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Modernismo VS ART DÉCO

Modernismo

Surge entre 1890 – 1910 (finales s.XIX y principios del s.XX), durante el periodo denominado belle époque y fin de siècle. Su intención fue crear un arte nuevo, joven, libre y moderno que rompiera con los estilos dominantes de la época (historicismo, Realismo e impresionismo). Predomina la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporan novedades de la revolución industrial, como el hierro y el cristal.

Tiene distintas denominaciones según el país de desarrollo: Modernismo (España), Art Nouveau (Francia), Stile Liberty (Italia), Jugendstil (Alemania), Sezessionstil (Austria).

La Exposición Universal de París (1900) sería un hito destacado. Fueron especialmente impactantes las instalaciones coordinadas en diseño y color de las obras de arte junto a muebles y tapices, por iniciativa de la Maison de l’Art Nouveau, una galería de arte de París de 1895. Serán también importantes las Exposiciones Universales de 1888 BCN y 1902 Turín.Se inspiraron en las Arts&Crafts, fijándose tanto en su teórico, Ruskin, como en su ideólogo, W. Morris. Propónían democratizar la belleza o socializar el arte, de forma que hasta los objetos más cotidianos tuvieran valor estético y fueran accesibles a toda la población (incluso a los pobres); pero como les costaba mucho dinero, ya que era una producción artesanal, acabó llegando sólo a los ricos. Es contrario al estilo victoriano, busca la realidad rechazando la industrialización. A diferencia de ellas, el Modernismo aprovecha las novedades de la industrialización.El Modernismo no sólo se dio en las artes mayores (pintura, escultura, arquitectura), sino también en las artes menores (decorativas, artes gráficas, diseño de mobiliario, joyería, cerámica, lámparas, cristalería… Y todo tipo de objetos de la vida cotidiana, incluido el mobiliario urbano, que pasó a tener gran importancia). Lo más importante del movimiento serán la arquitectura y las artes decorativas.

Lo más carácterístico del Modernismo es: (6)

1. Formas orgánicas:

inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos naturales, con preferencias en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central

2. Línea curva y asimetría: Tanto en plantas y alzados de los edificios como en la decoración

3. Estilización de los motivos: Es menos frecuente la representación estrictamente realista

4. Imágenes femeninas:

actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas (drapeado).

5. Sensualidad: Complacencia de los sentidos, llegando al erotismo en algunos casos

6. Exotismo: Ya sea pura fantasía o con inspiración en distintas culturas, como por ejemplo las estampas japonesas

La derivación de estas carácterísticas del Modernismo en la década de 1920 dio origen al denominado Art Déco. En la época de la Primera Guerra Mundial (1914-1918), la naturaleza altamente decorativa del diseño modernista ya había comenzado a ser abandonada en favor de trazos más simples y rectilíneos, más en armónía con la estética plana y el menor coste de los diseños industriales. Hacia los años veinte esa tendencia se concretaría con el nombre de Art Déco.

Ukiyo-e (Japón): antecedente del Art Nouveau (estampa japonesa). En la expresión de las líneas es donde más se nota la influencia del japonismo en el Art Nouveau (línea valorativa). El japonismo introduce también la asimetría (lo occidental era todo simétrico); aunque también la introduce la fotografía.

El Art Nouveau fue un movimiento efímero, su apogeo terminó en 1905, aunque hay obras posteriores que muestran su influencia. Sin embargo, la importancia real del Modernismo radica en que, pese a su corta existencia, sirvió para romper radicalmente con las formas del pasado; reintrodujo la noción del impacto de lo nuevo en la arquitectura, y preparó a arquitectos y clientes para la posterior arquitectura del s. XX.

VÍCTOR HORTA:

Detalles de una casa en Bruselas

GAUDÍ:

nacido en Reus (1852) y muerto en Barcelona (1926). Arquitecto español, máximo representante del Modernismo catalán. Fue un arquitecto con una gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras antes de pasarlas a planos.Él solía supervisar todos los aspectos de la construcción, ve el edificio como un todo y lo diseña todo, tanto la estructura como la decoración, cada mínimo detalle, integrando toda una serie de trabajos artesanales (cerámica, vidriería…). Además, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los materiales, como su famoso “trencadís”.Los juegos con la luz y el espacio que realiza en sus obras serían de gran importancia. La obra de Gaudí culminará en un estilo orgánico, inspirado en la naturaleza, pero sin perder la experiencia aportada por estilos anteriores (como el neogótico), generando una obra arquitectónica que es una simbiosis perfecta de la tradición y la innovación. Asimismo, toda su obra está marcada por las que fueron sus cuatro grandes pasiones en la vida: la arquitectura, la naturaleza, la religión y el amor a Cataluña.

