elementos comunes como el empleo del orden colosal y la riqueza de la ornamentación. La arquitectura italiana se caracteriza por las plantas movidas e idéntica curvatura de líneas y planos. Francia, en cambio, impone una dictadura arquitectónica controlada. Los espacios son de superficies regulares, los volúmenes nítidos y las fachadas son rectas. Se denomina clasicista al complemento arquitectónico que será la domesticación de la naturaleza; palacios, jardines a escala humana, geométricos y refrescados por canales.

Gian Lorenzo Bernini y Francesco Borromini

Construyen edificios de planta elíptica con muros alabeados, pero las diferencias son: los órdenes, materiales, uso del espacio y luces opuestas. Bernini: respeta proporciones, utiliza mármol, plantea espacios naturales abiertos con curvas y contracturas diáfanas. Deja sus fachadas e interiores pulidos con el propósito de que la luz y la sombra resbalen; Borromini: rompe las normas e inventa nuevos elementos, emplea ladrillo, estuco y revoque. Sus espacios son artificiales y reducidos; afila perfiles, añade resaltes y aplica aristas para que la luz se quiebre. Bernini inicia su obra con el baldaquino: palio de bronce apeado en 4 columnas salomónicas, bajo la cúpula de la basílica para conmemorar la tumba del primer apóstol. 2 obras:

La gran columnata que se extiende delante de la plaza (cátedra de San Pedro) la columnata es funcional y alegórica: cierra ópticamente la plaza del Vaticano, sirve de deambulatorio cubierto a las procesiones; la cátedra está relacionada con la silla que había usado Pedro. Abre a zona superior una gloria que perfora el muro, de Sant’ Andrea Quirinale, iglesia de planta central destinada a novicios, juega con una línea concava y convexa. Borromini: irascible y con final atormentado tenía a su clientela entre las órdenes religiosas. Su 1ª y última obra es el complejo arquitectónico. Realiza el convento y el claustro, concluye la iglesia, su fachada y en el mismo periodo construye otros tantos prodigios. Su obra culminante: Sant’Ivo alla Sapienza: planta x3 ángulos equiláteros que al cruzarse crean un hexágono. Esta celdilla de panal vuelve a repetirse en la cúpula.

Versalles: prototipo de residencia, expresión de la monarquía, un pequeño castillo, fabricado en piedra y ladrillo, rodeado de fosos y cubierto de pizarra. Se transforma en una ciudad con mansiones en las que prestan servicio: Jules Hardouin-Mansart, Charles Le Brun y André Le Nôtre. Mansart diseñó una fachada, por cuyo interior corría la galería de los espejos flanqueada por el salón de la guerra y el salón de la paz. Decoró sus espacios con mármoles policromos y trofeos dorados. Añadió 2 alas escuadra y nuevas dependencias: un invernadero, jardines, 2 caballerizas. Por su parte, Le Nôtre diseñó 3 avenidas de jardines y calles radiales.

3. La Escultura en Italia: Gian Lorenzo Bernini

Bernini dominó las disciplinas artísticas, su vocación fue la escultura. Copia las antigüedades greco-latinas del Vaticano y admira el arte de Miguel Ángel. El material fue el mármol y figuras aisladas tendrán un punto de vista frontal. La etapa juvenil: en la que tiene encargos mitológicos y bíblicos. Las obras estarán influidas por la línea serpentinata (representaciones de Eneas y Anquises, el rapto de Proserpina, Apolo y Dafne). La época llamada alto barroco, se caracteriza por la importancia de ropajes, esto le permite policromar la imagen con la luz (San Longinos). El periodo medio y el+ creativo unificó todas las artes, logrando el supremo espectáculo de la teatralidad barroca (éxtasis de Santa Teresa y tumba de Parietal Urbano7) resolvió el problema del pecho cortado en los retratos del busto mediante la colocación de ropajes flotantes que envuelven los hombros y cuya solución estaba pendiente (retrato del duque Fco I d’Este

Estilo tardío: buscaba la expresionismo y la espiritualidad. Las figuras se alargaban y los ropajes se retuercen y agitan (ángeles con los tributos de la pasión) que decoran las barandillas del puente de Sant’Angelo.

