Matisse. Composición: Matisse se caracteriza por sus composiciones simples y por el empleo del color para las mismas. Las composiciones tienden a la simplificación decorativa. Sin mediación de los principios académicos de composición y buscando una nuevo tipo de representación figurativa, sin concesiones al detalle.  Línea: Empleo de la línea gruesa para separar las diferentes zonas cromáticas. En muchos de sus cuadros hay un gusto por la curva y la contracurva como elementos claves en la composición. En este sentido los elementos curvilíneos dotan de dinamismo al lienzo (véase las dos versiones de La Danza), contrarrestando la falta de dinamismo que pueda haber en la composición.  Color y luz:
Colores planos sin empleo de la luz que crean grandes zonas cromáticas de colores puros.
El color se empleará de forma arbitraria, es decir,, el color pasa de ser imitativo a ser solamente expresivo (influencia de Paúl Gauguin). El color también genera el volumen, no hay empleo ni del claroscuro ni del modelado. Perspectiva: La perspectiva para Matisse se realiza a base de colores (perspectiva cromática). Incluso puede ocurrir (véase Armónía en rojo) que el espacio desaparezca, volvíéndose totalmente plano, gracias al empleo de un solo color. Obras. Lujo, calma y voluptuosidad: Utilización del color puro en gamas luminosas e intensas Primera fase uso del divisionismo; pequeño trazo rectangular de color puro Equilibrio: horizontal del horizonte con vertical del tronco y del palo de la vela Diagonal de playaconecta la oposición vertical- horizontal. La raya verde: Pinceladas siguen una dirección y un ritmo Espacios planos, el amago de profundidad lo adquiere por la contraposición de colores secundarios en el fondo: naranja(amarillo-rojo), verde (amarillo-

azul

Y violeta (rojo-azul) Unos escasos contornos captaban elementos básicos, el resto era accesorio. Para eso ya existía la fotografía Busto de su esposa con cabeza ligeramente girada (composición sencilla) Raya verde separa zona de luz y de sombra (debate) y acentúa contraste Cabellos negros con reflejos azulados En la figura, por el contrario, predominan colores primarios (rojo, azul y amarillo) La alegría de vivir. Desnudos femeninos y masculinos. Mujeres con cuerpos curvilíneos  trazando arabescos: chica adornándose con una guirnalda; las dos mujeres tendidas en el suelo, una de rente y otra de espalda, la retorcida pareja de amantes; el pastorcillo al fondo y la mujer en primer plano tocando la flauta; la otra pareja medio abrazada en una postura muy sensual; la mujer agachada; y los personajes que están bailando en corro.

Picasso. Obras. Ciencia y Caridad: Es un lienzo que nos ofrece una gama cromática apagada (ocres, marrones, blanco, grises, azules) y una luz tenue y artificial. En ella podemos observar una pintura de género (asistencia hospitalaria, subgénero del Realismo social)) donde apreciamos a una enferma que es atendida por un médico que le está tomando el pulso, mientras que una monja con un niño en brazos observa la escena con compasión. Picasso utilizó como modelo para esta pintura a su padre para realizar la figura y el rostro del médico. La enferma se muestra encamada y en su rostro se puede observar los efectos de la enfermedad (palidez del rostro).. La preocupación de la misma está más centrada en el niño que está en brazos de la monja que en el padecimiento de su propia enfermedad. En el cuadro se puede apreciar la combinación entre Ciencia (el médico) y Caridad (la monja) que regía los centros hospitalarios de aquella época. El viejo guitarrista: Tonos fríos (tristeza) Formas angulosas Cabeza y cuerpo decaído Soledad de los personajes Personajes marginales (ciegos, mendigos, etc.) Canon muy estilizado de figuras muy delgadas Dibujo muy marcado Visión extraviada. La Vida: Cuadro imponente: por el tamaño y por el estudio previo. En uno de los bocetos preparatorios la figura masculina tiene el rostro de Picasso, pero en la obra definitiva tiene el de Casagemas. Iconología. Interpretación de las dos parejas: incompatibilidad entre la vida y el amor sexual. La pareja humana, fuente de la vida, indica el fruto de la uníón física. Los desnudos que se representan entre las dos parejas nos recuerdan que la vida es dolor (a parte de indicarnos que estamos en el estudio de un pintor). Las figuras muestran una rigidez estatuaria.Amor carnal Amor maternal Composición simétrica La línea prevalece sobre el color monocromo azul con algunas tonalidades marrones en la pareja del centro La luz es naturalista. Las señoritas de Aviñón: Cinco mujeres con formas angulosas (se rompe tradicional representación femenina con sensuales curvas) Fondo plano, con teatralidad de cortinas Inspiración en artes primitivos: Ibérico: mujeres de rostro ovalada de largas orejas y ojos almendrados. Africano: mujeres con rostros deformes como máscaras Gran innovación: cuerpo de espalda y cabeza de frente (selección de planos y reconstrucción de realidad: fusión espacio-tiempo)