ART DÉCO

Fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países) que influyó las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, gráfico e industrial; también artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura y cinematografía.

El Art Déco era un estilo opulento y su exageración se atribuye a una reacción contra la austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial. De manera simultánea a una creciente depresión económica y al acercamiento de la Segunda Guerra Mundial, había un deseo intenso por el escapismo. Alcanzó su apogeo en los años 20. Aunque muchos movimientos del diseño tienen raíces o intenciones políticas o filosóficas, el Art Déco era casi puramente decorativo, se le considera un estilo burgués. Es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución Industrial. Su significado gira en torno al progreso, el orden, la ciudad y lo urbano, las máquinas. Fue un avance frente al Art Nouveau.

ART DÉCO

Historia

Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizaron la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas en París, y se llamaron a sí mismos “los modernos”. Causó tal impresión a los visitantes que se reprodujo en ciudades como Nueva York, Bruselas, Tokio, Casablanca o Chicago, entre muchas otras. Una tras otra, todas las ciudades del mundo se regeneraron con un rincón Art Déco, moderno, provocador futurista. Tenemos por ejemplo el Rockefeller Center y el edificio Chrysler o el Empire State en Nueva York, o el Cristo de Corcovado en Río de Janeiro.

El movimiento llego hasta el punto en el que se empleaba para representar falsas pretensiones de lujo. Sin embargo, el estilo caería finalmente en decadencia a causa de las austeridades impuestas por la Segunda Guerra Mundial.

Este movimiento es, en un sentido, un amalgama de muchos estilos y movimientos diversos de principios del s. XX y, a diferencia del Art Nouveau, se inspira en las Primeras Vanguardias. Las influencias provienen del Constructivismo, Cubismo, Futurismo, Art Nouveau (del que evoluciona) y el estilo racionalista de la escuela Bauhaus. Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto marcaron este estilo. En definitiva, el Art Déco representa la uníón entre la tradición (los últimos estilos artísticos del s. XIX como el Art Nouveau) y la modernidad (Primeras Vanguardias como el Cubismo o el Futurismo + nuevos materiales).

AUTORES IMPORTANTES

Támara DE LEMPICKA:

la autora más importante del Art Decó. Fue una pintora polaca que alcanzó la fama en Europa y EEUU con sus retratos y desnudos de gusto Art Déco. Nacíó en un entorno de lujos y abundancia. Desde sus primeras obras, Támara buscó representar la figura humana. Fue “la primera artista mujer en ser una estrella del glamour”. Fue una de las mayores representantes del estilo Art Déco en dos continentes, y la favorita de muchas estrellas de Hollywood, conocida como “la baronesa con pincel”. Fue la retratista más reconocida de su generación entre la “alta burguésía” y la aristocracia, pintando a la altas sociedad. A través de su red de amistades, fue capaz de exponer sus pinturas en los salones de mayor élite del momento. Su estilo, a menudo identificado como “Cubismo suave”, empezó a cobrar popularidad a partir de 1922, cuando empezó a exhibir su trabajo.

En 1929 se divorcia, es el año en el que pinta uno de sus trabajos más famosos, “Autorretrato en un Bugatti verde”, en el que recuerda la trágica muerte de la bailarina estadounidense Isadora Duncan, que murió estrangulada cuando su largo chal se enredó en una de las ruedas posteriores de su Bugatti (1927). En 1980 muere en Cuernavaca (México).

Obra

Su producción se centra en retratos femeninos y en desnudos de ambos sexos. Siguiendo la tendencia de la pintura Art Déco, pintaba mujeres etéreas, con ropajes flotantes y dedos largos, aunque dan una impresión férrea y escultural por la pincelada pulida y los marcados contrastes de luces y sombras. Sus influencias principales son Botticelli, el retrato manierista y el Cubismo; no llega al arte abstracto. Támara empleaba esta fusión de estilos antiguos para representar temas actuales, donde las figuras visten y llevan peinados de última moda. Aunque su obra más famosa es de desnudos, también retrató a su hija y a personas relacionadas con la burguésía artística de París y Nueva York.

Su estética ha atraído a estrellas del espectáculo como Barbra Streisand, Jack Nicholson y Madonna, de quienes se dice que coleccionaban sus pinturas.