4. La Pintura en Italia

Los Carracci se inspiraron en la escultura grecolatina, copian a los dioses de la antigüedad pagana, recuperaron las proporciones ideales del cuerpo humano y dan origen al clasicismo; pintan grandes frescos para decorar: techos, paredes y palacios. El Caravaggio, en cambio, retrata inaugurando el naturalismo. El cuadro La Buenaventura (una gitana que está leyendo la mano a un joven y disimuladamente le roba el anillo. Impone en sus lienzos de caballete el tenebrismo, buscando efectos claroscurista, donde un foco de luz externo alumbra, dejando el resto en penumbra. Los Carracci (Agostino, Annibale y Ludovico) recuperaron la concepción poderosa y sensual del mundo mitológico. Aluden al triunfo de la virtud y el esfuerzo frente al peligro y a la tentación. El programa de la galería también guardaba un propósito alegórico. Ilustra la poderosa fuerza del amor, ante la que ceden los dioses y los héroes (triunfo de Baco y Ariadna) subidos a un carro tirado por leopardos y cabras. El cortejo nupcial resume claves del clasicismo: estilo solemne, inspirado en modelos antiguos y canon de belleza que aplicaron los griegos al cuerpo humano. La familia Carracci cultivó la iconografía y desarrolló el paisaje y bodegón. Michelangelo Merisi (Il Caravaggio) creador del naturalismo y tenebrismo pictórico. Fase inicial: 1590-1599, cuadros pequeños de medias figuras, pintor que vendía en los mercadillos ambulantes para subsistir, callejero de la picaresca:

Jugadores de cartas, hampones y gitanos; jóvenes andróginos, afeminados y ambiguos, bajo la apariencia mitológica de Baco. Figuras sólidas, recortadas sobre fondo neutro y de rico colorido que proclaman la conquista de la realidad. Su estilo maduro funde el naturalismo con su visión revolucionaria de la luz creando tenebrismo caravaggiesco. Fase intermedia: (crucifixión de San Pedro, conversión de San Pablo, San Mateo y el ángel, la vocación de San Mateo y el martirio de San Mateo) la vocación de San Mateo se encuentra en un plano que corta la oscuridad. Otras obras son: la Virgen de Loreto y la muerte de la Virgen. Etapa final: coincide con su exilio: las 7 obras de misericordia, decapitación de Bautista y resurrección de Lázaro.

5. La Pintura en Flandes y Holanda

Alcanza un amplísimo desarrollo en los antiguos Países Bajos. Luchas religiosas, conflictos políticos-sociales y fronteras económicas. Flandes tiene una temática religiosa evangélica y conserva el género mitológico; en cambio, Holanda cultiva asuntos bíblicos de formato pequeño para ser contemplados en la intimidad, se comienza a utilizar las escenas costumbristas por efectos de luz y de carácter puritano. Por otra parte surge una oposición en los modelos socioculturales del bodegón y el retrato. En Flandes el retrato será individual y en Holanda de carácter corporativo. Finalmente el consumismo de Flandes, reflejado en la abundancia de sabrosos manjares para estimular el apetito es sustituido en Holanda por el ascetismo protestante. Pedro Pablo Rubens: pintor de tipos masculinos y mujeres de carnes generosas, además está considerado como el artista más culto de su época.

Hace escala en Roma donde admira a Miguel Ángel, Caravaggio y a los Carracci; en Mantua, copia a Mantegna y emprende su célebre colección de monedas, medallas, relieves y esculturas. Al visitar la ciudad castellana, aprovecha y pinta el retrato ecuestre del duque de Lerma. Más tarde inicia las gestiones inmobiliarias para edificar la casa-taller más emblemática del barroco europeo: palacio con gabinete, jardín y espacio para vivir. Dominó todos los procedimientos de la técnica pictórica, desde lienzos al óleo hasta murales al fresco, pasando los cartones para tapices, el diseño de arcos triunfales cara honrar los recibimientos regios y la ilustración de libros y misales. Tocó todos los temas pero renovándolos. Pintó asuntos religiosos, mitológicos, bodegón y retratos. (Descendimiento) representó los misterios evangélicos y exaltó los milagros de los santos modernos (triunfo de la eucaristía) consta de 20 tapices. Decorador de los grandes palacios europeos de la monarquía absoluta. Funde la historia con la mitología y convoca las 3 parcas, que tejen el glorioso destino de la renian; a las 3 gracias, que presiden su educación; a Júpiter y Juno. Otras obras son: el juicio de París, el jardín de amor y la tabla 3 gracias. Rembrandt Harmenszoon van Rijn, acuñó su estilo propio en el que los contrastes de luz y sombra nunca serán tajantes. Envuelve sus figuras penumbras graduadas, misteriosas y doradas. Comenzando a pintar asuntos bíblicos y a desarrollar la técnica del grabado aguafuerte. Realiza retratos colectivos para decorar las salas de las corporaciones, obras (la anatomía del doctor Nicolaes Tulp) para rememorar una clase magistral por un célebre médico.