Obra

Su estética ha atraído a estrellas del espectáculo como Barbra Streisand, Jack Nicholson y Madonna, de quienes se dice que coleccionaban sus pinturas.

– El Art Nouveau surgíó en la última década del Siglo XIX, y su influencia se extendíó hasta finalizada la primera del XX. Sus raíces pueden encontrarse en el Reino Unido, en el movimiento Arts & Crafts liderado por el artista y diseñador William Morris. Los primeros ejemplos arquitectónicos aparecen en Bélgica, aunque París fue el gran foco de un movimiento que se extendíó con cierta rapidez, básicamente por Europa.

+ El Art déco (abreviatura de “Arts Décoratifs”) surgíó justamente cuando moría el Art Nouveau, hacia 1910, aunque fue evolucionando para alcanzar su cumbre en los años 20. Pronto se extendíó hacia el mundo entero, con ejemplos de su arquitectura y diseño en los cinco continentes. Ha pervivido a lo largo del tiempo con periodos de decadencia, cruce con otros estilos e interesantes reapariciones.

– El Art Nouveau surgíó como reacción tanto frente al agotamiento de los modelos clasicistas y la pompa Beaux-Arts como a la sociedad industrializada. Se enfrentaba en cierta manera tanto al pasado como al futuro, en un momento de inquietud frente a un porvenir incierto que desembocó en la I Guerra Mundial. Escapista y hedonista, fue rápidamente adoptado por la burguésía, que deseaba diferenciarse del resto y también refugiarse en un mundo a su medida. La idea era que quien accediera a una mansión de este tipo se adentrara en un nuevo mundo, inédito y aislado del exterior.

+ El Art déco en cambio no teme volver a modelos del pasado, y también abraza el futuro y se fascina por la tecnología, la maquinaria y la velocidad. Fue también impulsado por las clases más refinadas, pero después lo adoptó sin problemas el gusto más popular.

– El Art Nouveau se basa en lo ágil, lo fluido, en el movimiento que aportan las curvas y la asimetría.

+ El Art déco parece obsesionado con las formas geométricas, con las rectas y ángulos, con la masa y la simetría como valores constantes.

– El Art Nouveau experimentó un fuerte impulso con la Exposición Universal de París de 1900

+ El Art déco debe en gran medida su popularización (y su nombre) a la Exposición de Artes Decorativas de París en 1925.

– El Art Nouveau experimentó un fuerte impulso con la Exposición Universal de París de 1900

+ El Art déco debe en gran medida su popularización (y su nombre) a la Exposición de Artes Decorativas de París en 1925.

1.- Movimiento: IMPRESIONISMO

El nombre de Impresionismo deriva del cuadro Impresión, sol naciente, 1872, de Monet. Los impresionistas, en cambio, reconocieron la ciudad moderna como paisaje, porque entendieron que los cambios históricos afectaron también la función del arte. ¿Cómo se terminó el impresionismo? Resultado de imagen de porque acabo el impresionismo A principios de 1880 estas diferencias estilísticas y las cuestiones personales comenzaron a agudizarse y el Impresionismo como movimiento de vanguardia acabó diluyéndose.

– Lugar: Francia

– Periodo histórico: Último cuarto del s XX

-Exponen juntos en el Salón de los Rechazados, 1863

-Exponen juntos por última vez en 1886

– Interés fundamental: la luz.

Carácterísticas: -Les unían un sentimiento de amistad y unos ideales estéticos comunes, más que la conciencia de ser un movimiento. -Se reunían en tertulias. -Contra el academicismo y el arte social. -Entienden la realidad como un constante devenir,… Las cosas “no son”, si no que “parecen ser”. -Conocimiento científico del color. -Experimentación de la luz (estudian cómo afecta la incidencia de la luz sobre los objetos) -Apariencias sucesivas: representan un mismo paisaje u objeto a diferentes horas del día, o de diferentes épocas del año. -También tratan de plasmar la atmósfera y las relaciones entre la luz, el tiempo y el espacio. -Plasmaron el instante fugaz, es decir, la impresión en un momento determinado. -La coloración de sombras en detrimento del claroscuro. Para ello usan tonalidades complementarias como luces amarillas y sombras violáceas. -Encuadres y puntos de vista novedosos, influencia de la fotografía. -Abandono del dibujo “correcto”. Las formas y volúMenes son sugeridos por las pinceladas más que por el dibujo. -Pincelada suelta (pinceladas de colores puros agrupados que observados en la distancia se funden en la retina del espectador). Superposición de colores en el lienzo. -La perspectiva ya no obedece a la geometría, sino que resulta de la disociación cromática que define el espacio.

– Artistas destacados:

Edouard MANET

No fue en realidad un impresionista, aunque sin él no habría impresionismo, movimiento que copió su novedosa técnica y sus inéditas temáticas. Obras: Almuerzo en la hierba 1863 Torero muerto El suicidio

Claude MONET

Innovaciones en el estudio del color y la luz .Comienza a intentar plasmarlo en pintura mediante manchas. Una serie de manchas de colores que representaban un paisaje mejor de lo que había sido representado nunca (variaciones de colores) Obras: Impresión,sol naciente 1872 Los nenúfares 1926

Joaquín SOROLLA:

Temáticas suyas:Paisajes,Costumbrista, marinas. Trabaja al aire libre.Tiene libertad de pincelada y también destaca el uso de la luz.Obra: El bote blanco 1905 Paseo a orillas del mar 1909 Niños en la playa 1909

Berthe MORISOT:

Estudio de luz y color. Empezó a desarrollar una especie de nueva «taquigrafía visual» de pinceladas cortas y rápidas para pintar lo que tenía delante, fueran objetos o personas. Plasmó el movimiento y la caída de la luz trazando rayas discontinuas con la superficie del pincel, rápidas líneas con la punta del mismo y rayando la pintura con el mango.( manera tan experimental.)Pinta al aire libre Obras: Ante el espejo 1876 Un dia de verano 1879 El espejo de vestir

Escultura impresionista

Aspecto inacabado de sus obras -La manera de capturar la luz y el movimiento, muy poco rígido. -Obra viva y llena de matices. -Uso del yeso

AUTORES

-Camile Claudel Con 17 años fue admitida en una Academia de Arte parisina y de pronto, Auguste Rodin se percató del talento artístico de la joven. Su Naturalismo tenía rasgos de impresionismo y simbolismo, buscando siempre la emoción que se traduce en un exquisito dramatismo gracias a un perfecto dominio de las técnicas y a su enorme sensibilidad. Obras: El hombre inclinado 1886 Clotho 1893 La edad Madura 1899

-Auguste Rodin El escultor más famoso de Francia, Auguste Rodin fue contemporáneo del Impresionismo y es considerado «el padre de la escultura moderna». Con él se acabó eso de buscar la mimesis y creó un nuevo concepto escultórico en lo referente al monumento y la escultura pública. Tenía un espíritu experimentador y audaz, en el que destaca una radical innovación (algo que lo enmarca de alguna forma en el movimiento ROMántico).El caos podía ser una herramienta eficaz para plasmar sus intenciones.Vinculado al impresionismo, por el uso de la luz en sus obras. Obra sea tan poco rígida, tan viva y llena de matices. Rodin trabajaba en yeso y a su única escultura oficial: en mármol. Obras: Soy bella 1882 El pensador 1882 Las tres sombras La puerta del infierno 1917

2-Movimiento: POSTIMPRESIONISMO

Es la forma en que denominamos a una serie de actitudes y tendencias que, a pesar de estar vinculadas al Impresionismo, son la puerta de entrada al arte del Siglo XX. Dar un paso más en cuanto emoción y expresión a la pintura y todos presentaron una visión particular de la naturaleza… una visión subjetiva del mundo.

– Lugar: Francia

– Periodo histórico: se data su duración entre la última exposición conjunta de los impresionistas en 1886 y el surgimiento de Cubismo, en 1907 (aprox). Los artistas postimpresionistas estaba ya muertos. Ningún postimpresionista era consciente de estar en el postimpresionismo.

Carácterísticas:

Estilísticamente no hay un rasgo definitorio que una a estos autores, pero en general todos los postimpresionistas: -Asentaron las bases del arte moderno. -Por lo general no fueron apreciados en vida. -Una vez muertos fueron considerados clásicos intocables. -Sus pinturas son hoy las más caras de la historia. -Uso de colores vivos influencia de la experimentación impresionista. -El color es usado de forma personal en cada artista y hay que valorarlo en su contexto. -Pinceladas poco discretas -Unas temáticas basadas en la vida real. -En contra del impresionismo, se oponen a reflejar fielmente a la naturaleza. -Su visión subjetiva del mundo conlleva una mayor libertad formal y expresiva -Interés por lo exótico. El postimpresionismo dio paso a la indagación en los lenguajes plásticos y técnicas pictóricas. Entre algunas de estas técnicas y recursos se pueden contar: -El puntillismo, que compone formas mediante la aplicación de millares de puntos uno al lado del otro. -Tendencia a la geometrización de las formas mediante su reducción a elementos básicos. -Contornos gruesos bien delineados. -Zonas de color plano, sin preocupación por el volumen de las figuras. -Supresión de la profundidad espacial en la mayoría de los casos. -Uso de pinceladas gruesas y manchas.

-Artistas destacados:

Vincent Van Gogh:

Los colores vivos (y muy matéricos), el abandono del Naturalismo, las formas que parecen moverse o caerse…(colores chillones, pinceladas bruscas…)Su pintura es emocionante y atemporal, brutalmente sincera y muy popular (los profanos en la materia y los niños captan perfectamente la expresividad de su obra). Obras: La noche estrellada 1889 Autorretrato 1889 Los girasoles 1888

Paúl Gauguin:

un novedoso y expresivo uso del color, el gusto por la simplicidad del primitivismo, la audaz experimentación en todos los ámbitos y técnicas, la bohemia y la intención de alejarse de lo establecido, lo que se podría calificar de pura subversión (delineadas con negro) pureza emocional en sus temas, predicando la armónía entre hombre y naturaleza,lo sobrenatural a la vida diaria, el folklore y el arte popular, la religión desde un punto de vista místico y la búsqueda del paraíso, que quizás nunca encontró. Obras: Visión tras el sermón 1888 Bodegón con tres cachorros 1888 Agua misteriosa 1893

Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa:

Diseñó carteles(estampas japonesas)figuras expresivas con pocas lineas y paleta de colores limitada. Obras: Moulin Rouge La Goulue 1891 3.El movimiento: Modernismo

3.El movimiento: Modernismo S.XIX;XX (1890-1920)

El Art Nouveau es un arte joven, libre, innovador que busca una ruptura total con las infl uencias del arte histórico. Bajo el mecenazgo de una burguésía rica y poderosa, el movimiento trasciende para incorporar artes mayores (pintura, escultura, arquitectura) y menores (cerámica, joyas, mobiliario, grabado, carteles, etc). Aunque de poca duración, el Art Nouveau fue un movimiento clave en la transición del Siglo XIX al Siglo XX, del neoclasicismo a la modernidad y a los ismos del arte contemporáneo.

Temas destacados: La naturaleza Se destacan las formas orgánicas entrelazadas, los motivos de vegetales, la línea curva y la sensualidad. Las formas son sinuosas, florales e innovadoras. Se abandonan los temas diarios a favor de temas simbólicos y conceptuales donde la mujer y la naturaleza son enfatizadas

Carácterísticas: –

Inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central. -Uso de la línea curva y la asimetría; tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración. – Tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente su representación estrictamente realista. – Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas (drapeado). – Actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando hasta el erotismo en algunos casos. -Libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas, como por ejemplo el uso de estampas japonesas. -Aplicación envolvente del motivo tomando alguna de las carácterísticas anteriormente mencionadas en contraposición con las carácterísticas habituales del elemento a decorar. El elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el elemento que decora.

MARIANO FORTUNY MADRAZO

En 1911 creó la sociedad Mariano Fortuny para comercializar tejidos y para imprimir mecánicamente papeles pintados, fotografías y tejidos, a excepción del terciopelo y la seda. Investigaba en diferentes campos, como en pintura, fotografía, escultura, arquitectura, escenografía o técnicas de iluminación para artes escénicas. Innovó mucho en la obtención de colores para sus pinturas y en el tintado de las telas que diseñaba siguiendo los antiguos recetarios. En toda su ecléctica e historicista producción artística se observa la influencia del arte del pasado: hispanomusulmán,renacentista,etc. Creó los métodos para la estampación de terciopelos,sedas y algodones. Intentaba interpretar ricos tejidos y vestidos de otras épocas. Desarrolló y patentó un proceso para imprimir telas con pigmentos metálicos. Buscó inspiración en el arte griego : Knossos velo de satén, vestido de Delphos. Destacado también como fotógrafo y por sus lámparas en metal y seda SXX.

ARQUITECTURA MODERNISTA

Carácterísticas generales: 1. Elementos estructurales y ornamentales inspirados en elementos vegetales de tipo orgánico: formas redondeadas, entrelazados (arabescos) 2. Carácter envolvente: lo decorativo y lo funcional se unen. 3. Predominio de la línea curva, asimetrías, estilización. 4. Empleo de nuevos materiales constructivos: hierro (recuperación de trabajos de forja artística); y materiales que ya estaban en desuso: ladrillo, azulejería; 5. Libertad e imaginación. Sacar al arte de las normas convencionales 6. Arquitectura simbólica, sugerente, embellecida, que despierta los sentidos.

-Artista importante:

Antoni GAUDÍ:

Carácterísticas propias de Gaudí:

1. -gusto por recuperar y mezclar estilos arquitectónicos: azulejería árabe (le gustaba la luz y la plasticidad de los azulejos); elementos clásicos (le gustaba usar solemnes columnas dóricas); estilo gótico (empleo de ladrillo, bóvedas, arcos apuntados, pináculos y agujas como remates, etc.).

2. -los edificios se envolvían en una profusa decoración, imaginativa y surrealista. Obras: La Sagrada Familia 1882 Casa Milá 1906-1910 Parque Güell.

Paúl Cézanne

Es el padre de la pintura moderna, puente entre el Siglo XIX y las nuevas propuestas del XX. Estilo geométrico y estudio de los espacios. Trató de conseguir una comunión armoniosa entre Naturalismo, la expresión personal y el orden pictórico(formas simples y planos de color. Todo era geometría.) Obras:Martes de carnaval 1888 Cesto de manzanas 1895 Pirámide de calaveras 1901

ART NOUVEAU

-SXIX-XX Francia raíces en Reino Unido. -Art Nouveau surgíó como reacción tanto frente al agotamiento de los modelos clasicistas y la pompa Beaux-Arts como a la sociedad industrializada. Se ha dicho que de alguna manera se enfrentaba tanto al pasado como al futuro, en un momento de inquietud frente a un porvenir incierto que desembocó en la I Guerra Mundial. La idea era que quien accediera a una mansión de este tipo se adentrara en un nuevo mundo, inédito y aislado del exterior.

-Art Nouveau se basa en lo ágil, lo fluido, en el movimiento que aportan las curvas y la asimetría. -Arquitectura de modelos campestres y artesanales.

-Art Nouveau buscaban ante todo una unidad de estilo.Vidrieras de colores, columnas con formas excéntricas, volutas, flores, cerámicas, rejas curvas y en general todo tipo de ondulaciones y asimetrías(en interiores).

-Termina por:Art Nouveau fue sobre todo un asunto de gran burguésía ilustrada, de industriales patronos de las artes y la cultura con aspiraciones de elitismo estético. Con algunas excepciones, se diluyó rápidamente una vez finalizada la primera década del Siglo XX, por lo que resultó bastante efímero.

ART DECÓ

-Aparece justo después de la muerte del art nouveau en 1910. Destacó más en los años 20.

-Art déco en cambio no teme volver a modelos del pasado, y también abraza el futuro y se fascina por la tecnología, la maquinaria y la velocidad. Fue también impulsado por las clases más pudientes, pero después lo adoptó sin problemas el gusto más popular, en una sociedad ávida de lujo llamativo.

-Art déco parece obsesionado con las formas geométricas, con las rectas y ángulos, con la masa y la simetría como valores constantes.

-Arquitectura fachada geométrica y separadamente clasicista. -Abundan los pastiches de distintas épocas y estilos (en interiores)

-Termina por: Art déco influyó en el cine de Fritz Lang, y luego fue rápidamente adoptado por el Hollywood de los años 20, 30 y 40 como estilo carácterístico que evocaba lujo y esplendor. Esa fue posiblemente otra de las claves de su éxito, y de su capacidad para perdurar. Por eso, pese a languidecer un poco con el crack bursátil del 29 tardó mucho tiempo en desaparecer del todo, subsistiendo incluso después de la II Guerra Mundial. El posmodernismo le sentó especialmente bien, y propició su regreso al primer plano en distintos momentos desde finales de los años 60, con un repunte especialmente notorio en el neo-déco ochentero.

-Autores destacados: Támara de Lempicka:extraordinaria retratista. El desnudo y el retrato son sus principales géneros. Hombres elegantemente vestidos, o bien mujeres etéreas, con las telas de sus vestidos flotando. Se quiso ver también ciertos rasgos propios del Cubismo en su obra, y desde luego la artista tuvo contacto con el movimiento, adoptando cierta geometrización en algunas de sus obras. De hecho, el eclecticismo es quizás lo más carácterístico de su producción. Obras:La bella Rafaela 1927 Autorretrato en un Bugatti verde 1926 Maternidad 1928